第一篇：摄影基础教案 第一课
摄影基础教案：第一课 摄影术基本概念
教学目的与要求：
要求学生了解摄影术的诞生、发展及对社会的影响。找出摄影的发展和科学技术进步是相辅相成的答案。
重点：
摄影术诞生的契机条件。难点：
摄影术发展的因素。教具：
照相机、多媒体教室 教学程序：
一、摄影概述
1、摄影光学基础知识
照相机的工作过程，概略地说是应用光学成象原理，通过照相镜头将被摄物体成象在 感光材料上。下面将粗略地介绍摄影光学成象原理：人类对于光的本性的认识，光线的传播及透镜成象原理。
人类对于光的本性的认识经历了漫长而又曲折的过程。在整个18世纪中，光的微粒流理论在光学中仍占优势，人们普遍认为光是微小的粒子组成的，从点光源发出并以直线向四面八方辐射。19世纪初，以杨氏（Young）和菲涅耳（Fresnel）的著作为代表逐步发展成今天的波动光学体系。如今对光的本性认识是：光和实物一样，是物质的一种，它同时具有波的性质和微粒（量子）的性质，但从整体来说，它既不是波，也不是微粒，也不是它们的混合物。
从本质上，讲光和一般无线电波并无区别，光和电磁波一样是横波，即波的振动方向与传播方向垂直。一个发光体就是电磁波的发射源，发光体发射的电磁波向周围空间传播，和水波波动产生的波浪向四周传播相似。强度最大或最小的两点距离称为波长，用λ表示。传播一个波长所需的时间称为周期，用T表示，一个周期就是一个质点完成一次振动所需要的时间。1秒内振动的次数称为频率，用ν表示。经过1s振动传播的距离称为速度，用“v”表示。波长、频率、周期和速度之间有如下关系：
v=λ/T，ν=1/T，v=λν
由此可见，光的波长与频率成反比。实际上光波只占整个电磁波波段的很小一部分，见图：
波长在400～700nm的电磁波能够为人眼所感觉，称为可见光，超过这个范围人眼就感觉不到了。不同波长的可见光在我们的眼睛中产生不同的颜色感觉，按照波长由长到短，光的颜色依次是红、橙、黄、绿、青、蓝、紫等色。不同波长的电磁波在真空中具有完全
相同的传播速度，数值是c=300,000km/s。
光既然是电磁波，研究光的传播问题，应该是一个波动传播问题，但是在设计照相机镜头及其他光学仪器时，并不把光看作是电磁波，而是把光看作是能传播能量的几何线叫做光线。光源A发光就是向四周发出无数条几何线，这无数条具有方向的几何线就叫做光线。这样在几何光学中研究光的传播问题，就变成了一个几何问题、数学问题，问题简化多了。
下面叙述几何光学的几个基本定律——光线的传播规律：
(1)光的直线传播定律 光在均匀介质中，是沿着直线传播的，即在均匀介质中光线为一直线。光的直线传播现象在日常生活中随时随地可以见到，如物体被光照射而成影，小孔成象等。光的直线传播引出了光线这个概念。
(2)光的独立传播定律 光的传播是独立的，当不同光线从不同方向通过介质某一点时，彼此互不影响。当两支光线会聚于空间某一点时，它的作用为简单的叠加。光线的这一性质，使被拍摄物体各点的光互不影响地进入照相镜头，在成象面上成象。
(3)光的反射定律 当光传播到两种不同介质的分界面时，就会改变传播方向，发生光的反射。光的反射定律指出：
①入射光线、反射光线和分界面上光投射点的法线在同一平面内，人射光线与反射光线分别位于法线的两侧。
②人射角和反射角相等。如图1-2-2所示，入射光线与法线N的夹角记为入射角，用i表示；反射光线与法线N的夹角记为反射角，用α表示。则有i=α。光的反射现象还具有可逆性，假如光线逆着原来反射光线方向入射到界面上，那么它将逆着原来入射光线的方向反射出去。
随着界面的不同，反射又可分为定向反射和漫反射。从一个方向入射到光亮、平整的镜子上的光线，入射点都落到同一平面上，其反射都向着同一方向，如图1-2-3（a）所示，则称为定向反射。当光从一个方向投射到粗糙表面上时（如毛玻璃面等），由于粗糙面可
以看成由许多角度不同的小平面组成，光线便从各个不同的方向反射出去，称为漫反射，如图1-2-3（b）所示。但需注意在漫反射现象中，就每一条光线而言都还是遵循反射定律的。
光的反射，在照相术中起着相当重要的作用。例如人本身并不发光，但当光线从各个角度照射到人身上后，光线便可从各个角度有所反射。我们常利用反射光进行拍照，就是遵循光的反射定律。
2、摄影术的基本原理
在摄影中，通常使用照相机或者照相暗盒（Camera obscura）作为照相设备，利用光学胶卷或者数码存储卡作为记录介质。但也有例外，比如Man Ray于1922年发明的实物投影法（rayographs）就是利用影子在相纸上成像，而不需要用到照相机。
照相利用的是小孔成像原理。为了保存影像信息，一般还要使用感光介质。完整的影像记录，再现技术被称为摄影术。
小孔成像原理（针孔模型）
现实影像被依据针孔成像原理设计的光学结构转化后投射到影像纪录接口（软片/CCD）上，介质记录了光学信息并转化为元信息（潜影或元数据），该信息通过化学或数字流程转化为可被再次识别的现实影像副本。摄影包含静态的图片摄影和动态的电影、电视摄影，它们同属于基于时间的媒体形式（time-based media）。
背景资料：小孔成像
小孔成像是古典光学中一种重要成像现象。如果在烛焰与光屏之间放一个带有小孔的遮光板，就可以在光屏上得到一个倒立的烛焰的像，这一现象被称为小孔成像。小孔成像是说明光沿直线传播的典型例证。
齐鲁大地历史文化悠久，人杰地灵。早在2300多年前的战国时代，中国伟大的古代科学家墨子进行了世界上最早的小孔成倒像的实验，发现了小孔成像的光学原理，并给予了精辟的解释。《墨经》中有“景倒，在午有端”的记载，意思是说，发光体发出的光线在隔屏的小孔处交聚成一点，由此给出的影是倒立的。这是对小孔成像现象的最早描述，也是对光沿直线传播的第一次科学解释。西方称墨子为“摄影光学理论和实践的开创者，是探索光学成像原理的第一人”。墨子故里山东滕州也因此成为小孔成像的发源地。
此后，人们对小孔成像的现象和机理进行了更多的研究，其中被提及较多的是所谓“倒塔影”。唐代段成式《酉阳杂俎》、宋代陆游《老学庵笔记》、元代杨瑀《山居新话》，均曾提及此现象。在沈括所著的《梦溪笔谈》一书中，详细叙述了“小孔成像匣”的原理，对小孔成像理论作了进一步分析和解释。延至明清，记述者更为多见，甚至还有人专门搜集各地“倒塔影”的实例，这表明小孔成像现象已经受到人们的普遍注意。
在西方关于小孔成像的记载，最早见于古希腊著名哲学家、美学家亚里士多德的著作中。公元1000年阿尔哈赞开始利用小孔成像研究黑盒子。1267年英国哲学家R·培根因描写了利用小孔观看日食的现象被教会以施巫惑众罪名处死。1490年意大利画家达·芬奇再一次利用小孔镜头做了黑盒子实验。在16世纪文艺复兴时期，欧洲出现了供绘画用的“成像暗箱”。
小孔暗箱虽能成像并得到应用，但是不能解决影像亮度和清晰度的矛盾，于是出现了有透镜的暗箱形成的照相机的雏形。带透镜的暗箱虽然能观察景物，但却不能把看到的景物永久保存，后来的人们开始对影像如何复制的问题进行了思考。19世纪30年代法国发明家达盖尔发明了世界上第一台根据小孔成像原理制造的可携式木箱照相机并于1839年8月19日正式 公布了“达盖尔银版摄影法”，这一天被世界公认为摄影术的诞生日。由此小孔成像技术在摄影领域开始了广泛的应用，使人们的摄影梦想成为现实。
背景资料：小孔成像实验
材料：能套在一起的圆纸筒，半透明白纸，不透明厚纸，浆糊（透明胶），缝衣针。制作实验：⒈ 找两个能紧密套在一起的圆纸筒，在大纸筒的一个底部粘上不透明厚纸，并用缝衣针扎一个小孔，在小纸筒的一个底部粘上半透明的白纸作屏幕，并把两个纸盒套在一起。
⒉将大纸盒扎有小孔的一面对着点燃的蜡烛（或室外物体），拉动小纸盒（或大纸盒），眼睛通过小纸盒可以看到屏幕上物体的倒立的像，并且能控制像的放大或缩小。
土照相机制作实验
材料：能套在一起的圆纸筒，半透明白纸，和纸筒底面一样大的凸透镜，浆糊（透明胶）。制作实验：
⒈找两个能紧密套在一起的圆纸筒，在大纸筒的一个底部粘上凸透镜，在小纸筒的一个底部粘上半透明的薄纸作屏幕，并把两个纸筒套在一起。
⒉将大纸筒粘了凸透镜的一面对着物体，拉动小纸盒（或大纸盒），眼睛通过小纸盒可以看到屏幕上物体的倒立的像，并且能使物体的像放大或缩小。
3、历史上人们对摄影术的幻想
1760年，一本名叫《基凡提》的科幻小说描绘了一种人们向往已久的情景：即不经画家之手就能把所看到的景物固定在画布上。为了把会消失的影像永远地凝固下来，人们制造出一种黏性物质，把这种物质涂在画布上，对准要描绘的物体，这时涂有黏性物质的画布可以很快地把影像固定在上面。固定好后，把画布拿到一个黑暗的地方晾干。一段时间后，画布上的影像就凝固了，其描绘的景物足以乱真，而且这影像永远也不会消失。这与我们现在的摄影有者很多的相似之处。
二、影术的诞生及发展
（一）影术的诞生
1、“牛眼”
17世纪德国科学家斯切温特发明的“牛眼”曾经流行于欧洲大陆,这种小设备是在一木球两端钻孔,孔两端安装透镜,利用短焦距造成广角效果,也许这个就算是最早的简易广角镜了。利用逆光投影暂存活动影像的方式也是人类摸索影像存储中不可或缺的阶段,如中国的皮影戏、针孔成像、暗箱成像等。
2、“光影画箱”
到了19 世纪，西方的画家为了取得更精确的写实效果，开始普遍使用一种叫作“光影画箱”的辅助性绘画工具。这种工具颇似后来的单镜头反光式照相机，由一密闭的木箱，光学透镜、反光板和毛玻璃景屏组成。使用时用透镜对准明亮的景物，光线通过透镜形成人工影像，再由与透镜光轴成角的反光板反射，到达平放顶部的景屏就形成精确、明亮、视场可随意调整的物影，如在景屏上覆以薄纸，便可用碳笔描摹成画了。“光影画箱”实际已完成了摄影技术一个重要方面，即成像设置照相机雏型的探索。
3、尼埃普斯的“日光刻蚀法”
“日光刻蚀法”：以日光作用于感光柏油，从而达到将影象永久固定在玻璃或金属板上的方法。这是世界上最早的摄影技术系统。
1826年，法国人尼埃普斯将一种印刷用的沥青涂在金属板上，然后用金属板放置于暗箱中拍摄出了窗外景物，虽然画面很粗糙，却是世界上第一张照片。尼埃普斯的发明大大地激发了后来者的灵感，也促成了摄影术的真正诞生。
这是尼尔普斯的油画像，他也是达盖尔的合作者，比达盖尔年长四岁，早在达盖尔银版摄影术公布前六年就因病去世了。法国政府在授予达盖尔6000法郎年金的同时，授予尼尔普斯的继承人4000法郎年金以示奖励。
4、摄影术的正式诞生——达盖尔的“银版摄影法”
1829年，达盖尔受到尼埃普斯的邀请，开始研究摄影术。鉴于“日光刻蚀法”曝光时间过于漫长，影像模糊不清，达盖尔长期致力于更加快捷、更加精美、更加易于观看和保存的摄影方法的研究。1833年尼埃普斯逝世，达盖尔便独自探索，经过八年的艰辛努力，终于在1837年创立了“达盖尔摄影法”亦称“银版摄影法”——采用铜板作为影像的最终载体，也就是片基，使用光敏银层作为感光材料，有完整“显影”与“定影”工艺，已经全面完成了现代摄影的基本工艺。银版摄影方法其实很简便易行，即将铜板镀银抛光，使用前在暗箱中将银面罩在碘容器上，生成能感光的碘化银。将已光敏的板片在暗箱中放入照相机，曝光约15-30分钟。曝光后的板片防入盛有水银的暗箱中加热，贡蒸汽与板片上受光从碘化银中析出的银粒生成贡银合金影像。这就是“显影”。此后将贡蒸汽熏蒸过的板片防入热食盐溶液中漂洗，为受光碘化银与氯化钠作用失去感光性能并溶解于水。于是由贡银合金组成的影像便永久固定于铜板基上面。银版摄影是直接正像，其影像品质极其优良，由于银粒细腻，贡合金明亮悦目，整个影像精微细腻，层次丰富充实。直到今日其影调、层次，悦目程度和经久不变特性仍是其他摄影方法难望其项背的。
达盖尔银版摄影作品《巴黎街景》。摄于1838年，曝光约15分钟。因为曝光时间长，巴黎街头熙熙攘攘的行人与车辆都不见了，只留下一个擦靴子的人。
达盖尔银版照相法是利用镀有碘化银的钢板在暗箱里进行曝光，然后以水银蒸汽进行显影，再以普通食盐定影，得到的实际上是一个金属负像，但十分清晰而且可以永久保存。由于曝光大约需要 20到 30分钟，因此，早期摄影多拍摄静物、风光、人像等等。这是达盖尔的银版摄影作品《静物》。
制造于1839年的世界上最古老的照相机2007年5月26日再获“殊荣”。在以近80万美元的价格拍卖出售后，它也因此成为了世界上最贵的相机。这部相机由软木制成，重约5-6公斤，是一名教授在德国的一座阁楼里发现的。这架相机采用老式的盖尔银板照相法，即把影像照直接曝光在易感光的镀银金属板上，可能制造于1839年8月以前。
背景资料：法国发明家路易·雅克·芒戴·达盖尔
法国1852年制造 路易·达盖尔
路易·雅克·芒戴·达盖尔（公元1787～公元1851）享年64岁
十九世纪三十年代末期，路易·雅克·芒戴·达盖尔首次成功地发明了实用摄影术。
1787年达盖尔出生在法国北方的科梅伊镇，年青时是位艺术家，他约在三十五岁时设计出西洋镜，用特殊的光效应展示全景画。在从事这项工作的同时，他对一种不用画笔和颜料自动再现世界的景色装置──换句话说就是照相机──发生了兴趣。
先前达盖尔为发明可使用的照相机作出了努力，但没能获得成功。1827年他遇见约瑟夫·尼塞福尔·涅普斯，他也一直在努力发明照相机，从某种意义上来说已经获得了成功。两年后他们成为合作人。1833年涅普斯逝世，但是达盖尔仍在继续努力。1837年他成功地发明了一种实用的摄影术，叫做达盖尔摄影术（银版摄影术）。
1839年八月十九日，达盖尔把他的技术公布于世，但未获得专利权，然而法国政府为达盖尔和涅普斯的儿子提供终生恩给金作为酬谢。达盖尔发明的宣布在公众中引起了巨大的轰动。达盖尔成了一代英雄，享尽了荣华富贵，与此同时达盖尔摄影术迅即得以广泛的使用。达盖尔本人不久就隐退了，1851年他在巴黎附近的家乡去逝。
没有几项发明象达盖尔照相有那么多的用途，实际上它被广泛地运用于每一个科研领域，在工业和军事上都有着许许多多的应用。它对一些人来说是一种严肃的艺术形式，对更多的数以百万计的人来说是一种快乐的爱好。照片能够传递教育、新闻和广告等方面的真实信息（或错误信息），由于照片能栩栩如生地再现过去，因此它成为最常见的珍藏品和纪念物。当然电影摄影术是一项补充发明，除作为一种主要的娱乐手段外，实际上也和一般摄影术的用途一样多。
很少有哪一项发明完全是一个人的劳动成果。当然许多其他人早期的劳动为达盖尔的成功扫清了道路。投象器（一种与无透镜照相机类似，但无胶卷的装置）至少是在达盖尔八个世纪以前就被发明出来了。八世纪吉罗拉摩·卡达诺取得了重要的进展，他在投象器的开孔内安置一块透镜，使其成为现代照相机的一个有趣的序幕；但是由于产生的图像根本不能耐久，因此人们往往不把它看作是一种摄影术。1727年，约翰·舒尔茨得到了另一项重要的发现──银盐感光。虽然舒尔茨用这项发现制成了一些临时图像，但是他并没真正去寻求其中的奥妙。
与达盖尔成就接近的前辈是涅普斯，他后来成为达盖尔的合作人。约 器结合使用，涅普斯成功地制出世界上第一批照片（他1826年摄的一张仍然存在）。由于这个原因，有些人认为涅普斯理应是摄影术的发明者。但是涅普斯摄影术根本就不实用，因为它大约需要八个小时的曝光时间，而且在当时产生的图像也相当模糊。
使用达盖尔方法，图像就被记录在镀有碘化银的平板上。曝光时间需要十五分钟，这种方法虽然麻烦，但是却具有实用价值。在达盖尔把他的方法公布于世不到两年的时间，有人就建议要稍稍加以修正：在用作感光物质的碘化银里加入溴化银。这个小小的修正有着重要的作用，大大地减少了所需的曝光时间，使摄影术照相广为实用。
1839年在达盖尔宣布他的摄影发明以后不久，一位英国科学家威廉·福克斯·塔尔博特宣布他发明了一种不同的摄影术，一种牵涉到首先制作照相底片的方法，与今天所使用的基本相同。塔尔博特实际上是在1835年制出了他的第一批照片，早在达盖尔摄影术首次问世的两年前，这不能不令人惊奇。塔尔博特因忙于其它几个项目的研究，没有立即把他的照相实验进行到底。要是他继续制作的话，他也许会发明一种可以打入市场的照相仪器，而且今天会被认为是摄影术的发明家。
在达盖尔和塔尔博特以后的岁月里，摄影术有了很多的改进：湿板法、干板法、现代式胶卷、彩色照片、电影、彼拉罗伊德摄影术和静电复印术。尽管为发明摄影术做出了贡献的人众多如云，但是我认为路易·达盖尔做出的贡献远比其他人重大得多。在达盖尔之前没有实用的照相仪器，而达盖尔发明的技术切实可行，很快就得到了广泛使用。他的发明的正式公布对随后的发展是一个巨大的推动力。实际上我们所使用的摄影术与达盖尔摄影术大不相同，但是后来的这些技术即使一项也未被发明，达盖尔摄影术也会给我们提供一种便利的照相技术。
5、“负片系统”与塔尔博特的“卡罗摄影法”
英国发明家卡尔波特是底片从负片到正片的开创人。1835年，他开始试用涂有氯化银或硝酸银的图纸作为感光材料，在照相机里拍成负像，然后再利用日光印像。他把自己的方法定名为“卡罗摄影术" “卡罗式摄影”其方法为在纸上先涂硝酸银溶液，干后再涂碘化钾溶液，从而在纸基上生成光敏的碘化银。干后再以硝酸银和醅酸溶液增感。再干后即成感光负片。使用时曝光约5分钟，以硝酸银、醅酸显影，海波溶液定影，并涂蜡使其变得半透明，即得到纸基正像，需先将浸过食盐溶液的白纸涂以氯化银溶液，干后将纸基负像面对此纸，阳光曝晒20分钟，再经海波溶液定影、水洗、晒干，即得到纸基正像，即最终的照片。
背景资料：英国发明家卡尔波特
英国发明家卡尔波特
卡尔彼特用他的卡罗摄影术拍摄的梯子
1845年用卡罗摄影术拍的一个部长肖像的负片及印片
6、“火棉胶摄影法” 达盖尔和塔尔博特所采用的感光材料都存在一个共同的缺点，就是感光度都很低，感光时间往往要几十分钟，因此，对拍摄对象的选择受到了很大的限制。直到1851年在阿切尔（Archer）发明了“火棉胶摄影法”后，才使摄影感光材料发生了质的飞跃，同时也取代了达盖尔和塔尔博特所采用的感光材料。
火胶棉是将火棉（硝化纤维）溶于酒精（乙醇）和乙醚之中所产生的一种胶状的乳剂，它是感光材料很好的胶合剂。将碘化钠（NaI）和少量的溴化钾（KBr）与火胶棉均匀混合，然后涂于洁净的玻璃板上，再将玻璃板放入硝酸银溶液中，使硝酸银与玻璃板上的碘化银和溴化钾发生反应，生成具有感光作用的碘化银和溴化银晶体。这种以玻璃作载体的“火胶棉”感光材料，可以即时进行拍摄。拍摄后，用连苯三酚作显影剂，用海波作定影剂，马上进行冲洗，待晾干后，即可得到一幅明暗与实物相反的负片。
火胶棉摄影法的最大优点是，它能拍摄出像达盖尔式摄影法那样清晰的影像，而成本却不到达盖尔式摄影法的1/10。同时，它像塔尔博特式摄影法那样，能用查纸进行反复印制，而影像质量却远比塔尔博特摄影法精细。它兼具二者之长，而无二者之短，加上它的感光速度比达盖尔式或塔尔博特式摄影法都高，在明亮阳光下，曝光时间只需要15秒至1分钟，所以自1851年问世以后，曾在世界各国流行了20多年，成为摄影史上一个比较重要的历史时期。
火胶棉摄影法的唯一缺点是，拍摄和冲洗必须在火胶棉未干燥前约20分钟之内进行。因为，火胶棉干燥后不透水，药液无法发生作用，所以，又名“湿板”摄影法。它的这个缺点，给摄影者带来极大的麻烦，特别是外出拍摄，除了摄影机和三脚架外，还必须携带化学药品、暗室帐篷及其他冲洗用具，使许多摄影爱好者不敢采用。
（二）影术的发展
1、摄影术的应用与改进
1839年9月,即达盖尔摄影法公布仅一个月后,摄影术便传入美国,年底整个欧洲都在仿效这种令人兴奋的技术.摄影一开始旧有极大的国际性,连当时被认为落后的亚洲,也很快接受了这种特殊技艺.1840年鸦片战争期间,摄影术随英国的炮舰来到中国,并很快在广州等地传播开来.许多画家、文学家、记者甚至旅行家、科学家纷纷投入摄影行业。摄影成为肖像、静物、风光、自然或社会场景记录最便捷的工具。在摄影术诞生的第一个10年内，已一跃成为整个世界的时尚。2、1842年，耶拿光学玻璃于法国问世。
此后这种光学玻璃为德国耶拿的肖特和光学仪器商蔡司所改进，成为精确成像的照相机镜头透镜最主要的材料。曝光时间由数十分钟缩短到30秒钟又再缩短到数秒。1840年，法国人多恩成功的拍摄了骨头、牙齿的显微照片。1842年，英国人约翰.德雷珀拍摄了太阳光谱和月亮，到19世纪50、60年代，应用摄影术拍摄X光照片、显微照片等已经普遍。1850年蛋白纸开始应用，有效地提高了影像的层次感，降低了反差和硬度。火棉胶湿版法在1851年由弗雷德里克.斯科特.阿彻首创。
背景资料：世界感光材料发展年表 1727 1826 1835 1837 1839 1840 11847 1850 1851 段。
1852 1854 11868 1869 1871 1873 1876 1882 11889 1○德国医学教授J·H·舒尔茨发现硝酸银具有感光性能。
○法国J·N·尼埃普斯用光敏沥青涂布锡板获得影象的“日光绘画”问世。
○F·塔尔波特完成了用图纸浸泡氯化银溶液获得负像，再复制出正象的“光力照相法”。
○法国画家L·J·M·达盖尔用自己发明碘化银法拍出照片《静物》，1839年正式推出，命名“达盖尔摄影法”。○1月29日，英国天文学家J·W·F赫歇尔配制出迄今仍在使用的定影剂“硫代硫酸钠”。○F·塔尔波特首次用碘化银用作感光剂。
○F·塔尔波特的用碘化银用作感光剂取得英国专利，命名“卡罗式摄影法”，后又称“塔尔波式摄影法”。奠定了负841 象——正象的感光洗印基础。
○J·N·尼埃普斯的侄子A·尼埃普斯研制成功“蛋白玻璃”感光板。○L·D·B·埃夫拉尔发明“蛋白相纸法”（一说为1848年6月）。
○F·S·阿切尔的火棉胶湿板摄影法诞生，该法又译作“湿珂罗丁法”使摄影的感光材料发展到一个比较完善的阶○H·V·赫尔姆霍茨提出以T·杨的彩色感觉理论为基础的彩色照相法。○12月，卢谷勒发明“蜡纸版”感光材料。○法国人M·A·戈丹的“干珂罗丁法”问世。
○J·C·麦克斯韦尔发明了加色法彩色摄影原理。1861年由T·萨顿用三色滤光镜予以验证，（时间有说为1860855 年）。
○L·D·奥伦提出减色法理论。○C·克罗同样独立提出该法设想。
○R·L·马多克斯发明明胶溴化银照相干板，创立了现代所用负片——正片的印制方法。
○德国H·W·乌盖尔发现某种染料能使感光乳剂的感色性能从兰色扩展至绿色，为创造“正色乳剂”创造了条件。○英国正式投产“干板”，使感光材料发展走上商业化道路。○“正色感光板”在英国正式上市。
○（有作1888年）美国G·伊斯曼制造出剥离式纸基卷片——即“美国卷片”。现代感光材料的“形态”已确立，此884 类胶卷成为当今135相机的通用的胶片。
○（有作1887年）美国“伊斯曼干板和胶片”公司生产出柯达硝化纤维卷片。
○英国赫特和德里菲尔德用感光特性曲线制定“H—D”乳剂速度系统。这是世界上第一个感光乳剂速度系统。890 1893 1896 1901 1904 ○爱尔兰的J·乔利发明条色屏彩色摄影法。○J·R·C·利泽冈提出柱镜屏法。
○法国发明不易燃的醋酸纤维素，为安全胶卷问世创造条件。
○德国B·霍莫卡和E·克尼希发明黄红两色染色感光剂，为生产“全色片”问世创造条件。
○法国生产出世界第一个淀粉加色法感光板—“天然彩色感光干板”（即L·吕米埃兄弟用J·乔利发明的方法制造
出来的正片，一说为1907年）。1906 1908 1912 1916 1919 1923 1926 1930 1931 1932 1933 1934 1935 1936 1942 1943 ○英国生产出黑白“全色”感光板。（一说首批全色胶片和干版为德国生产）。○世界第一个商业安全软片“柯达赛尔厄奥醋酸纤维素”胶片 问世。○德国阿克发菲舍尔公司制成了内偶式彩色感光片。○阿克发感光镶嵌干板问世。
○美国亚当斯和哈勒共同发现新敏化色素（Kryptocyanine），促进了 红外线摄影的发展。○三醋酸片基问世。
○美国卡普斯塔夫公布了自己发明的微粒显影液处方D76。○三醋酸片基取代了硝化纤维片基。
○第8届国际摄影会议决定以DIN（德国感光工业规格）为国 际统一标示感光片感光度的术语。○阿克发彩色感光镶嵌胶片问世。○伊斯曼公司生产出红外线干版。○伊斯曼公司生产出彩色软片。
○美国小L·戈多斯基和L·曼内斯研制成功减色法三层乳剂彩色反转片——柯达克罗姆彩色反转片。○美国柯达推出厂家冲洗的135反转片。
○德国阿克发推出摄影者可以自己冲洗普及型减色法三层乳剂彩色反转片。○美国“柯达”公司和德国“阿克发”公司先后推出彩色135负片。○美国“安斯科”公司推出供制作彩色幻灯片用的彩色反转相纸。1945 1946 1947 1948 1950 1955 1956 1958 1960 1963 1965 1968 1972 1973 1975 1976 1977 1980 1981 1○我国天津七星摄影器材厂生产牛皮熬制的明胶，手工涂制，照相干版上市。○“安斯科”又推出摄影者自己能冲洗的的反转型“安斯科彩色胶片”。○美国“柯达”制造出使用者可冲洗的爱克塔彩色反转片和染料转印法。
○美国E·H·兰德博士发明黑白即显摄影法，并由“波拉”投产，是世界上第一个黑白即显系统。○我国东北电影制片厂化学研究室生产黑白正片乳剂，涂制再生胶片。○中科院长春化学研究所成功合成感绿菁染料——“南岭红”。
○美国“柯达”生产出ASA200的“3——X胶片”和ASA650的“皇家X全色片”的高感光度细银粒的黑白胶片。○聚酯片基问世。
○我国已有汕头公元厂、天津感光胶片厂和上海感光胶片厂三家国营厂家。○天津感光胶片厂生产ISO40－50黑白全色负片。○厦门感光化学厂生产黑白照相纸。○E·H·兰德博士又发明彩色即显感光片。
○剥离式波拉彩色即显胶片上市；“西巴”彩色反转纸问世。○柯达克罗姆2型问世。
○中国第一家胶片厂——化工部第一胶片厂投产。○柯达推出“涂塑”（RC）相纸。
○“波拉”生产出高质量非剥离式（亦称单页式）SX—70彩色即显片；“柯达”推出110彩色胶片。○我国第一种感光专业期刊《感光材料》创刊。○中国科学院成立感光化学研究所。
○“柯达”随后亦推出非剥离PR—10彩色即显片与波拉竞争。
○我国已能生产油溶性电影正片、电影底片（ISO40－50）和彩色中间片。○我国化工部第二胶片厂在河南建成，以制作涤纶片基作基底的通用产品。○英国“依尔福”推出XP1彩色工艺黑白胶片。
○中国感光研究会成立，期刊《感光化学与光化学》、《影像科学与实践》创刊。○柯达“碟式软片”上市。982 1983
1985 1986 1988 1989 1993 1997 1999
22001 ○“波拉”公司生产ISO2000/44°全色灯光片。○“柯达”公司生产ISO1000/31°彩色负片VR1000。○我国感光材料生产完成了“水溶”改“油溶” 全部工作。○我国化工部第一胶片厂的“乐凯2型100”彩色135胶卷面市。
○柯达公司发明世界上第一块电子感光材料（CCD），为数码相机的问世创造了条件。○日本生产高感光度的彩色负片SR—V3200为其时最高感光度的胶片。○我国已生产感光材料3260万m2，占世界总产量1.4%。○我国化工部第一胶片厂推出第二代彩色135胶卷“乐凯BR100”。○我国化工部第一胶片厂第三代彩色135胶卷“乐凯GBR100”上市。○推出柯达埃克塔25彩色负片。
○柯达金软片系列（100、200、400、800）上市。
○我国化工部第一胶片厂第四代彩色135胶卷“乐凯新金100”上市。
○推出以显微T粒子替代园型粒子的高感光度软片系列（200、400、800）。○我国化工部第一胶片厂推出第五代彩色135胶卷“乐凯超金 100”。
○柯达公司在本年度美国照相市场协会（PMA）举办的博览会上推出专业彩美（SUPRA）FG400度和FG800○柯达推出皇家8型金相纸和丽晶8型相纸。○富士推出晶彩400、800度135彩色负片。
○富士用第四感色层技术和最新先进的乳剂技术又推出“富士晶彩X-TRA400、800度”135mm彩色负片。000 度高感光度和高品质的彩色负片。并获2000年--2001年度TIPA大奖中最佳负片奖。
三、摄影术诞生的意义
1、纪实性：
摄影术诞生对于现代社会的意义，它是第一次实现了“客观”地记录自然精细。
摄影术自其诞生之日起便具有记实的特性，记实性是摄影天然的本质属性。纪实摄影家以冰冷的机器记录边缘景象或被人有意无意间“忽视”的事实，却往往能借着影像的力量，使摄影成为参与改造社会的工具。从纪实摄影发生的社会背景与历史看，它的批判性和革命性不言而喻。所谓纪实摄影，笼统地说就是摄影者用摄影机这种工具记录当时的一种客观存在。纪实摄影就是要告诉人们，某个时间或某段时间、在某个地点、某个或某些人物主体做了某些事情，最终产生了什么样的影响。它的功能不仅是传达信息，更在于引导读者佐证某种社会的真实状态。
2、促进社会进步：
运用高级显微照相机，人们可以清楚地看见并记录下比灰尘好小的物体。通过红外摄影，人们可以拍摄到热辐射留下的影像。X射线可以很容易地穿透物体，这在后来被广泛用于医学摄影。不仅如此，水下摄影使人们对水下世界有了一个全新的认识。而全息摄影还可以使人们看到全息底片的立体图像，这是平面照片所达不到的效果。
小结
1、摄影是人类社会活动的延伸。
2、19世纪初，实用胶片诞生。
3、摄影不仅是记录影像的技术，也是给人们美感的艺术。
思考题
1、摄影的作用是什么？
2、你认为摄影的发展和科学技术进步是相辅相成的吗？为什么？说出你的理由。
老相机图片：
1、柯达
2、制造于1839年的世界上最古老的照相机，采用老式的盖尔银板照相法，即把影像照直接曝光在易感光的镀银金属板上。
3、古老的间谍相机
这是Kodak的No.2 Bulls-Eye
这是Carl Zeiss Jena生产的绿色Werra 1
第二篇：摄影基础教案
第一节课 摄影术的诞生和发展
本授课单元教学目标或要求：
了解摄影的基本概念、定义以及历史发展。了解摄影的基本制作流程。了解摄影与专业的关系。
本授课单元教学手段与方法：
理论课堂教学为主，穿插答疑和讨论，播放优秀摄影作品 本授课单元的重点、难点：
重点：摄影技术与摄影艺术摄影的特性。
难点：摄影技术与摄影艺术摄影的关系。本授课单元思考题、讨论题、作业：
课下收集较好的摄影作品，了解摄影技术与摄影艺术的根源和发展。
上摄影网站寻找优秀的风景、人物、静物、动物、花卉、建筑、都市人文风貌等题材的摄影作品各一幅进行赏析评议。本授课单元参考资料
林路编著，《摄影艺术》，学林出版社，2005
第一节 导言
l 9世纪上半叶。经过法国人尼普斯·达盖尔等先辈的不懈努力，在1839年发明了摄影术。从此，影像就逐渐被用于各行各业。特别是在商业艺术设计、印刷方面更是广为使用，它使原来需要经过很多年训练才能画出来的形象，只需经过镜头和显影等摄影技术就能轻易地反映出来，而且可以达到逼真的效果。我们现在所看见的许许多多的商业印刷品和商业喷绘作品都使用了影像元素。
目前人们对影像这一元素有着许多方面的研究，如艺术摄影、广告摄影、产品摄影、服装摄影等；但是从影像和艺术设计的角度进行系统研究却不是太多，因此，本课程从商业艺术摄影的角度进行探讨，使我们能够更好地利用影像这一元素为设计服务。
商业平面艺术设计是一种实用的美的艺术设计，包括了包装装横、各类平面广告、企业和产品画册等各类平面媒介的设计内容。这是一种纯粹为商业所用的艺术设计；目的在于提升企业和产品的形象。传达企业与产品的信息。沟通企业和消费者的联系，促销产品，最终使企业达到目前人们对影像这一到盈利的目的。影像与商业设计关系极为密切，是商业艺术设计的重要元素之一。
摄影实践是指摄影者运用照相机及其辅助器材进行摄影创作的具体过程。
①1839年8月19日，公布达盖尔发明银版摄影术的详细经过，摄影正式诞生。
②在我国远在二千多年前，科学家对摄影的几何光学进行了研究和实验。在《墨经》中，记载了小孔成像的实验，说明了物与型上下颠倒左右相反的现象，阐述了光的直线传播性。
③到了16世纪1816年，法国人尼斯得到世界上第一架照相机。到1826年，他终于拍摄成世界最早的照片，到1839年，才产生感光材料—银版
第二节 摄影与摄影艺术
一、摄影的含义
二、摄影在社会的作用
三、摄影艺术的发展以及摄影与绘画的矛盾
摄影是：
用眼去观察、用心去感悟 用脑去思维、用手去捕捉
第三节 摄影的基本特征
一、摄影的技术特征
二、摄影的表现特性
1、记实性
2、瞬间性
3、选择性 题材的选择 最佳时机的选择 拍摄技术的选择 处理方式的选择
思考题：从摄影、数码摄影的发展历史来解读当代的摄影、数码艺术摄影的发展与变化。自学：将收集的摄影、数码艺术摄影作品进行分类和分析。 讨论：进行摄影、数码艺术摄影作品的风格和鉴赏讨论。
第四节 照相机的基本构造
本授课单元教学目标或要求：
了解摄影设备的基本原理、对摄影器材有一定认识。了解摄影技术与摄影艺术的关系。
本授课单元教学内容（包括基本内容、重点、难点，以及引导学生解决重点难点的方法、例题等）：
本授课单元教学手段与方法：
理论课堂教学为主，穿插答疑和讨论，播放优秀摄影作品 本授课单元思考题、讨论题、作业：
课下收集摄影作品，了解摄影技术与摄影艺术的根源和发展。引导学生解决重点、难点的方法：
作业一
题目：对光、影构成拍摄练习
目的：弄清光、影构成的概念，利用光、影构成的原理及形式，经过拍摄，反映不同的心理效应与情态；相应的，不同的情感意念，赋予摄影作品中，使摄影有情绪表现，具备一定的生命力。
要求：设计的摄影要有创意，拍摄创意20幅，从其中选出10幅，用4R的尺寸完成正稿，并用卡纸裱好。
作业二
上摄影网站寻找优秀的风景、人物、静物、动物、花卉、建筑、都市人文风貌等题
材的摄影作品各一幅进行赏析评议。以班为单位刻光盘交来
要求：每幅评议不少于二百字，有不明白的问题请提出来，我们下周课堂上讨论。以上内容的重点：拍摄的器材认识与了解。以上内容的难点：对拍摄的形式美及曝光原理 本授课单元参考资料
林路编著，《摄影艺术》，学林出版社，2005
照相机的基本构造
照相机除镜头外可分快门、调焦和取景器、机身与卷片记数装置三大部件。快门是控制光线在感光片照射时间长短的机件，因此，快门就是照相机曝光的计时装置，它以秒为单位。快门的功能主要有两个方面：
快门与光圈配合，控制感光片的曝光量。
抓取瞬间动作使运动中的物体成像清晰或模糊。
其标准序列是：B、1、1/
2、1/
4、1/
8、1/
15、1/30、1/60、1/125、1/250、1/500、1/1000、1/2000、1/4000，快门的时间要求准确、稳定；误差不超过±40%；工作可靠，关闭时不允许有漏光现象，寿命应在3000次以上。
（一）快门的种类
镜间快门
镜间快门因受机械力及机械惯性的限制，一般最高速度很难超过1/500秒，最慢是B门和T门。镜间快门的优点是：
震动较小 比较耐用
拍摄动体时不会产生变形
用来进行电子闪光摄影时，不受速度级别的限制，每一级均与闪光同步．
镜后快门 帘幕快门
帘幕快门的缺点是：
在拍摄动体时，回造成变形。闪光同步速度低
钢片快门 程序快门 光圈先决式电子快门 动态摄影和快门速度
第一种处理办法是用高速快门将运动中的景物凝结下来，获得一个清晰的影像。
第二种处理办法是如果物体来回运动，如荡球千、跳高、舞蹈等，这些运动均有一个瞬间的静止时间，摄影者抓住这个时间 可用较慢的快门速度而获得清晰的影像。
第三种处理办法是对一些高速横向运动物体，如自行车、汽车、摩托车等，可采用横向追随拍摄法，使主题清晰而背景模糊，表现强烈的动感。
第四种处理办法是允许被摄物有一些模糊，选择适当的快门速度可达到这目的。
（二）快门的保护
1、上弦前调整快门速度
2、快门速度不能调在两级数字之间。
3、快门不能长时间处于上弦状态，以免弹簧拉紧容易疲劳。
4、拧不动时不要硬拧，扳不动时不要硬扳。
5、单镜头反光相机卷片与上弦联动，每次卷片时轻轻扳动 卷片手把，一定要卷到头，不能中途停下来按快门，否则很容易损坏。调焦和取景器
身与卷片记数装置
（一）机身
照相机暗箱实际上就是它的机身，有了它才能装置其他各个部件。机身的材料有用塑料或金属的，照相机暗箱实际上就是它的机身，有了它才能装置其他各个部件。机身的材料有用塑料或金属的，总的要求是机械强度高、不变形、耐老化、质轻、不漏光。
（二）走片装置
第五节 照相机的种类
一、大型照相机
二、中性照相机：使用120、220、127等胶卷的照相机均属中性照相机。
三、小型照相机：
1、平视光学取景式 2、135单镜头反射式 四、一步成像照相机
五、特殊用途照相机：
1、显微照相机
2、工业用照相机
3、医用照相机
4、水下照相机
5、航空照相机
6、高速照相机
7、航天照相机
六、电子照相机（数码相机）
第六节 照相机的正确使用和保养
一、照相机的正确使用
1、操作使用照相机之前，首先应该详细阅读使用说明书，了解它的性能、结构和使用方法。
2、要按照正确操作程序操作。⑴安装胶卷。
⑵根据景物亮度和拍摄要求，调节光圈与快门速度。⑶调焦（对光）和取景。⑷拍摄。
3、拍好一张照片的基本要求。⑴ 持机平直不歪斜。⑵ 拍摄稳当防震动。⑶ 测距准确。
⑷ 快门速度与光圈配合恰当，是曝光正常。
⑸ 注意检查镜头有无被物体遮挡，如镜头盖、相机皮套等。⑹ 必要时，戴上遮光罩。⑺ 注意用光线。⑻ 构图
二、照相机的维护和保养
1、注意防震
2、注意防潮
3、保持相机内外清洁
4、不要长时间对着太阳等强光体，否则镜头会开胶或上伤眼睛，甚 至烧坏机内零件。
5、不使用时快门弹簧放松，距离标尺放置在无限远处，把镜头缩回，防止皮套紧压镜头。
6、先调好快门速度，然后再上紧快门弦，否则容易损坏。
7、快门速度不能放在两档之间，若放在两档之间，一是曝光时间不 准确：二是容易损坏快门。
8、不要随意空拍，以延长快门使用寿命。
9、避免酸硷及有害气体的侵蚀
第七节 照相机的附件 一、一般滤色镜
滤色镜是照相机的重要附件，确切地应叫滤光器，它是一块有色的玻璃，使用时置于照相机镜头前面。
1、滤色镜的工作原理及作用： ⑴ 校正颜色对比 ⑵ 调整反差
⑶ 改变空气透视和调整天空色调 ⑷ 取消某种颜色、提高清晰度
二、特殊效果滤色镜
1、UV镜，即紫外线滤色镜，也称去雾镜
2、偏振镜，也称PL镜。
3、灰色镜，有全灰、半边灰、渐变灰三种。
4、近拍镜
5、柔光镜
6、雾镜
7、多像镜
8、星光镜
9、色散镜，即彩虹镜
10、晕光镜
11、半幅近摄镜，又称远近镜、双焦镜。
12、魔术镜
13、色散镜，即彩虹镜 三、三角架
三角架是用来固定摄影机的金属支架。
四、快门线
是安装在快门钮上用来开启快门的。
五、遮光罩
六、近拍附件
七、多功能机身后盖，即资料后盖
八、电动卷片器
第八节 焦距的功能与作用
在摄影上，镜头的焦距有五个功能和作用。
1、镜头焦距长短与成像大小成正比例。焦距越长，成像越大；焦距越短，成像越小。
2、镜头焦距长短与视觉大小成反比例。焦距越长，包括的角度越小；焦距越短，包括角度越大。
3、镜头焦距长短与景深大小成反比，能在感光片上结成清晰影像所对应的景物范围的纵长深度叫景深。镜头焦距越长，景深越小；焦距越短，景深越大。
4、镜头焦距的长短与透视感的强弱成反比。焦距越长，透视感越弱；焦距越短，透视感越强。
5、镜头焦距的长短与反差成反比。焦距长，反差小；焦距短，反差大。
第九节 镜头的焦距
本授课单元教学目标或要求：
了解摄影设备的基本原理、对摄影器材有初步认识。了解摄影技术与摄影艺术的关系。
本授课单元教学内容（包括基本内容、重点、难点，以及引导学生解决重点难点的方法、例题等）：
本授课单元教学手段与方法：
理论课堂教学为主，穿插答疑和讨论，播放优秀摄影作品 本授课单元思考题、讨论题、作业：
课下收集摄影作品，了解摄影技术与摄影艺术的根源和发展。以上内容的重点：光圈、快门的优化组合
以上内容的难点：构图的形式美的规律、方法
作业一
题目：对光、影构成拍摄练习
目的：弄清光、影构成的概念，利用光、影构成的原理及形式，经过拍摄，反映不同的物态与情态；
要求：拍摄要有对光、影有一定的物感、形式感。从其中选出10幅，以班为单位刻光盘交来
作业二
上摄影网站寻找以光、影、物的风景、人物、静物、动物、花卉、建筑、都市人文风貌等题材的摄影作品各一幅进行赏析评议。
要求：每幅评议不少于二百字，有不明白的问题提出来，我们下周课堂上讨论。以班为单位刻光盘交来 本授课单元参考资料 ［1］王传东著，《摄影创意》，济南：山东美术出版社，2004年7月第一版 ［2］林路编著，《摄影艺术》，学林出版社，2005年7月第一版
一、焦距的定义
用标准镜头拍摄，被摄物离镜头25米以上，一般称之为无限远，用符号“∞”表示。从无限远物体射来的光线一般可以认为是平行光线（如太阳光），平行光线通过透镜形成的像点就是焦点。从焦点到透镜中心的距离就是焦距，用F或f表示。
除变焦镜头外，一般镜头的焦距都是固定不变的，照相机的镜头上一般均表明焦距，如海鸥DF相机的标准镜头上标有f=58mm即表示该镜头的焦距是58毫米。
三、光圈
光圈是用金属薄片制成的可调节光孔大小以控制通光量的机构。光圈一般安装在透镜组的中间。
各级光圈直径与焦距的比值叫做相对口径，计算方式与有效口径相似。
各级光圈大小的数字，叫光圈系数，以f/表示，它是相对口径的倒数。例如镜头的相对口径为1：5·6时，光圈系数标为5.6或写f/5.6.我国
部颁JB745—65标准，对f/制光圈系数的系列规定如下：
1，1·4，2，2·8，4，5·6，8，11，16，22。各级光圈通光量数倍数表：
光圈系数 1 1·4 2 2·8 4 5·6 8 11 16 22 通光倍数 512 256 128 64 32 16 8 4 2 1 放大与缩小光圈可以控制感光量是光圈的主要作用之一，此外，光圈还有调整像差改变成像质量和调节景深的作用。光圈的大小，直接影响景深的大小。光圈越大（即光圈系数越小），景深越小；光圈越小，景深越大。景深的运用在摄影中很重要。
第十节 景深
一、什么是景深
摄影时向某景物调焦，在该（景物）的前后形成一个清晰区，这个清晰区通称为全景深。
二、决定景深的三个因素：
1、光圈对景深的影响：光圈越大，景深越小，光圈越小，景深越大。
2、镜头焦距对景深的影响
3、物距对景深的影响
第十一节 摄影镜头的种类、特点和用途
一、定焦距摄影镜头
1、标准镜头
2、长焦距镜头
3、短焦距镜头（广角镜头）⑴ 焦距短、视角大 ⑵ 焦距短、景深长
⑶近处景物成像大，远处小，因此场面显得深远，有助于突出主体。⑷ 它容易使被摄物的影像变形，焦距越短，被摄物越近，则变形越大。
4、鱼眼镜头
二、变焦距摄影镜头
三、特殊摄影镜头
Δ业余摄影爱好者宜选择哪种类型的照相机 • 135型，旁轴取景手控暴光，如凤凰JG301、F1.8、38MM、1~1/500、270元 江西产
• 海鸥205、F2.8、50MM、1~1/300、865元、江西产135型、串镜头反光取景 如 海鸥DF-
1、F2、、58MM、1~1/1000、1465元、上海产 DF-
2、F2、、58MM、1~1/2000、1760元、上海产
DF300配珠江S201、F2、58MM、1~1/1000、1595元、四川产 尼康FM2、F1.4、58MM、1~1/4000、3600元 FM10、F1.4、58MM、1~1/4000、1800元
注：可配长焦、中焦、广角或变焦镜头及专用闪光灯 如；１７－３５
２８－１０５ＭＭ
３５－３００ Δ购买新相机时如何进行检验挑选
⑴摄影镜头的检验
⑵操作机构的检验 ⑶电子系统的检验
Δ怎样为135单反相机选配镜头
镜头生产厂有滕龙（TAMRON）、图丽（TOKINA）、适马（SIGMA）霍雅（HOYA）、35M-70、28-85/28-85、80-200、70-210（以广角—标准—中焦—长焦）
注意：卡口连接方式不同：K接和MO接口
第十二节 人像摄影
本授课单元教学目标或要求：
了解人物题材的拍摄基本原理、技巧，布光，对各人像题材有初步认识和提高。本授课单元教学手段与方法：
理论课堂教学为主，穿插答疑和讨论，播放优秀摄影作品 以上内容的重点：各类人像题材的拍摄技巧
以上内容的难点：人像摄影的拍摄构图、人像造型的形式美、人像摄影的用光 本授课单元思考题、讨论题、作业：
课后收集人像摄影作品，了解各类人像摄影题材的拍摄技巧。
思考题：如何用相机拍出各类人像摄影题材的创意作品。
自学：收集的较好的各类摄影题材作品进行分类和分析并参照较好摄影作品自己拍摄较满意的作品四幅。讨论：针对学生满意的作品进行交流、讨论。 作业一
题目：对人像的用光拍摄练习
目的：弄清光、影构成的人像造型，经过拍摄人像，反映不同的人物精神面貌和表情特点；
要求：拍摄以光、影为基础拍摄有一定物感、形式感、美感的人物形象。从中选出10幅作品，以班为单位刻光盘交来 作业二 题目：上摄影网站寻找以光、影人像、人文风貌等题材的摄影作品各一幅进行赏析评议。以班为单位刻光盘交来
要求：每幅评议不少于二百字，有不明白的问题提出来，在下周课堂上讨论。作业三
题目：按课堂学习内容分别拍摄头像、特写、胸像半身像、全身像好各一幅。以班为单位刻光盘交来，下周课堂上讨论。
目的：弄清全身像、半身像、胸像、头像，运用光、影构成原理及形式，以人物造型的综合印象来组织形态关系，反映不同的人物的精神面貌、个性特征。要求：拍摄人像要有创意，拍摄人像20幅，从其中选出10幅。用4R的尺寸完成正稿，并用卡纸裱好。本授课单元参考资料 ［1］王传东著，《摄影创意》，济南：山东美术出版社，2004年7月第一版 ［2］林路编著，《摄影艺术》，学林出版社，2005年7月第一版
人像摄影是一种最常见的摄影题材，对多数摄影者或观察者来说，最感兴趣的还是人类自身。作为摄影的一个专题，人像摄影的范围是以人的脸部为对象，现代人像摄影
已扩展到人的全身，甚至人的某个局部，只要有可能表现出人的某种神韵，刻画出人物内心世界的视觉语言，均可认为是人像摄影。
1、人像摄影的基本要求
真实、完美地再现任人物形象，刻画人物的精神面貌是人像摄影的基本要求，这意味着不 仅要概括地表现人物外部形态，而且要揭示被摄者的内在性格和他的精神面貌。一幅优秀的人像摄影作品应该做到正确表现外形特征、正确揭示性格特点、正确把握时代精神三个要素。㈠正确表现外形特征
正确表现外形特征，酷似其人，是人像摄影最基本的要求。首先必须正确掌握拍摄技巧。例如拍摄的角度、光线的运用等因素，若处理不当，则会歪曲外貌的表现。其次，要善于发现人物的典型特征及其表现手法。此外还要注意人像艺术美的真实性，一味追求外表的漂亮，用摄影技巧过分修饰，将失去其真实性。㈡正确揭示性格特点
人像摄影要做到“形神兼备”。仅仅貌似或形似，就缺乏艺术价值。摄影艺术要求将人物性格和外表形象有机地融合在一起，充分利用人物形态语言，进一步展示人物的性格，即时捕捉人物情感的瞬间。㈢正确把握时代精神
作为一个现实社会中的人，离不开周围环境和特定的社会条件，他们的服饰、化妆都紧随着时代的潮流，除此之外，他们的职业、年龄、地位、爱好、文化、民族信仰等都与他们的形象有关，这些在人像摄影中都要有正确的表现。综上所述，人物的性格特点、时代精神都是通过同一人的形态和神态表现出来的。因此，人像摄影要求者着重刻画人物的精神面貌和人物的内心世界，这是人像摄影的主要特征之一。
2、利用自然光的人像摄影
在户外进行人像摄影一般以人物为主，现场环境为陪体，自然光为主要光源。由于在自然光条件下进行拍摄，受到时间、天气、环境、季节、纬度等影响。怎样选择光位，根据不同的太阳照射角度采取的表现手法也是各不相同的。
采用太阳的直射光线，可使被摄者有较好的立体效果。但光位的选择需要注意，通常以30℃～60℃之间的照射角度为宜。利用逆光和侧逆光摄影时，应选择深暗的背景，这样有利于突出人物的形象。由于运用逆光拍摄的对象脸部较暗，应注意暗部层次的处理，通常以暗部作为曝光标准，也可使用闪光灯或白色反光板打辅助光，以调节光比。户外拍摄也可选择在阴天或多云的天气，因为太阳光经云层的遮挡，产生漫反射，这样的光线，拍摄少女和儿童尤佳，若要在晴朗天气的光线下拍摄，可在背阳的阴影下拍摄，也可让太阳光投射在描图纸上，通过描图纸的漫反射，使光线变软，使影调变得较为柔和。也可使用太阳伞，让人处于太阳伞的阴影中拍摄，在这种情况下，要注意曝光量的选择。在中午阳光下进行拍摄，要充分利用太阳伞。
在户外进行人像摄影，归纳起来，需注意这样几个方面：使用三脚架，机位宜在被摄对象眼睛下方至腰部上方，这样能防止变形；让场景中的每个人轻松自如，使被摄对象的手有处放；北京的选择要有利于突出主体，尽可能不让被摄对象的眼睛下方产生明显的阴影；宜使用中、长焦距镜头进行拍摄，让脸部占满整个画面，清楚地显示出人物的五官特征；注意使用不同的光影关系，处理不同的拍摄对象，有利于表现不同的画面效果。
3、人像摄影的景别
在人像摄影中，景别可分为全身像、半身像、胸像、头像、特写等。
1、头像
头像是指比胸像景别更小一点且带有肩部或颈部的肖像，拍摄头像时，由于人脸的一切特征都将被放大，优缺点暴露无遗。五官的比例随机位与方向的变化有所改变，这时造型效果的成功与否起到了决定性的作用，为减少拍摄对象的拘谨，应尽量使用中长焦距镜头。
2、特写
特写是指以面部为主体的人像摄影，或以人体某一部位为特征的肖像，这种摄影称为特写摄影。特写摄影更强调人物特征的视觉效果，它往往能给人一种强烈的视觉冲击力。特写摄影宜选用长焦距镜头。在人像摄影中究竟使用何种景别、将由所表现的主题而定，这是人像摄影必须认真对待的问题。
3、胸像
胸像指拍摄到胸部位置的肖像，胸像的面部特征更为重要，要根据不同的脸形特征，采用不同机位，克服面部上的缺陷，遇到被摄者为大小眼的情况，可让小眼接近镜头；遇到被摄者嘴唇有高低，可使唇角较低的一端接近镜头，并采用较低机位，来弥补面部的缺陷。拍摄胸像以中焦距为宜，可采用较大光圈，使背景虚化，这样有利于突出主体。
4、半身像
半身像的拍摄范围以被摄人物腰部以上的部位为佳。半身像由于只选取人物面部为主的上半身，所以人物的面部与手显得尤为重要，面部表情要与手的姿势相呼应，手的形态在很大程度上能强化面部表情，这样有利于造型。拍摄环境人像时，一般不宜将人物放在画面中央，背景环境的取舍简洁，适宜用标准镜头或中焦距镜头拍摄。
5、全身像
在全身人像的姿态中，手与脚的处理极为重要，手的处理原则上要有动作、要有事可做，手的姿势、位置的处理要看作是一种形体语言，能有利于被摄主体的表现，能与对象的现实情况相符合，能符合人物的性格，要与人物的气质吻合，要与人物的年龄、职业相联系，使画面生动有趣。一般来说，拍摄全身像选用标准镜头较为合适，广角镜头虽然可以靠近拍摄，但容易变形，不宜使用，当然，有意识的变形处理也是可以的。
第十三节 主题思想 摄影画面构成的意图所在
主题是摄影者通过拍摄对象所要说明的问题.摄影者通过照片中的艺术形象和造型语言,引起读者在欣赏过程中产生思想共鸣和审美感受,从而表达出自己的创作思想,体现拍摄的意图.摄影画面构成的各个方面都应该是以突出主题思想为基本任务的.摄影构图就是要把所要表现的客观对象根据主题思想的要求,以现实生活为基础,运用比现实生活更富有表现力的表现形式有机地安排在画面里,使主题思想得到充分地表达.因此,摄影者在构图时应明确所要表现的主题思想是什么,并根据其仔细地进行构图.构图的好坏,将决定一张照片会被拍成什么样子,会产生什么样的艺术效果,摄影者要向观众交待什么样的拍摄意图;影响到一张照片的艺术感染力,甚至关系它的成败.摄影构图包括摄影艺术创作的整个过程,从主题思想的确定到画面艺术形象的完成.研究摄影画面构成就是研究注意思想内容与画面表现形式的统一.任何作品都是内容与形式的统一.其中内容是主要的,起决定作用的,它决定着作品的价值和生命力.在按快门前首先应明确你的作品将表达一直什么思想,否则你拍出的照片就会缺乏灵魂.就像一个人,如果没有个性,没有美的心灵,长的再漂亮也不会讨人喜欢.实际上, 摄影画面构成是十分灵活的,只有在实际创作中才能具体化.每一个新的主题,都会启发作者设计出特殊的拍摄角度、画面布局、光线描绘和线条影调组合等.俗话说“艺无定法”,为了表达主题思想,摄影者可以运用不同的构图手法.总之,摄影画面构成就是要选取典型的拍摄对象.并通过独特的造型来表达主题思想,这也是摄影构图的实质.景别——摄影构思不同意境的表达面对被摄对象,在取景时应选取多大范围?如何确定主题与背景面积大小?这就涉及摄影的景别问题.根据画面范围的大小,摄影景别可分为远景、全景、中景、近景和特写几种形式,不同景别的特点和表现力各不相同.1、远景:远景画幅包括的景物范围很广,它能显示出宽阔的场景和广大的空间.结构远景画面要从大处着眼,注意整体气势.远景画面有利于向观众展现被设场景总的印象,表现大的气势和气氛,但不能明显表现被摄主体的细部.2、中景: 只包容某一事物或某一具体对象的局部范围的画面.比如拍人物,表现人物膝盖以上相貌的画面为中景.中景画面的特点是以表现某一事物的主要部分为中心, 常常以动作情节取胜, 环境表现降到次要地位.3、近景:画面包括的景物范围很小,被摄对象能表现出更多的细部, 容易给观众留下具体而深刻的印象,不易表现环境背景的特点.拍人物通常表现胸部以上相貌的画面为近景, 能很好地表现出人物的面貌与表情.4、特写:较近景更进一步,被摄对象的某一局部充满画面,只表现被摄对象的某一细部,从细微处揭示物体的特点,给观众留下很深的印象.比如只拍摄人物的眼睛或双手,通过眼神或手的动作来表现人物的内心情感,就属于特写画面.作业
上摄影网站寻找远景、全景、中景、近景和特写较好的摄影作品.并按照以上几种形式拍摄一张,以班为单位刻光盘,在下周课堂讨论.1、拍摄不同景别的街景照各一幅．
2、拍不同方向的风光照各一幅．
3、拍一幅背景简洁的人物照．
4、拍一幅前景优美的风景照．
以班为单位刻光盘,在下周课堂讨论.第十四节 影调
摄影造型中最基本的因素
在摄影中影调的划分可以根据两个标准来进行,根据画面的影调层次可分为: ①硬调:相邻影调见过渡层次少,明暗对比强、反差大,给人明快、粗犷的感觉 ②软调:以中间过渡层次为主,反差弱,给人柔和的感觉,利于表现质感,画面平淡 ③中间调:影调明暗对比、反差适中的画面
根据画面的基调,从整体的明暗倾向又可划分为三种基本影调: ①高调:也叫亮调,大量运用白和灰色影调,只有很少部分的暗调构成的画面,给人轻松、明快、纯洁的感觉
② 低调:又称暗调,大量利用黑灰的影调,只有少许亮调构成的画面,给人肃穆、凝重、神秘的感觉
③中间调:在最常见的光线下摄影时所产生的影调效果,也叫灰调、一般调.影调在摄影画面构成中有如下几点作用: ⑴强化或弱化画面的空间深度和立体感,如暗影调的前景、亮背景可起到强化作用.⑵强调线条、形状、质感等构图的诸多因素,帮助进行画面造型.⑶组织视觉重点、突出主体.⑷烘托气氛,创造不同的视觉感受.在进行影调配置时应注意的问题: ⑴根据被摄对象的特征确定画面的基调.⑵影调配置要完美地突出主体.如果主体是深色调的则应选择浅色调的背景来配置,从而使主体形象完整清晰.⑶防止黑、白、灰影调的等量分布,防止色块的对称和零乱,画面的影调安排应有主次之分.⑷一幅黑白画面,一定要有最黑和最白的两极调子,黑处黑透,白处白亮,中有适度的灰,这样的画面才有黑白摄影的韵味.影调是指摄影画面中的一系列不同等级的黑白灰表现,它是黑白摄影构成可视形象基本要素.影调是构成摄影画面结构形式的造型基础.对比——画面构成中最为活跃的因素
对比是一种常用的艺术表现手法,也是表现事物存在状态的有效途径.所谓“全白非全白,有黑方有白”讲的就是对比的是手法.对比是对立统一的两个因素的比较,对比法则是艺术的辨证法则,广泛应用在各种艺术门类中,在藏与露、写真与写意、明确与朦胧、质朴与华丽、具象与抽象、雄浑与纤细、简洁与复杂等对比中显示出独特的审美价值.在摄影创作中,注重对比手法的运用,会增强图片的艺术冲击力.对比是摄影画面构成中较为活跃的因素,使画面显示出生动的效果.相反,如果缺少对比,画面就会显得平淡、单调.要形成对比效果鲜明的画面,就要善于从生活中发现对比因素,并借助相应的技术加以表现, 同时要与自己的构思相统一.在运用对比时要从实际出发, 从内容到形式巧妙地加以利用,在同一画面中也可以同时运用几种对比形式,从而使画面更加完美、生动.创作心得
拍一张照片，就是当所有感官汇集在流变的现实时，屏息以对。就在这一刻，抓住影像化为身心的极大喜悦。拍一张照片意味着——在同时与瞬间中——认知的事实本身与视觉形式的严谨组织，赋予影像以意义。它将一个人的头、眼、心，置于同一个轴之上。
第十五节 摄影素养
本授课单元教学目标或要求：
1、提高艺术修养
设计学员是从事创造工作的，所以，各方面的修养就会显得比较重要。要使每个学
员认识到艺术修养和审美能力的提高不仅表现在理论水平上，更重要的是表现在设计者的拍摄作品之中。通过自己的拍摄作品，设计学员表达自己的情趣、感情、审美、爱好，并展示给人们，让欣赏者有同自己一样的感受。这就是一种既实用、科学却又有审美价值的艺术创造。
如同一个人的世界观的形成不是一朝一夕的事情一样，艺术修养和审美能力的提高需要一个长期的过程，它有一个由量变到质变的问题，这就要求设计者们通过艺术实践，在设计中多看、多练、勤学、深思，向有经验的前辈学习，不断在设计实践中提高自己的艺术鉴别能力和欣赏能力，打破那些陈旧，粗俗的审美观念，代之于富于新时代精神面貌的观念。
2、启发独创性
观念的更新才能带来设计的创新。有了新的观念，还必须在掌握前人传统技法及设计要领的基础上启发自己的独创性，创造出前无古人后无来者的优秀拍摄作品。
人与动物的不同点就在于人具有创造性。显然，作为设计师的全部教育除了观念的更新外，还要以培养独立的创造性为目的。造型基础是一种教育手段，通过这种手段可以发挥人的想象力和创造性，不断开发设计师的头脑，使之敏捷、活泼，达到对人类的目的和文明秩序，生活方式和社会意识有新的假设或明天的设想的目的。
因此，在拍摄练习中我们就要求学习者能抓住每时每刻浮现在自己头脑中的形象，像日记一样把它记写下来，使头脑能经常的训练。只有通过这样，才能训练自己的思维，时刻唤起自己创造灵感。
3、研讨表现的技艺
任何一种设想、形象在其没有表现在设计图中时，都是一种内在的精神，只有通过一定的成熟的技艺，把浮现的形象，刻意的设想记录下来，才能成为外在的使人看得见，悟得着的精神世界。这里技巧的表现就显得非常的重要了。同是一种的拍摄构成，技法的不同，会带来视觉心理的不同，只有成熟的技巧，才能更容易表现出自己的内在精神。
因此，在训练中，要求设计者熟悉各种拍摄的性能和美学特征，熟练掌握各种拍摄工具的使用，精通各种制作技巧，以便得心应手地表现出自己头脑中浮现的形象，培养出随机应变的设计头脑来。
第十六节 摄影艺术
摄影是渗透许多科学的综合艺术。要成为一个优秀的设计家，既要有一定的艺术修养和创作构思能力，又要有相当广泛的专业设计知识和与本专业设计有关的其它知识作辅助。专业艺术设计师起码要具备四个方面的基础知识，其一是绘画基础，它奠定了设计家的“表达能力”，不同的专业对绘画的训练有所不同；其二是装饰基础，它很大程度是设计者通过对传统的学习和吸收；其三是设计基础，它启迪着设计家的构思力和创造力。只有具备了这四方面的基础知识，才能充分培养出作为设计师的描写力、表现力、构成力、创造力的基础造型能力，其四是摄影造型基础，它启迪着设计家的构思力和创造力。只有具备了这四方面的基础知识，才能充分培养出作为设计师的描写力、表现力、构成力、创造力的基础造型能力，为向真正的专业艺术设计造型做好必要的准备。这样，在设计师进行设计创造上才能够根据现代社会提出的要求恰到好处地实现技术与艺术、物质功能与精神功能的高度统一，使自己的作品能从性能到形式，均能具有时代的气息和精神的风貌。
培养专业艺术设计师，应该学习的知识是广泛的。但在处理实用问题之前进行造型基础的学习与训练是必不可少的。摄影作为一门基础的教育课程，它可以通过拍摄构成的训练，潜移默化地体现在学员的专业设计中。
若没有这样的基础，造型的行动就会失去头绪而不能推进，最终的结局是追随原来的造型，不可能进行充分的创作活动。显然，本课程作为设计学员的一门基础教育课，是相当重要的，它是通过设计学员进行艺术与技术的训练达到对拍摄构成的形态构成的再组合、再创新，培养设计学员的艺术审美观念，以便更好地为自己的设计专业服务。
作业四
题目：外出摄影风景、静物、花卉、建筑、人物、动物、都市人文风貌等 目的：巩固课堂学习的内容，同事对摄影的原理，摄影的拍摄方法进行实践
用摄影的艺术眼光（点、线、面的组织结构关系）去观察具象形态，从中分析、归纳具象形态有规律的内在光、影关系。
要求：选择1—2个具象形进行摄影，完成2幅摄影作品，尺寸8R，并用黑卡纸裱好。本授课单元教学手段与方法：
教学方法：包括理论知识、课堂讨论、观赏优秀的摄影作品、自学。
(1)理论知识：以教师课堂讲授为主，认真讲解理论知识，让学生认真理解每一个内容，课堂理论讲课与个别指导相接合，使学生清楚的懂得构成的基本要素和基本形式。阅读参考文献、书籍、优秀的摄影作品为辅。
(2)课堂讨论：课前由教师布置内容、提供参考文献，学生自己准备，课堂上围绕提出的问题进行讨论。
(3)自学：由教师布置自学内容，提出重点，指导学生自学。课外教学要求：
首先，要求学生养成课外自学的主动意识，积极探索。认真完成教师布置的课外作业。教学手段：
学生可以利用电脑来制作作品，打破传统的拍摄习惯。利用多媒体现代教学，能变抽象的说教为形象的演示，培养学生艺术鉴赏力和审美能力。拍摄按一定的规律，组合而成的一门艺术，在预备年级要上好这门课，难度确实是很大的。以往在教授制作方法时我们光靠讲，看一些有限又小的图片，很难让同学理解、掌握。利用多媒体现代教学手段，把抽象的说教变为形象的演示，由浅入深，大量的生活中感性的东西让同学看，让学生从感性到理性，由形象到抽象，加强了同学对平面构成理解，掌握了美的构成规律，提高了对平面构成艺术作品的欣赏力，提高了对抽象形的审美观。如我们在进行拍摄的概念、方法与步骤时，我们用很多优秀作品，通过荧屏一步一幅幅优秀作品演示给同学看，学生很快就理解掌握了，教学效果提高了许多倍。以往我们光靠教师讲，费时费力，效果平平。利用多媒体教学手段在短短时间里很多形象展示给学生看，既形象生动，又使学生很快理解，及时掌握当堂的知识。
在运用多媒体教学手段时，还需要注意发挥教师课堂用语的情感、语言的精美到位、抑扬顿挫的语调，使学生和电脑之间的交流更生动更美。
艺术欣赏力的培养，需要大量接触艺术作品，审美能力才能大大提高。多媒体教学中你可以从书籍、计算机网络、电视节目、多种音像制品、现实大自然中获取教学所需
要的创意字体图片、作品。这样就可以及时、大量向学生展示艺术手法高超、审美特征突出的优秀作品，开拓学生审美的视野，使他们通过优秀作品的学习，更懂得随着科学的进步，现代生活促进人们的审美意识也发生了深刻变化，美同样存在这些摄影作品中，提高审美能力。
第十七节 摄影实践
近几年来，我国的工艺美术院校和设计单位对摄影艺术进行了大量的研究和应用，对这门新学科有了更深的认识，并且收到了可喜的成效。目前这种研究和应用，正在进一步的发展中。
摄影是渗透许多科学的综合艺术。要成为一个优秀的设计家，既要有一定的艺术修养和创作构思能力，又要有相当广泛的专业设计知识和与本专业设计有关的其它知识作辅助。专业艺术设计师起码要具备四个方面的基础知识，其一是绘画基础，它奠定了设计家的“表达能力”，不同的专业对绘画的训练有所不同；其二是装饰基础，它很大程度是设计者通过对传统的学习和吸收；其三是设计基础，它启迪着设计家的构思力和创造力。只有具备了这四方面的基础知识，才能充分培养出作为设计师的描写力、表现力、构成力、创造力的基础造型能力，其四是摄影造型基础，它启迪着设计家的构思力和创造力。只有具备了这四方面的基础知识，才能充分培养出作为设计师的描写力、表现力、构成力、创造力的基础造型能力，为向真正的专业艺术设计造型做好必要的准备。这样，在设计师进行设计创造上才能够根据现代社会提出的要求恰到好处地实现技术与艺术、物质功能与精神功能的高度统一，使自己的作品能从性能到形式，均能具有时代的气息和精神的风貌。
培养专业艺术设计师，应该学习的知识是广泛的。但在处理实用问题之前进行造型基础的学习与训练是必不可少的。摄影作为一门基础的教育课程，它可以通过拍摄构成的训练，潜移默化地体现在学员的专业设计中。
若没有这样的基础，造型的行动就会失去头绪而不能推进，最终的结局是追随原来的造型，不可能进行充分的创作活动。显然，本课程作为设计学员的一门基础教育课，是相当重要的，它是通过设计学员进行艺术与技术的训练达到对拍摄构成的形态构成的再组合、再创新，培养设计学员的艺术审美观念，以便更好地为自己的设计专业服务。
以上内容理论课学时：4学时 实验制作学时：8学时 以上内容的重点：
1、摄影的概念
2、摄影的造型要素—光、影的概念及构成原理、拍摄方法。以上内容的难点：学生通过对光、影的概念及构成原理的了解与学习，引发创意造型思维，为专业设计打下基础。
引导学生解决重点、难点的方法： 作业一
题目：对光、影构成拍摄练习
目的：弄清光、影构成的概念，利用光、影构成的原理及形式，经过拍摄，反映不同的心理效应与情态；相应的，不同的情感意念，赋予摄影作品中，使摄影有情绪表现，具备一定的生命力。
要求：设计的摄影要有创意，拍摄创意20幅，从其中选出10幅，用4R的尺寸完成正稿，并用卡纸裱好。
打印成二张A4纸，以班为单位刻光盘交来
以上内容理论课学时：4学时 实验制作学时：8学时
以上内容的重点：拍摄的光圈、快门、构图人像的形式美的规律、方法。
以上内容的难点：学生通过对拍摄人像的形式美的规律及构成原理的了解与学习，引发创意图形思维，为专业设计打下基础。
作业二
题目：上网搜寻中外优秀的风景、静物、花卉、建筑、人物、动物、都市人文风貌等各类摄影作品各一幅，共七幅，并写出自己的感想和赏析评议，要求：每幅评议不少于二百字，有不明白的问题也提出来，下节课堂上讨论、交流。
打印成二张A4纸，以班为单位刻光盘交来
以上内容理论课学时：4学时 实验制作学时：8学时
以上内容的重点：拍摄的光圈、快门、构图人像的形式美的规律、方法。
以上内容的难点：学生通过对拍摄人像的形式美的规律及构成原理的了解与学习，引发创意图形思维，为专业设计打下基础。
作业三
题目：按课堂学习内容分别拍摄头像、特写、胸像半身像、全身像好各一幅。下节课按班组用电子文件交来，下节课堂上讨论。
目的：弄清全身像、半身像、胸像、头像，运用光、影构成原理及形式，以人物造型的综合印象来组织形态关系，反映不同的人像。
要求：拍摄人像要有创意，拍摄人像20幅，从其中选出10幅，用4R的尺寸完成正稿，并用卡纸裱好。
打印成二张A4纸，以班为单位刻光盘交来
以上内容理论课学时：4学时 实验制作学时：8学时
以上内容的重点：拍摄的光圈、快门、构图人像的形式美的规律、方法。
以上内容的难点：学生通过对拍摄人像的形式美的规律及构成原理的了解与学习，引发创意图形思维，为专业设计打下基础。
作业四
题目：外出摄影风景、静物、花卉、建筑、人物、动物、都市人文风貌等
目的：巩固课堂学习的内容，同事对摄影的原理，摄影的拍摄方法进行实践用摄影的艺术眼光（点、线、面的组织结构关系）去观察具象形态，从中分析、归纳具象形态有规律的内在光、影关系。
要求：选择1—2个具象形进行摄影，完成2幅摄影作品，尺寸8R，并用黑卡纸裱好。本授课单元教学手段与方法：
教学方法：包括理论知识、课堂讨论、观赏优秀的摄影作品、自学。
(1)理论知识：以教师课堂讲授为主，认真讲解理论知识，让学生认真理解每一个内容，课堂理论讲课与个别指导相接合，使学生清楚的懂得构成的基本要素和基本形式。阅读参考文献、书籍、优秀的摄影作品为辅。
(2)课堂讨论：课前由教师布置内容、提供参考文献，学生自己准备，课堂上围绕提出的问题进行讨论。
(3)自学：由教师布置自学内容，提出重点，指导学生自学。课外教学要求：
首先，要求学生养成课外自学的主动意识，积极探索。认真完成教师布置的课外作业。另外，教师要有计划对课外作业进行检查和点评。对课外作业的内容尽量给予学生自由创作的空间，教师不应对其限制过死。教学手段：
学生可以利用电脑来制作作品，打破传统的拍摄习惯。利用多媒体现代教学，能变抽象的说教为形象的演示，培养学生艺术鉴赏力和审美能力。拍摄按一定的规律，组合而成的一门艺术，在预备年级要上好这门课，难度确实是很大的。以往在教授制作方法时我们光靠讲，看一些有限又小的图片，很难让同学理解、掌握。利用多媒体现代教学手段，把抽象的说教变为形象的演示，由浅入深，大量的生活中感性的东西让同学看，让学生从感性到理性，由形象到抽象，加强了同学对平面构成理解，掌握了美的构成规律，提高了对平面构成艺术作品的欣赏力，提高了对抽象形的审美观。如我们在进行拍摄的概念、方法与步骤时，我们用很多优秀作品，通过荧屏一步一幅幅优秀作品演示给同学看，学生很快就理解掌握了，教学效果提高了许多倍。以往我们光靠教师讲，费时费力，效果平平。利用多媒体教学手段在短短时间里很多形象展示给学生看，既形象生动，又使学生很快理解，及时掌握当堂的知识。
在运用多媒体教学手段时，还需要注意发挥教师课堂用语的情感、语言的精美到位、抑扬顿挫的语调，使学生和电脑之间的交流更生动更美。
艺术欣赏力的培养，需要大量接触艺术作品，审美能力才能大大提高。多媒体教学中你可以从书籍、计算机网络、电视节目、多种音像制品、现实大自然中获取教学所需要的创意字体图片、作品。这样就可以及时、大量向学生展示艺术手法高超、审美特征突出的优秀作品，开拓学生审美的视野，使他们通过优秀作品的学习，更懂得随着科学的进步，现代生活促进人们的审美意识也发生了深刻变化，美同样存在这些摄影作品中，提高审美能力。
第三篇：摄影基础教案
摄影基础教案：第八课 基本拍摄技术
教学目的与要求：
要求学生了解掌握取景的一般技巧、取景的要点，熟悉取景基本要求。
重点：
取景的一般技巧 难点：
取景的基本要求 教具：
照相机、多媒体教室 教学程序：
在拍摄照片的时候，拍摄什么样的景物，从哪个方向拍，应该拍多大，都是取景和构图所要解决的问题。虽然后期放大照片时可以对照片进行剪裁，但是比较费力而且会影响到画面的整体效果。所以在前期拍摄的时候，就要事先考虑到如何取景和构图，因为这是关系到照片最终质量的一个重要环节。
所谓取景，就是怎样把镜头前面的各种不同的景物，有选择地、合理地安排在一张有限的画面上，艺术地表现出来。如果不进行选择和筛选的话，很难拍到满意的作品。
一、取景的一般技巧
1、照片的画幅比例
一般照相机的取景框都是长方形的，这也就决定了大部分常规的照片都是长方形的。一般拍摄的方法是平端照相机进行拍摄，有时候也可以把照相机竖起来拍摄。选择使用横画幅或竖画幅可遵循以下规律：在强调画面的左右延伸感，来表现画面的宽广的时候，适应使用横画幅；而被摄体较高或是有上下延伸的趋势的时候，适应使用竖画幅，如图所示。
横构图
竖构图
2、兴趣中心的安排
兴趣中心，指一张照片中最吸引观众视线，给人印象最深刻的地方。在一副画面中，一般都有一个兴趣中心，也就是一个主体，而其他的物体都是起陪衬和烘托的作用。主体的安排也有一定的技巧。一般来说，主体可以在画面中占有很大的面积，比如占1/2或者更多，以所占的比例来吸引视线，如图
所示。
将兴趣中心放在中央
有时候也可使主体占据比较小的面积，但通过位置的改变或者与背景产生很大的差异，来起到突出主体的作用。这时候主体就不一定放置在画面的中央了，也可以放置在画面的一侧，如下图所示。
兴趣中心放在右侧
3、视觉的多样性
人的眼睛是一个结构复杂的器官，它可以观察所看到的景物，而且同时对于有差异的物体会非常敏感。所以在取景的时候可以利用这一点，在重复的影像中插入不同类的物体，以异常打破正常，以突然打破平静，以非常规打破常规，这样也可以达到引起人注意的效果，如下图所示。
打破常规的构图
二、取景的三个要点
在拍摄同一个景物的时候，因为拍摄角度的不同，会导致拍摄出的照片效果大不相同。拍摄点大致可以分为三类：不同的拍摄距离、不同的拍摄方向和不同的拍摄高度。总的来说，这三个要点也就表明了取景的含义。在实际拍摄中，对于这三点的具体把握和结合也就构成了取景的意义。
1、不同的拍摄距离
拍摄距离，是指拍摄点与被摄对象之间距离远近变化的关系。拍摄距离的选择，体现在照片画面上就是景别的变化。通过距离的远近变化，来确定景物形象的大小以及所包含的空间范围。通常所说的景别包括远景、全景、中景、近景、特写。在摄影创作中具体选择哪一种景别，是由摄影者根据被摄对象的性质所产生的艺术构思和立意来决定的，其目的在于更鲜明地表达主题内容，更生动地表现对象特征，更完美地创造新颖的构图形式。
在实际拍摄中，不同的拍摄距离会带来不同拍摄效果，一旦拍摄距离发生变化，那么画面的景别也就会相应变化，而不同景别的变化又具有不同的表现力。
使用同一焦距镜头的照相机，由于拍摄距离的变化，产生了远景、全景、中景、近景、特写等不同的景别。现分述如下：
1）远景
是距离被摄对象远处拍摄，它包括的景物范围很广。可以显示出被摄场景相当广阔的环境和背景，远景主要以大自然为表现对象。
远景构图
古代画论说“远取其势”。远景总是以自然的气势取胜，表现地形特征，地理位置，山川形势及气候变化所产生的环境氛围等等。因此，结构远景画面，要从大处着眼，注意整体气势，处理好大自然本身的线条，如山岳的起伏、河流的走向、田野的图案、沙漠、海洋所特有的色调和线条等，并且要善于运用各种流动的因素，比如大气的状况，云彩的变幻，风雨阴晴，它们都是远景画面中动人的因素。
远景的特点是有利于向观众表现出被摄场景完整的印象，重点体现出被摄场景的气氛和气势。在实际拍摄中，远景常常用来风光类型的题材。这类照片一般都气势恢宏，整体的感觉很好。但远景也有不足的地方，就是虽然在表现大的场景上很到位，但是场景过大，而对于场景中局部的表现不足，难以鲜明地表现出局部的细节。在器材的选择上，短焦距镜头视角大，常用来拍摄远景。
2）全景
全景能表现出画面中景物的整体范围和空间特征，以表现某一个被摄对象的全貌和它所处的环境为目的。全景用来交待事件发生的环境及主体物与周围环境的关系。见图。
全景构图
全景范围的大小总是与主体对象有关，是与主体对象的大小相对而确定的。比如人和其所处的室内的全景，自然要比人民大会堂的全景范围小得多，但它对主体事物来说都是以全景来称呼。结构全景画面，主要考虑环境与主体物的某种关联，注意主体整体的固有特征的轮廓线条，主体与周围环境的呼应关系。以达到内容上的丰富和结构上的完整。
全景特别适合表现主要被摄对象的全貌和所处的环境特点。相对来说，全景比远景更能表现主题，在主体的塑造上也更加鲜明。全景照片的画面效果与人眼大致相同，也使得整个画面更加真实自然。全景虽然在主体的表现上相对远景有一定的加强，但毕竟也是一个大范围的取景方式，所以在某些被摄体的细节表现上仍然存在一定的不足。在器材选用上，使用标准镜头来拍摄。一般都可以达到全景画面的效果。
3）中景
取景范围相对于全景来说要更小，更侧重于对画面中主体的表现，而环境和整个被摄场景的气氛相对次要。目的在于表现某一事件或对象的富有表现力的情节性和动作性强的局部，表现事物矛盾的焦点，人与人之间的感情交流和联系等。如图所示。
中景构图
中景常常以动作情节取胜，环境降到次要地位，如果是静的物体，也总以该对象中最有趣味，最引人注意的部分，如人民大会堂的中景，可能是突出正门的一排有气势的廊柱。中景人物中，手势动作常常是画面中的主要部分。
中景适合表现人与人、人与物、物与物之间的关系。它能很好地表现出被摄体的质感和状态，而且在画面中主体的刻画上要比远景和全景细致和到位，所以中景无论在专业摄影还是在业余摄影中的运用都相当普遍。在器材选用上，一般都使用中等焦距的镜头来拍摄。
4）近景
近景主要用以突出人物的神情或者物体的细腻的质感。“近取其神”、“近取其质”都说明了近景表现的特点，如图所示。
近景构图
近景通常会对人物的神态或景物的主要面貌做出细腻的刻画，所表现的主体细节更丰富，更加的醒目，容易给观众留下深刻的印象。由于近景对于主体的刻画和描写占了主导地位，对于主体所处于的环境的表现就些力不从心了。使用中长焦距段的镜头可以比较容易地拍摄出近景的画面效果。5)特写
较近景更进一步，把对象的某一局部充满画面，从细微处来揭示对象的内部特征。较之近景，特写更重视揭示内在的动感，通过细微之处看本质。拍摄特写，成功的关键在于独具慧眼的观察力，能抓取一些值得特写的局部，以打开观众窥见事物内在的窗户。
比如人物的眼睛常常是特写的内容，因为人们常说眼睛是心灵的窗户，的确，通过人的眼睛，可以窥见人物的内心感情。
其次特写人的手，手是一个人行为和动作的焦点，能看出人的职业、年龄等特征。手还有丰富的“表情”，戏曲行话中说：“指能语”，日常生活中人们就常常运用各种手势来帮助表达感情。特写雪枝下的一朵小迎春花，春天的一株小草芽，夏日的一朵荷花，秋天的一片红叶，都能给人以生命的欢悦，比其他的景别更容易触动观众的心弦。所以，特写常常富有寓意性和抒情性，较为含蓄，能启发人们的想象力。
由于特写的注意力基本上全部集中在刻画主体物上，所以对于环境和场景的交代几乎是没有的。使用长焦距的镜头一般可以拍摄出特写的画面效果。
特写构图
景别的确定是摄影者创作构思的重要组成部分，景别运用是否恰当，决定于作者的主题思想是否明确，思路是否清晰，以及对景物各部分的表现力的理解是否深刻。比如，拍摄芭蕾舞演员的舞姿，若不远不近恰恰去掉舞蹈者的足尖；拍精心检验产品，而手却不在画面之内；需要强调神情又远得看不清面目；需要强调气氛的没有给予舒展的空间等等，都是思路不清的毛病。至于有些人事先不构思好景别的运用，往往先拍下来再说，需要中景、特写靠放大后再剪裁，这就是不了解拍摄距离对画面形象的质量和表现力的影响。要保证完美的画面质量，景别的确定要尽可能在拍摄时一次完成。
以上所介绍的景别，可以用同一焦距段的镜头在不同的距离拍摄出来，也可以在相同的拍摄距离上使用不同焦距段的镜头来拍摄。
2、不同的拍摄方向
拍摄方向是指拍摄点与被摄对象之间在同一平面上的对应关系。
以被摄对象为中心，在同一水平线上的三百六十度范围内，任何一个方位都可以作为拍摄点。不同的方位有各自不同的方向，不同的方向能获得不同的画面结构。
拍摄方位的变化，体现在照片画面上就是构图形式的变化。通过方位的选择来确定被摄对象在画面中的结构方式，使主体、陪体与背景三者有机地结合起来，使构图形式更富有表现力和感染力。
由于拍摄方位的变化，产生了正面构图、斜侧面构图、侧面构图、后侧面构图和背面构图等不同的构图形式。
1）正面构图
照相机的方位正对着被摄对象的正面拍摄,即产生正面构图效果。这种构图形式在国画中称为正局。
正面构图，能够清楚地展现出被摄对象正面的形象特征，让观众可以看到正面的全貌。在这种构图中，被摄人物占据画面的中心部位，面对着观众，似乎可以通过眼神、表情和姿态与观众产生交流和联系，具有吸引力和亲切感。被摄景物则可表现其对称的风格特征。假如用正面构图拍摄天安门，许多平行匀称的线条，构成一种平稳、凝重的感觉，以国徽为中心，左右两侧完全对称的建筑风格，在构图中更加强了均衡的效果，让人产生一种肃穆、庄严、稳定的视觉印象。在新闻摄影中，每当报道党代会或人大会议时，常采用正面构图来拍摄大会的正面场景，往往以俯摄角度表现主席台上的横幅会标和众多的与会者，突出体现会议的庄严隆重气氛。
在人像摄影中，对于那些五官端正、面部结构正常的人物形象，可以采用正面的方位拍摄。正面构图的形式能够塑造端正脸型的正面特征，通过眼睛的神情和面部的表情来揭示人物的内在性格特征。拍摄正面人物肖像，除了选择面部形象正常的被摄对象以外，还要注意处理好被摄对象的姿势和手势，使双手处于合理的位置。在拍摄时要准确地抓取人物面部的细微表情，这种神情往往是通过眼神来传递和流露的。
任何构图形式都有其长处，也有其不足。正面构图的缺陷和不足之处有三点：其一，容易给人一种呆板、缺乏生气的印象；其二，画面中的各种平行线条难以产生透视效果，不易表现空间深度；其三，画面是平均地展现正面的各部位，不易使主体突出。这种构图形式不适于表现活泼气氛和富有运动性的主题。如图所示。
2）斜侧面构图
照相机的方位处在被摄对象的正面至侧面之间的某点上拍摄，即产生斜侧面构图效果。
斜侧面构图，既能表达出人、景、物各种被摄对象正面的主要特征，又能展示侧面的基本特征，实际上是表现了被摄对象的“两个面”，使构图形式生动活泼，富有立体感。在这种构图中，各类线条均按一定的方向由近而远汇聚，具有明显的方向性，有利于加强空间纵深感和表现物体的立体感。运用斜侧方位拍摄，将画面中的主体、陪体、前景、背景等配置适当，可以产生强烈的透视感，增加景物的层次，使构图清新活泼，富有生气。在某些情况下，把主要的被摄对象置于线条透视的会合处，虽然主体占据了较小的面积，并处于画面的深处成为一个“点”，但是观众的视线却能够随着透视的变化而落到这个“点”上，这种最引人注目的点，通常称为视点。
在摄影创作实践中，由于广大摄影者充分认识到斜侧面构图能够加强立体感，富有层次和透视感，易于突出主体的特点，所以采用斜侧方位进行拍摄者居多。运用这种构图形式所创作的优秀摄影作品举不胜举。
在人像摄影中，采用斜侧面构图和侧逆光照明，可以使被摄对象的正面和侧面的“两个面”形成鲜明的明暗对比。使人物五官中的眉、眼、鼻、嘴各部位的线条产生透视变化，更加强了人物的立体形象，能较好地表现人物面部的皮质感。同时，斜侧面构图还能够使人物所处的环境特征得到适当的表达，用环境的空间深度、明暗对比、虚实变化来烘托主体对象，使人物形象更加鲜明突出。在拍摄人物肖像时，可能会遇到个别人物的两只眼睛或两只耳朵大小不一样，在这种情况下，可以采用斜侧方位来拍摄，把眼睛较小的一侧靠近照相机镜头，依赖镜头的近大远小的透视变化，使两眼大小不一的缺陷得到适当纠正；至于两耳大小不一，则可将一只有“缺陷”的耳朵“隐藏”在观众所看不到的背侧面，在画面上只出现一只耳朵，观众就会感到一切都是正常的。拍摄人像时，要尽量调动各种艺术手段来塑造和美化人物形象。
3）正侧面构图
照相机的方位与被摄对象成90度角拍摄，即产生侧面构图效果。这种构图形式在国画中称为偏局。
侧面构图，能够明确地表达出被摄对象的侧面形象特征，适于表现人物或景物的侧面轮廓效果，使整个画面结构具有明显的方向性。在拍摄某些运动中的被摄对象时，能够加强活跃、动荡的效果。例如在体育摄影中表现运动员跑步、跳跃和赛车赛马等运动项目，侧面构图可以产生强烈的动感，具有你追我赶的动势。
正侧拍摄
在人像摄影中，运用侧面构图可以塑造被摄对象的侧面轮廓形状。凡是侧面形象比较端正的人物，均可采用侧方位拍摄，表达其侧面的某些特征，表现侧面轮廓形象的健美或秀美。拍摄侧面人物肖像，除了那些五官端正、侧面轮廓线条富于变化的人物之外，尚有少部分面部形象不够端正，或脸面左右存在某些缺陷的人物，可以运用侧面构图来掩饰有缺陷的部分，美化人物形象。
侧面构图的缺陷和不足之处是：运用侧面方位拍摄某些建筑物或其他物体，由于只能表现侧面的特征，同样产生了正面构图的某些缺陷，侧面的一些平行线条也难以产生汇聚，使主体物的透视效果大为减弱，这是其一；其二，由于只能看到侧面特征，正面的主要特征难以表达，构图容易流于散漫和不集中。这种构图不适于表现平静、严肃的主题。如图所示。
4）后侧面构图
照相机的方位处于被摄对象的侧面至背面之间的某点上拍摄，即产生后侧面构图效果。
后侧面拍摄
后侧面构图，是表现被摄对象背面和侧面某些特征的一种构图形式。它与斜侧面构图的拍摄方位正好相反，所类似的是同样表现了被摄对象的“两个面”，立体感较强，各类线条也与斜侧面构图一样具有明显的方向性和透视感。这种构图形式大多用于表现人物的背部特征，或以人物后侧面作为前景来展示环境和背景特征。
在人物肖像摄影中，有时为表现人物的背面和侧面的某些特征，常采用后侧方位来拍摄。例如表现某些少数民族的服装头饰，运用后侧面构图形式，既可清楚地表达人物头部和背部的一些精美图案的色彩效果，又可看到人物侧面的基本形象。
5）背面构图
照相机的方位处于被摄对象的正后方，对着被摄对象的背部拍摄，即产生背面构图效果。
背面构图，能够表现被摄对象的背部特征，通过背面形象来表达作者艺术构思中的含蓄意念。
利用背面构图形式所创作 的优秀摄影作品并不少见。在这类作品中，通常是以人物的背影姿态作为前景，透过背影看到远景环境或背景特征。例如前苏联摄影艺术作品《未来的船长》（加利娜·桑科摄影），表现两个孩子站在岸边，凭栏眺望远处起航的巨轮，向往着将来能成为扬帆远航的船长。这幅作品的构图方式是以两个孩子的背影为前景，由深黑色的前景影调透视到远处朦胧中的船只，形成了较强烈的影调对比，远景与近景之间的虚实对比，产生了以虚托实的效果，有利于主题的表达。
选择不同的拍摄方位，产生不同的构图形式，都是作为摄影造型的表现方法而存在的。从理论上讲，不同方位所构成的构图形式均有其自己的特点和缺陷，但不能因此而主观武断地给各种构图形式打上优劣的印记。任何一种构图形式，只要它与某些被摄对象特点相结合，充分发扬其特点而避免其不足，能够深刻地揭示主题思想，并给人一种美感，即可称之为优良的构图形式，且有可能成为优秀的摄影作品。如图所示。
3、不同的拍摄高度
不同的拍摄高度会使画面产生迥异的效果。拍摄角度分为平拍、仰拍和俯拍三种。
1）平拍
拍摄点与被摄对象于同一水平线上，以平视的角度来拍摄，这种角度称为平摄角度。
平拍所构成的画面效果，接近于人们观察事物的视觉习惯，它所形成的透视感比较正常，不会使被摄对象因透视变形而遭到歪曲和损害。因此，这种平摄角度的表现方法在摄影实践中应用最广泛，运用起来比较快捷方便。
平拍的机位和被摄对象的位置关系图
在人像摄影中，凡属身份证、工作证所用的半身免冠照片，均应以平摄角度和正面构图来拍摄；其他肖像照片，运用平摄角度也居多数。凡是人物面部结构比较正常者，通常应采用平摄角度，它可以使五官端正的脸型得到较好的表现。这种角度所拍摄的人物肖像，容易引起与观众之间的情感交流，有一种平易亲近的感觉。如图所示。
平摄角度的拍摄方法，适于表现具有明显线条结构或有规则图案的物体，不致因透视变形而损害线条和图案的正常结构。凡是翻拍一些平面的文件资料之类的东西，均需采用平摄角度来拍摄。
平摄角度的缺陷和不足之处是往往把处于同一水平线上的前后各种景物，相对地压缩在一起，缺乏空间透视效果，不利于层次感的表现。
2）仰拍
拍摄点低于被摄对象，以仰视的角度来拍摄处于较高位置的物体，这种角度称为仰摄角度。
仰角度的机位和被摄对象的位置关系、仰角画面样式图
仰摄角度的视平线较低，如果以仰摄角度拍摄室外的各种景物，可以在照片画面中造成很低的地平线或水平线，使杂乱的背景掩盖在较低的地平线以下，天空作为背景占据了画面中相当大的面积，前景高大，主体突出，能够改变前后景物的自然比例，产生一种异常的透视效果。
用仰摄角度拍摄某些竖立的物体和高大的建筑物，可以收到挺拔直立、刺破青天的效果；拍摄有人物活动的某些场面，能够获得朝气蓬勃，升腾向上的效果。如图所示。
仰拍
在体育、舞台摄影中为了强调表现某些运动员和舞蹈演员的跳跃动作的高度，采用拍摄点较低的仰摄角度极为有效。这种低角度可以把被摄对象有限的跳跃高度极大地夸张，形成一种展翅凌空的视觉效果。
在人像摄影中，仰摄角度不仅可以突出表现人物形象之高大，还可以纠正和弥补某些脸型上宽下窄或下巴以及口型比例过小的缺陷。
运用仰摄角度拍摄，仰角之大小，与距离的远近有关，距离愈近，仰角愈大；距离愈远，仰角愈小。根据不同被摄对象的具体情况，选择适当的仰摄角度，才能增强摄影构图的表现力。如果仰摄角度运用不当，容易产生严重变形或使直立的物体向后倾倒。这样的构图效果，将损害被摄对象的正常形象。
3）俯拍
拍摄点高于被摄对象，以俯视的角度来拍摄处于较低位置的物体，这种角度称为俯摄角度。
俯视角度的视平线较高，如果以俯摄影角度拍摄带有地平线的景物，地平线往往被置于照片画面的上方，地面景物占据画面中的绝大部分，天空常常只占一线的位置。在有些情况下，俯摄角度较高时，整个画面全部被地面所占据，天空和地平线在画面上完全消失。在俯摄角度所拍摄的画面中，主体人物或景物与广阔的空间相比，显得渺小。犹如登上泰山极顶，环顾四周，有“一览众山小”之感。
“欲穷千里目，更上一层楼”。要想在照片画面上表现更广阔的场景，就需要尽可能升高拍摄点。当拍摄点升高到空中时，即通常所说的航空摄影，简称航拍。航拍所构成的画面，可以使远近景物在照片中由上至下有层次地平展铺开，最大限度地表现自然的空间感，能够清晰地交待总体环境和地理位置的完整概念。航空摄影所形成的俯摄角度，一般称为鸟瞰。俯摄角度适于表现规模和气势，能富有表现力地展示巨大的空间效果。它适于表现辽阔的原野、大规模经济建设场面以及群众集会壮观的宏大场面等等。在体育运动和文艺表演中，常常用俯摄角度来展现优美的图案效果，或以净化的背景衬托被摄对象形体姿态。
在人物摄影中，俯摄角度应用不当，会对人物的形象起到丑化作用。一般来说，不宜用过大的俯摄角度拍摄面部结构正常的人物肖像。在特殊情况下可以例外，个别脸型上窄下宽的人物，用俯摄角度拍摄，利用近大远小的透视变化，可以适当纠正和弥补脸型上的缺陷，获得面部结构正常的效果。
三、取景的具体应用
在实际拍摄中，有很多取景的方法，这些方法不仅可以使画面主体更加突出，而且可以使画面效果更加和谐统一。
（1）前景与背景
画面上有些对象是作为环境的组成部分，对主体、情节起烘托作用，以加强主题思想的表现力。作为环境组成部分的对象是处于主体前面的，我们称它为前景；处于主体后面的，我们称它为背景。
前景与背景都可以作为主体的陪衬，不仅可以点缀画面，也可以突出主体。
1）前景
前景处在主体前面，靠近相机位置，它们的特点是呈像大，色调深，大都处于画面的四周边缘。
前景
前景可以是树木、花草，也可以是人和物。陪体也可以同时是前景，但许多情况下，前景却不起陪体的作用。在一些场面较大、景物层次丰富的画面中，常常是有前景的。下面我们具体分析一下前景的安排在表现内容上所起的作用：
①一些富有季节和地方特征的花草树木做前景渲染季节气氛和地方色彩；使画面具有浓郁的生活气息。春天的桃花、迎春花作前景，画面充满春意，用菊花、红叶做前景，秋色洋溢画面；用冰挂、雪枝作前景，北国冬日的景象如在目前。拍摄海南风光用椰树、芭蕉作前景，富有南国情调；用潇湘竹、英雄树、雪莲作前景，具有湖、广、天山的乡土气息。这些前景常常对主题是有力的烘托。
②前景用来加强画面的空间感。结构画面时，镜头有意靠近某些人或物，利用其成像大、色调深的特点，与远处的景物形成明显的形体大小对比和色调深浅的对比，以调动人们的视觉去感受画面的空间距离。一些有经验的摄影者在拍摄展示空间场面的内容时，总力求找到适当的前景，来强调出近大远小的透视感。而且常常利用前景与远景中有同类景物，如同是人或树，由于远近不同，在画面上所占面积相差越大，则调动人们的视觉规律，来想象空间的能力就越强，纵深轴线的感受就越鲜明。
③在表现一些内容丰富、复杂的事物时，有意将所要表现的事物中最富有特征的部分放置在前景位置上，以加强画面内容的概括力。比如一幅表现解放军帮助农民割麦的画面，许多人在割麦，很难分辨哪是军人，哪是老百姓。如果在画面的前景上，有意安排放得整整齐齐的衣帽、水壶，便将军队有组织地来帮助割麦这一事物的特征突出了，加强了视觉的形象语言。又如历史照片《淮海战场的一角》，用一尊大炮作前景，把具有战场气氛的形象放在显著位置上，在视觉上就给人以先声夺人的深刻印象。中层景物是解放军押着一队俘虏走下战场，再远处是弥漫的硝烟，画面上战场气氛很浓。而且这前景的大炮告诉我们，当时国民党的武器是精锐的，但仍然被打败了，这就反衬出了我军攻无不克的坚强意志。拍篮球比赛用球架作前景，拍足球赛用球门作前景，都明显地将这一运动的性质强调出来。利用一些富有特点的广告、标语作前景，突出某种时代特征，这在电影摄影中是常用的。
④设置前景以与后景景物作内容上的对比，来完成摄影艺术常用的对比手法。比如，前景是丰盛的食物摊，摆着面包，挂着香肠，后景是饥饿的儿童望着这些精美的食品，对比之下就把儿童的饥饿形象化了。香港摄影家的一些作品，用破烂不堪的棚子作前景与远处的高楼大厦对比；用衣服破烂的小姐弟作前景，看着远处阳光下穿着华丽衣裳去上学的富家子弟的对比，来表现香港社会贫富不均的阶级矛盾。有一幅反映青年题材的摄影作品，前景是两个穿着入时，提着录音机瞎逛的青年，后景是在公园长凳上专心看书的青年，两者对比，形成了令人深思的主题。
⑤前景的运用还给予观众一种主观的地位感，加强画面的感染力。如用门、窗、床或桌子的一角等具有地位特征的景物作前景，让其在画面上占有较大的位置，给观众以心理上的影响，无形中就会缩短观众与画面之间的距离，产生一种身临其境的亲切感，这对增加画面的艺术感染力是有利的。⑥前景的运用还能增加画面的装饰美，一些有规则排列的物体，以及一些具有图案形状的物体，用来作前景，使画面象装饰了一个精美的画框或花边，增加了美感，显得生动活泼。如有的通过大型的圆钢管的内壁来拍工人的劳动场面，画面具有圆型的图案；的通过花枝的空隙来拍人物活动，周围就像装饰了一个美丽的花环。一些有规则排列的竹篱，曲折变化的回廊，具有图案美的窗框等都可以装饰画面。
⑦前景还有均衡画面的作用，比如天空无云显得单调时，用下垂的枝叶置于上方。有时画面下方压不住，就用山石、栏杆做前景，因色调深，使画面压住了阵角，达到稳定均衡。
⑧近年来，在前景的运用上，人们常常用虚焦点、杂乱的景物来作前景，虚而且乱，观众不但能够接受，而且还觉得有意思。这是由于人们对摄影艺术的审美趣味也在变化发展，越来越趋向自然，要求有现场的气氛。前景的虚和乱可以强调出这种现场气氛，而且前景的虚也有助于突出主题的实，以虚衬实。前景的乱也是要打引号的，事实上是乱中有治，形似乱，却是以不妨害主体突出为原则，如果乱得连主体也淹没了，恐怕观众就难以接受了。
以上谈的是前景的几种作用，当然，这是为叙述方便起见分开来谈的，事实上，前景的运用往往是同时起其中的几种作用，一箭数雕。适当运用前景可以丰富画面的“词汇”，增加画面的“文采”。但是，前景不可滥用，可有可无时，宁可不用，以求画面的简洁。另外前景的形状、线条结构要尽可能优美，与主体紧密联系和呼应，结成一个整体，帮助表达主题思想。
2）背景
背景，是指在主体的后面用来衬托主体的景物，以强调主体是处在什么环境之中，背景对突出主体形象及丰富主体的内涵都起着重要的作用。
一切造型艺术家都很重视背景的作用，雕塑、绘画、建筑等艺术都非常重视背景对主体的烘托。黑格尔在《美学》中说：“艺术家不应该先把雕刻作品完全雕好，然后再考虑把它摆在什么地方，而是在构思时就要联想到一定的外在世界和它的空间形式及地方部位。”罗丹曾点明将他的一尊小爱神的雕像放在花园里，让花园作背景来装饰它。法国一位有名大画家的朋友，想送自己的儿子到他那儿学画，朋友谦虚地说：“我的儿子没有什么才能，但可以帮你画画背景。”大画家听了幽默地说：“要是这样，就不是他向我学画，而是我要向他学画，因为我画画到现在，常常最苦恼的就是画不好背景。”从以上的事例可以看出，雕塑、绘画艺术家对背景重视的程度。摄影艺术家同样懂得，背景对一幅摄影作品的成败有举足轻重之势。往往有这种情形：拍摄一幅作品，主体、陪体、神情、姿态都很理想，但由于背景处理的不好而功亏一篑。
摄影画面的背景选择，应注意以下三个方面。一是抓特征；二是力求简洁；三是要有色调对比。
①首先要抓取一些富有地方特征、时代特征的景物作背景，明显地交代出事件发生的时间、地点和时代气氛，以加深观众对主题的理解。比如有意地将一些能标志出地方特征的对象保留在画面中，如拉萨的布达拉宫，西安的鼓楼，上海外滩的钟楼等。这样，用不着看标题，就知道事件发生的地方。另外，还要注意抓取具有时代特征的景物，使观众了解画面内容的时代背景。如用立交桥为背景来拍摄北京的事件，让人一看，便联想到这事件可能发生在进入八十年代的北京。用冒烟的火车头或工厂的烟囱作背景，在五十年代还是使人感到生产蒸蒸日上，祖国欣欣向荣的景象，能启发人们的审美感情。但如果在八十年代拍摄的工厂，仍然以冒烟的烟囱或火车头来作背景，就不会唤起人们的美感，反而使人产生有空气污染的忧虑。
有人拍摄人像很重视选取富有特征的环境背景来衬托人物的职业和性格特征，创造典型环境中的典型性格。画面上给背景留下足够的面积，选取一些足以产生丰富联想的景物来丰富人物形象的视觉语言，具有说明的象征的意义，有人称之为“环境肖像”。这种背景处理，无疑是象征性的。油画家汤晓铭画白求恩大夫肖像，背景是延安窑洞的土黄色，隐约地看到壁洞里的一盏小油灯。这盏小油灯便很能说明白求恩大夫所处的艰苦环境，没有电，自然也没有一切现代化的设施，但白求恩大夫精神饱满，乐观坚定，更显示出他伟大的国际主义精神。背景对衬托人物的性格，起了有力的烘托作用。摄影艺术同样应重视环境对人物的烘托。
背景的衬托有正衬、反衬之分，比如，幸福的儿童用鲜花盛开的花园作环境背景，是正衬；饥饿贫穷的儿童处在花花世界的繁华街道上，是反衬。
②背景的处理力求简洁。有人说过这样的话：绘画和摄影艺术表现手段的不同，在于绘画用的是加法，摄影用的是减法。在一般情况下，这话是有一定道理的。绘画反映生活总是给画面添上些东西，而摄影反映生活则总是千方百计地减去那些不必要的东西，而其中重要的是将背景中可有可无的、妨碍主体突出的东西减去，以达到画面的简洁精练。贪得无厌是失败之源，精简凝炼是成功之母。
仔细分析过许多摄影作品之后，就会发现许多有经验的摄影者都充分调动各种摄影手段以达到背景的简洁。有的是用仰角度避开地平线上杂乱的景物，将主要对象干干净净地衬托在空上；有的用俯角度以马路、水面、草地为背景，使主体轮廓清晰分明；还有的用逆光，将背景杂乱的线条隐藏在阴影中；有的用晨雾将背景掩藏在白色的雾霭之中；有的用长焦距镜头缩小背景范围，将不需要的背景景物排除在画面之外；有的用虚焦点柔化背景线条……。这些方法都可以收到简洁背景的效果。
③背景要力求与主体形成影调上的对比（在彩色摄影中要有色调对比），使主体具有立体感、空间感和清晰的轮廓线条，加强视觉上的力度。达·芬奇在《绘画论》中表达了这样一个塑造轮廓形状的法则：“你应当把那暗色的体态配置在淡色的背景上，如果体态是淡色的，那就应该把它配置在暗色的背景上。如果体态是有淡有暗的，那就应当把暗色的部分配置在淡色的背景上，而把淡色的部分配置在暗色的背景上。”这里揭示了绘画艺术的一条重要规律，即背景对主体形象的影调对比，是将所要表现的形象奉送于观众眼前的重要手段。所以，在摄影同行中也流传着这样一些处理背景的口诀：“暗的主体衬在亮的背景上，亮的主体衬在暗的背景上；亮的或暗的主体衬在中性灰的背景上；主体亮，背景亮，中间要有暗的轮廓线；主体暗，背景暗，中间要有亮的轮廓线。”大家在分析一些照片之后，就会相信这是必须遵守的。因为绘画和摄影都是平面造型艺术，如果没有影调或色调上的对比和间隔，主体形象就会和背景溶成一片，丧失被视觉识别的可能性。所以有人把画面影调色调的对比，比作运载手段，有了它，画面形象才会凸出来，送到观众面前。
在背景的选择上切忌太过复杂，因为太过纷繁的背景不仅对于烘托主体没有益处，反而会干扰观众的视觉，对于整个画面的表现产生副作用。所以在选择背景的时候一定要简洁干净。如果被摄体所处的环境过于杂乱，可以把镜头光圈开大，虚化背景以达到突出主体的效果。
（2）地平线的运用
地平线在摄影作品中很常见，但在拍摄有地平线的画面时要注意以下几点：
1）地平线不能居于画面的正中央，居中的线条会使整个画面产生一种割裂感，从而破坏照片的整体性。
2）地平线较高的时候，整个画面就会显得更饱满。3)地平线比较低的时候。整个画面效果则会显得很开阔。4）地平线尽量不要过猛的倾斜，否则整个画面将产生倾斜感。
四、取景时要注意的问题
（1）在取景的时候一定要注意简化的原则，不要让过于杂乱的陪衬影响了主体的画面效果。
（2）尽量避免取景器的边框卡在人的四肢关节处（如脚踝、膝盖）。
（3）注意背景与主体的搭配，不要让杂物影响到主体，避免“脑袋上长树”之类的现象出现。
小结：
1、取景的技巧有照片的画幅比例、兴趣中心的安排、视觉的多样性。
2、取景的要点有：不同的拍摄距离、不同的拍摄反向、不同的拍摄高度。
思考题：
远景、全景、中景、近景和特写各有哪些特点？
第四篇：摄影基础教案
摄影课程教案
授课题目（教学章节或主题）：
导言
l 9世纪上半叶。经过法国人尼普斯·达盖尔等先辈的不懈努力，在1839年发明了摄影术。从此，影像就逐渐被用于各行各业。特别是在商业艺术设计、印刷方面更是广为使用，它使原来需要经过很多年训练才能画出来的形象，只需经过镜头和显影等摄影技术就能轻易地反映出来，而且可以达到逼真的效果。我们现在所看见的许许多多的商业印刷品和商业喷绘作品都使用了影像元素。
目前人们对影像这一元素有着许多方面的研究，如艺术摄影、广告摄影、产品摄影、服装摄影等；但是从影像和艺术设计的角度进行系统研究却不是太多，因此，本课程从新闻摄影的角度进行探讨，使我们能够更好地利用影像这一元素为设计服务。
摄影实践是指摄影者运用照相机及其辅助器材进行摄影创作的具体过程。
第1章 概 论
第一节 摄影术的诞生和发展
①1839年8月19日，公布达盖尔发明银版摄影术的详细经过，摄影正式诞生。
②在我国远在二千多年前，科学家对摄影的几何光学进行了研究和实验。在《墨经》中，记载了小孔成像的实验，说明了物与型上下颠倒左右相反的现象，阐述了光的直线传播性。
③到了16世纪1816年，法国人尼斯得到世界上第一架照相机。到1826年，他终于拍摄成世界最早的照片，到1839年，才产生感光材料—银版 第二节 摄影与摄影艺术
一、摄影的含义
二、摄影在社会的作用
三、摄影艺术的发展以及摄影与绘画的矛盾
摄影是：
用眼去观察、用心去感悟 用脑去思维、用手去捕捉
第三节 摄影的基本特征
一、摄影的技术特征
二、摄影的表现特性
1、记实性
2、瞬间性
3、选择性 题材的选择
最佳时机的选择
拍摄技术的选择
处理方式的选择
思考题：从摄影、数码摄影的发展历史来解读当代的摄影、数码艺术摄影的发展与变化。自学：将收集的摄影、数码艺术摄影作品进行分类和分析。 讨论：进行摄影、数码艺术摄影作品的风格和鉴赏讨论。
本授课单元教学目标或要求：
了解摄影的基本概念、定义以及历史发展。了解摄影的基本制作流程。了解摄影与专业的关系。本授课单元教学手段与方法：
理论课堂教学为主，穿插答疑和讨论，播放优秀摄影作品 本授课单元的重点、难点：
重点：摄影技术与摄影艺术摄影的特性。难点：摄影技术与摄影艺术摄影的关系。
本授课单元思考题、讨论题、作业：
课下收集较好的摄影作品，了解摄影技术与摄影艺术的根源和发展。
上摄影网站寻找优秀的风景、人物、静物、动物、花卉、建筑、都市人文风貌等题材的摄影作品各一幅进行赏析评议。
要求：每幅评议不少于二百字，有不明白的问题提出来我们下节课堂上讨论。本授课单元参考资料（含参考书、文献等，必要时可列出）
林路编著，《摄影艺术》，学林出版社，2005
授课题目（教学章节或主题）：
第二章 摄影技术与摄影艺术（4学时）第一节 照相机的基本构造
授课题目（教学章节或主题）：
第二章 摄影技术与摄影艺术（4学时）第一节 照相机的基本构造
照相机除镜头外可分快门、调焦和取景器、机身与卷片记数装置三大部件。
一、快门是控制光线在感光片照射时间长短的机件，因此，快门就是照相机曝光的计时装置，它以秒为单位。快门的功能主要有两个方面：
快门与光圈配合，控制感光片的曝光量。
抓取瞬间动作使运动中的物体成像清晰或模糊。
其标准序列是：B、1、1/
2、1/
4、1/
8、1/
15、1/30、1/60、1/125、1/250、1/500、1/1000、1/2000、1/4000，快门的时间要求准确、稳定；误差不超过±40%；工作可靠，关闭时不允许有漏光现象，寿命应在3000次以上。
（一）快门的种类
镜间快门
镜间快门因受机械力及机械惯性的限制，一般最高速度很难超过1/500秒，最慢是B门和T门。镜间快门的优点是：
震动较小 比较耐用
拍摄动体时不会产生变形
用来进行电子闪光摄影时，不受速度级别的限制，每一级均与闪光同步．
镜后快门 帘幕快门
帘幕快门的缺点是：
在拍摄动体时，回造成变形。闪光同步速度低
钢片快门 程序快门 光圈先决式电子快门 动态摄影和快门速度
第一种处理办法是用高速快门将运动中的景物凝结下来，获得一个清晰的影像。
第二种处理办法是如果物体来回运动，如荡球千、跳高、舞蹈等，这些运动均有一个瞬间的静止时间，摄影者抓住这个时间 可用较慢的快门速度而获得清晰的影像。
第三种处理办法是对一些高速横向运动物体，如自行车、汽车、摩托车等，可采用横向追随拍摄法，使主题清晰而背景模糊，表现强烈的动感。
第四种处理办法是允许被摄物有一些模糊，选择适当的快门速度可达到这目的。
（二）快门的保护
1、上弦前调整快门速度
2、快门速度不能调在两级数字之间。
3、快门不能长时间处于上弦状态，以免弹簧拉紧容易疲劳。
4、拧不动时不要硬拧，扳不动时不要硬扳。
5、单镜头反光相机卷片与上弦联动，每次卷片时轻轻扳动 卷片手把，一定要卷到头，不能中途停下来按快门，否则很容易损坏。调焦和取景器 身与卷片记数装置
（一）机身
照相机暗箱实际上就是它的机身，有了它才能装置其他各个部件。机身的材料有用塑料或金属的，照相机暗箱实际上就是它的机身，有了它才能装置其他各个部件。机身的材料有用塑料或金属的，总的要求是机械强度高、不变形、耐老化、质轻、不漏光。
（二）走片装置
第二节照相机的种类
一、大型照相机
二、中性照相机：使用120、220、127等胶卷的照相机均属中性照相机。
三、小型照相机：
1、平视光学取景式2、135单镜头反射式 四、一步成像照相机
五、特殊用途照相机：
1、显微照相机
2、工业用照相机
3、医用照相机
4、水下照相机
5、航空照相机
6、高速照相机
7、航天照相机
六、电子照相机（数码相机）
第三节
照相机的正确使用和保养
一、照相机的正确使用
1、操作使用照相机之前，首先应该详细阅读使用说明书，了解它的性能、结构和使用方法。
2、要按照正确操作程序操作。⑴安装胶卷。
⑵根据景物亮度和拍摄要求，调节光圈与快门速度。⑶调焦（对光）和取景。⑷拍摄。
3、拍好一张照片的基本要求。⑴ 持机平直不歪斜。⑵ 拍摄稳当防震动。⑶ 测距准确。
⑷ 快门速度与光圈配合恰当，是曝光正常。
⑸ 注意检查镜头有无被物体遮挡，如镜头盖、相机皮套等。⑹ 必要时，戴上遮光罩。⑺ 注意用光线。⑻ 构图
二、照相机的维护和保养
1、注意防震
2、注意防潮
3、保持相继内外清洁
4、不要长时间对着太阳等强光体，否则镜头会开胶或上伤眼睛，甚
至烧坏机内零件。
5、不使用时快门弹簧放松，距离标尺放置在无限远处，把镜头缩回，防止皮套紧压镜头。
6、先调好快门速度，然后再上紧快门弦，否则容易损坏。
7、快门速度不能放在两档之间，若放在两档之间，一是曝光时间不 准确：二是容易损坏快门。
8、不要随意空拍，以延长快门使用寿命。
9、避免酸硷及有害气体的侵蚀
第四节
照相机的附件 一、一般滤色镜
滤色镜是照相机的重要附件，确切地应叫滤光器，它是一块有色的玻璃，使用时置于照相机镜头前面。
1、滤色镜的工作原理及作用：
⑴ 校正颜色对比
⑵ 调整反差
⑶ 改变空气透视和调整天空色调 ⑷ 取消某种颜色、提高清晰度
二、特殊效果滤色镜
1、UV镜，即紫外线滤色镜，也称去雾镜
2、偏振镜，也称PL镜。
3、灰色镜，有全灰、半边灰、渐变灰三种。
4、近拍镜
5、柔光镜
6、雾镜
7、多像镜
8、星光镜
9、色散镜，即彩虹镜
10、晕光镜
11、半幅近摄镜，又称远近镜、双焦镜。
12、魔术镜
13、色散镜，即彩虹镜 三、三角架 三角架是用来固定摄影机的金属支架。
四、快门线
是安装在快门钮上用来开启快门的。
五、遮光罩
六、近拍附件
七、多功能机身后盖，即资料后盖
八、电动卷片器
二、焦距的功能与作用
在摄影上，镜头的焦距有五个功能和作用。
1、镜头焦距长短与成像大小成正比例。焦距越长，成像越大；焦距越短，成像越小。
2、镜头焦距长短与视觉大小成反比例。焦距越长，包括的角度越小；焦距越短，包括角度越大。
3、镜头焦距长短与景深大小成反比，能在感光片上结成清晰影像所对应的景物范围的纵长深度叫景深。镜头焦距越长，景深越小；焦距越短，景深越大。
4、镜头焦距的长短与透视感的强弱成反比。焦距越长，透视感越弱；焦距越短，透视感越强。
5、镜头焦距的长短与反差成反比。焦距长，反差小；焦距短，反差大。本授课单元教学目标或要求：
了解摄影设备的基本原理、对摄影器材有一定认识。了解摄影技术与摄影艺术的关系。
本授课单元教学内容（包括基本内容、重点、难点，以及引导学生解决重点难点的方法、例题等）： 本授课单元教学手段与方法：
理论课堂教学为主，穿插答疑和讨论，播放优秀摄影作品 本授课单元思考题、讨论题、作业：
课下收集摄影作品，了解摄影技术与摄影艺术的根源和发展。引导学生解决重点、难点的方法： 作业一
题目：对光、影构成拍摄练习
目的：弄清光、影构成的概念，利用光、影构成的原理及形式，经过拍摄，反映不同的心理效应与情态；相应的，不同的情感意念，赋予摄影作品中，使摄影有情绪表现，具备一定的生命力。
要求：设计的摄影要有创意，拍摄创意20幅，从其中选出10幅，用4R的尺寸完成正稿，并用卡纸裱好。
作业二
上摄影网站寻找优秀的风景、人物、静物、动物、花卉、建筑、都市人文风貌等题材的摄影作品各一幅进行赏析评议。以班为单位刻光盘交来
要求：每幅评议不少于二百字，有不明白的问题请出来，我们下周课堂上讨论。以上内容的重点：拍摄的器材认识与了解。以上内容的难点：对拍摄的形式美及曝光原理
本授课单元参考资料（含参考书、文献等，必要时可列出）
林路编著，《摄影艺术》，学林出版社，200
5授课题目（教学章节或主题）： 第三章
摄影镜头 第一节
镜头的焦距
一、焦距的定义
用标准镜头拍摄，被摄物离镜头25米以上，一般称之为无限远，用符号“∞”表示。从无限远物体射来的光线一般可以认为是平行光线（如太阳光），平行光线通过透镜形成的像点就是焦点。从焦点到透镜中心的距离就是焦距，用F或f表示。
除变焦镜头外，一般镜头的焦距都是固定不变的，照相机的镜头上一般均表明焦距，如海鸥DF相机的标准镜头上标有f=58mm即表示该镜头的焦距是58毫米。
三、光圈
光圈是用金属薄片制成的可调节光孔大小以控制通光量的机构。光圈一般安装在透镜组的中间。各级光圈直径与焦距的比值叫做相对口径，计算方式与有效口径相似。
各级光圈大小的数字，叫光圈系数，以f/表示，它是相对口径的倒数。例如镜头的相对口径为1：5·6时，光圈系数标为5.6或写f/5.6.我国 部颁JB745—65标准，对f/制光圈系数的系列规定如下：
1，1·4，2，2·8，4，5·6，8，11，16，22。各级光圈通光量数倍数表：
光圈系数
1·4
2·8
5·6 通光倍数
512
256 128
放大与缩小光圈可以控制感光量是光圈的主要作用之一，此外，光圈还有调整像差改变成像质量和调节景深的作用。光圈的大小，直接影响景深的大小。光圈越大（即光圈系数越小），景深越小；光圈越小，景深越大。景深的运用在摄影中很重要。
第二节 景深
一、什么是景深
摄影时向某景物调焦，在该（景物）的前后形成一个清晰区，这个清晰区通称为全景深。
二、决定景深的三个因素：
1、光圈对景深的影响：光圈越大，景深越小，光圈越小，景深越大。
2、镜头焦距对景深的影响
3、物距对景深的影响
第三节
摄影镜头的种类、特点和用途
一、定焦距摄影镜头
1、标准镜头
2、长焦距镜头
3、短焦距镜头（广角镜头）⑴
焦距短、视角大 ⑵
焦距短、景深长
⑶
近处景物成像大，远处小，因此场面显得深远，有助于突出主体。⑷
它容易使被摄物的影像变形，焦距越短，被摄物越近，则变形越大。
4、鱼眼镜头
二、变焦距摄影镜头
三、特殊摄影镜头
Δ业余摄影爱好者宜选择哪种类型的照相机
• 135型，旁轴取景手控暴光，如凤凰JG301、F1.8、38MM、1~1/500、270元
江西产 • 海鸥205、F2.8、50MM、1~1/300、865元、江西产135型、串镜头反光取景 如 海鸥DF-
1、F2、、58MM、1~1/1000、1465元、上海产
DF-
2、F2、、58MM、1~1/2000、1760元、上海产
DF300配珠江S201、F2、58MM、1~1/1000、1595元、四川产 尼康FM2、F1.4、58MM、1~1/4000、3600元 FM10、F1.4、58MM、1~1/4000、1800元
注：可配长焦、中焦、广角或变焦镜头及专用闪光灯 如；１７－３５
２８－１０５ＭＭ
３５－３００ Δ购买新相机时如何进行检验挑选
⑴摄影镜头的检验 ⑵操作机构的检验 ⑶电子系统的检验
Δ怎样为135单反相机选配镜头
镜头生产厂有滕龙（TAMRON）、图丽（TOKINA）、适马（SIGMA）霍雅（HOYA）、35M-70、28-85/28-85、80-200、70-210（以广角—标准—中焦—长焦）
注意：卡口连接方式不同：K接和MO接口 本授课单元教学目标或要求：
了解摄影设备的基本原理、对摄影器材有初步认识。了解摄影技术与摄影艺术的关系。
本授课单元教学内容（包括基本内容、重点、难点，以及引导学生解决重点难点的方法、例题等）： 本授课单元教学手段与方法：
理论课堂教学为主，穿插答疑和讨论，播放优秀摄影作品 本授课单元思考题、讨论题、作业：
课下收集摄影作品，了解摄影技术与摄影艺术的根源和发展。以上内容的重点：光圈、快门的优化组合 以上内容的难点：构图的形式美的规律、方法
作业一
题目：对光、影构成拍摄练习
目的：弄清光、影构成的概念，利用光、影构成的原理及形式，经过拍摄，反映不同的物态与情态；
要求：拍摄要有对光、影有一定的物感、形式感。从其中选出10幅，以班为单位刻光盘交来 作业二
上摄影网站寻找以光、影、物的风景、人物、静物、动物、花卉、建筑、都市人文风貌等题材的摄影作品各一幅进行赏析评议。
要求：每幅评议不少于二百字，有不明白的问题提出来，我们下周课堂上讨论。以班为单位刻光盘交来
本授课单元参考资料（含参考书、文献等，必要时可列出）
［1］王传东著，《摄影创意》，济南：山东美术出版社，2004年7月第一版 ［2］林路编著，《摄影艺术》，学林出版社，2005年7月第一版
授课题目（教学章节或主题）：
本授课单元教学内容（包括基本内容、重点、难点，以及引导学生解决重点难点的方法、例题等）： 第四章 各类题材的拍摄技巧（4学时）
第四章 实作篇 第一节 人像摄影
人像摄影是一种最常见的摄影题材，对多数摄影者或观察者来说，最感兴趣的还是人类自身。作为摄影的一个专题，人像摄影的范围是以人的脸部为对象，现代人像摄影已扩展到人的全身，甚至人的某个局部，只要有可能表现出人的某种神韵，刻画出人物内心世界的视觉语言，均可认为是人像摄影。
1、人像摄影的基本要求
真实、完美地再现任人物形象，刻画人物的精神面貌是人像摄影的基本要求，这意味着不 仅要概括地表现人物外部形态，而且要揭示被摄者的内在性格和他的精神面貌。一幅优秀的人像摄影作品应该做到正确表现外形特征、正确揭示性格特点、正确把握时代精神三个要素。㈠正确表现外形特征
正确表现外形特征，酷似其人，是人像摄影最基本的要求。首先必须正确掌握拍摄技巧。例如拍摄的角度、光线的运用等因素，若处理不当，则会歪曲外貌的表现。其次，要善于发现人物的典型特征及其表现手法。此外还要注意人像艺术美的真实性，一味追求外表的漂亮，用摄影技巧过分修饰，将失去其真实性。㈡正确揭示性格特点
人像摄影要做到“形神兼备”。仅仅貌似或形似，就缺乏艺术价值。摄影艺术要求将人物性格和外表形象有机地融合在一起，充分利用人物形态语言，进一步展示人物的性格，即时捕捉人物情感的瞬间。
㈢正确把握时代精神
作为一个现实社会中的人，离不开周围环境和特定的社会条件，他们的服饰、化妆都紧随着时代的潮流，除此之外，他们的职业、年龄、地位、爱好、文化、民族信仰等都与他们的形象有关，这些在人像摄影中都要有正确的表现。综上所述，人物的性格特点、时代精神都是通过同一人的形态和神态表现出来的。因此，人像摄影要求者着重刻画人物的精神面貌和人物的内心世界，这是人像摄影的主要特征之一。
2、利用自然光的人像摄影
在户外进行人像摄影一般以人物为主，现场环境为陪体，自然光为主要光源。由于在自然光条件下进行拍摄，受到时间、天气、环境、季节、纬度等影响。怎样选择光位，根据不同的太阳照射角度采取的表现手法也是各不相同的。
采用太阳的直射光线，可使被摄者有较好的立体效果。但光位的选择需要注意，通常以30℃～60℃之间的照射角度为宜。利用逆光和侧逆光摄影时，应选择深暗的背景，这样有利于突出人物的形象。由于运用逆光拍摄的对象脸部较暗，应注意暗部层次的处理，通常以暗部作为曝光标准，也可使用闪光灯或白色反光板打辅助光，以调节光比。户外拍摄也可选择在阴天或多云的天气，因为太阳光经云层的遮挡，产生漫反射，这样的光线，拍摄少女和儿童尤佳，若要在晴朗天气的光线下拍摄，可在背阳的阴影下拍摄，也可让太阳光投射在描图纸上，通过描图纸的漫反射，使光线变软，使影调变得较为柔和。也可使用太阳伞，让人处于太阳伞的阴影中拍摄，在这种情况下，要注意曝光量的选择。在中午阳光下进行拍摄，要充分利用太阳伞。
在户外进行人像摄影，归纳起来，需注意这样几个方面：使用三脚架，机位宜在被摄对象眼睛下方至腰部上方，这样能防止变形；让场景中的每个人轻松自如，使被摄对象的手有处放；北京的选择要有利于突出主体，尽可能不让被摄对象的眼睛下方产生明显的阴影；宜使用中、长焦距镜头进行拍摄，让脸部占满整个画面，清楚地显示出人物的五官特征；注意使用不同的光影关系，处理不同的拍摄对象，有利于表现不同的画面效果。
3、人像摄影的景别
在人像摄影中，景别可分为全身像、半身像、胸像、头像、特写等。
1、头像
头像是指比胸像景别更小一点且带有肩部或颈部的肖像，拍摄头像时，由于人脸的一切特征都将被放大，优缺点暴露无遗。五官的比例随机位与方向的变化有所改变，这时造型效果的成功与否起到了决定性的作用，为减少拍摄对象的拘谨，应尽量使用中长焦距镜头。
2、特写
特写是指以面部为主体的人像摄影，或以人体某一部位为特征的肖像，这种摄影称为特写摄影。特写摄影更强调人物特征的视觉效果，它往往能给人一种强烈的视觉冲击力。特写摄影宜选用长焦距镜头。在人像摄影中究竟使用何种景别、将由所表现的主题而定，这是人像摄影必须认真对待的问题。
3、胸像
胸像指拍摄到胸部位置的肖像，胸像的面部特征更为重要，要根据不同的脸形特征，采用不同机位，克服面部上的缺陷，遇到被摄者为大小眼的情况，可让小眼接近镜头；遇到被摄者嘴唇有高低，可使唇角较低的一端接近镜头，并采用较低机位，来弥补面部的缺陷。拍摄胸像以中焦距为宜，可采用较大光圈，使背景虚化，这样有利于突出主体。
4、半身像
半身像的拍摄范围以被摄人物腰部以上的部位为佳。半身像由于只选取人物面部为主的上半身，所以人物的面部与手显得尤为重要，面部表情要与手的姿势相呼应，手的形态在很大程度上能强化面部表情，这样有利于造型。拍摄环境人像时，一般不宜将人物放在画面中央，背景环境的取舍简洁，适宜用标准镜头或中焦距镜头拍摄。
5、全身像
在全身人像的姿态中，手与脚的处理极为重要，手的处理原则上要有动作、要有事可做，手的姿势、位置的处理要看作是一种形体语言，能有利于被摄主体的表现，能与对象的现实情况相符合，能符合人物的性格，要与人物的气质吻合，要与人物的年龄、职业相联系，使画面生动有趣。一般来说，拍摄全身像选用标准镜头较为合适，广角镜头虽然可以靠近拍摄，但容易变形，不宜使用，当然，有意识的变形处理也是可以的。本授课单元教学目标或要求：
了解人物题材的拍摄基本原理、技巧，布光，对各人像题材有初步认识和提高。本授课单元教学手段与方法：
理论课堂教学为主，穿插答疑和讨论，播放优秀摄影作品 以上内容的重点：各类人像题材的拍摄技巧
以上内容的难点：人像摄影的拍摄构图、人像造型的形式美、人像摄影的用光 本授课单元思考题、讨论题、作业：
课后收集人像摄影作品，了解各类人像摄影题材的拍摄技巧。
思考题：如何用相机拍出各类人像摄影题材的创意作品。
自学：收集的较好的各类摄影题材作品进行分类和分析并参照较好摄影作品自己拍摄较满意的作品四幅。讨论：针对学生满意的作品进行交流、讨论。
作业一
题目：对人像的用光拍摄练习
目的：弄清光、影构成的人像造型，经过拍摄人像，反映不同的人物精神面貌和表情特点；
要求：拍摄以光、影为基础拍摄有一定物感、形式感、美感的人物形象。从中选出10幅作品，以班为单位刻光盘交来 作业二
题目：上摄影网站寻找以光、影人像、人文风貌等题材的摄影作品各一幅进行赏析评议。以班为单位刻光盘交来
要求：每幅评议不少于二百字，有不明白的问题提出来，在下周课堂上讨论。作业三
题目：按课堂学习内容分别拍摄头像、特写、胸像半身像、全身像好各一幅。以班为单位刻光盘交来，下周课堂上讨论。
目的：弄清全身像、半身像、胸像、头像，运用光、影构成原理及形式，以人物造型的综合印象来组织形态关系，反映不同的人物的精神面貌、个性特征。
要求：拍摄人像要有创意，拍摄人像20幅，从其中选出10幅。用4R的尺寸完成正稿，并用卡纸裱好。
本授课单元参考资料（含参考书、文献等，必要时可列出）
［1］王传东著，《摄影创意》，济南：山东美术出版社，2004年7月第一版 ［2］林路编著，《摄影艺术》，学林出版社，2005年7月第一版
授课题目（教学章节或主题）：
本授课单元教学内容（包括基本内容、重点、难点，以及引导学生解决重点难点的方法、例题等）：
第二节
主题思想——摄影画面构成的意图所在
主题是摄影者通过拍摄对象所要说明的问题.摄影者通过照片中的艺术形象和造型语言,引起读者在欣赏过程中产生思想共鸣和审美感受,从而表达出自己的创作思想,体现拍摄的意图.摄影画面构成的各个方面都应该是以突出主题思想为基本任务的.摄影构图就是要把所要表现的客观对象根据主题思想的要求,以现实生活为基础,运用比现实生活更富有表现力的表现形式有机地安排在画面里,使主题思想得到充分地表达.因此,摄影者在构图时应明确所要表现的主题思想是什么,并根据其仔细地进行构图.构图的好坏,将决定一张照片会被拍成什么样子,会产生什么样的艺术效果,摄影者要向观众交待什么样的拍摄意图;影响到一张照片的艺术感染力,甚至关系它的成败.摄影构图包括摄影艺术创作的整个过程,从主题思想的确定到画面艺术形象的完成.研究摄影画面构成就是研究注意思想内容与画面表现形式的统一.任何作品都是内容与形式的统一.其中内容是主要的,起决定作用的,它决定着作品的价值和生命力.在按快门前首先应明确你的作品将表达一直什么思想,否则你拍出的照片就会缺乏灵魂.就像一个人,如果没有个性,没有美的心灵,长的再漂亮也不会讨人喜欢.实际上, 摄影画面构成是十分灵活的,只有在实际创作中才能具体化.每一个新的主题,都会启发作者设计出特殊的拍摄角度、画面布局、光线描绘和线条影调组合等.俗话说“艺无定法”,为了表达主题思想,摄影者可以运用不同的构图手法.总之,摄影画面构成就是要选取典型的拍摄对象.并通过独特的造型来表达主题思想,这也是摄影构图的实质.景别——摄影构思不同意境的表达面对被摄对象,在取景时应选取多大范围?如何确定主题与背景面积大小?这就涉及摄影的景别问题.根据画面范围的大小,摄影景别可分为远景、全景、中景、近景和特写几种形式,不同景别的特点和表现力各不相同.1、远景:远景画幅包括的景物范围很广,它能显示出宽阔的场景和广大的空间.结构远景画面要从大处着眼,注意整体气势.远景画面有利于向观众展现被设场景总的印象,表现大的气势和气氛,但不能明显表现被摄主体的细部.2、中景: 只包容某一事物或某一具体对象的局部范围的画面.比如拍人物,表现人物膝盖以上相貌的画面为中景.中景画面的特点是以表现某一事物的主要部分为中心, 常常以动作情节取胜, 环境表现降到次要地位.3、近景:画面包括的景物范围很小,被摄对象能表现出更多的细部, 容易给观众留下具体而深刻的印象,不易表现环境背景的特点.拍人物通常表现胸部以上相貌的画面为近景, 能很好地表现出人物的面貌与表情.4、特写:较近景更进一步,被摄对象的某一局部充满画面,只表现被摄对象的某一细部,从细微处揭示物体的特点,给观众留下很深的印象.比如只拍摄人物的眼睛或双手,通过眼神或手的动作来表现人物的内心情感,就属于特写画面.作业
上摄影网站寻找远景、全景、中景、近景和特写较好的摄影作品.并按照以上几种形式拍摄一张,以班为单位刻光盘,在下周课堂讨论.1、拍摄不同景别的街景照各一幅．
2、拍不同方向的风光照各一幅．
3、拍一幅背景简洁的人物照．
4、拍一幅前景优美的风景照． 以班为单位刻光盘,在下周课堂讨论.第三节 影调——摄影造型中最基本的因素
在摄影中影调的划分可以根据两个标准来进行,根据画面的影调层次可分为: ①硬调:相邻影调见过渡层次少,明暗对比强、反差大,给人明快、粗犷的感觉 ②软调:以中间过渡层次为主,反差弱,给人柔和的感觉,利于表现质感,画面平淡 ③中间调:影调明暗对比、反差适中的画面
根据画面的基调,从整体的明暗倾向又可划分为三种基本影调: ①高调:也叫亮调,大量运用白和灰色影调,只有很少部分的暗调构成的画面,给人轻松、明快、纯洁的感觉
② 低调:又称暗调,大量利用黑灰的影调,只有少许亮调构成的画面,给人肃穆、凝重、神秘的感觉 ③中间调:在最常见的光线下摄影时所产生的影调效果,也叫灰调、一般调.影调在摄影画面构成中有如下几点作用: ⑴强化或弱化画面的空间深度和立体感,如暗影调的前景、亮背景可起到强化作用.⑵强调线条、形状、质感等构图的诸多因素,帮助进行画面造型.⑶组织视觉重点、突出主体.⑷烘托气氛,创造不同的视觉感受.在进行影调配置时应注意的问题: ⑴根据被摄对象的特征确定画面的基调.⑵影调配置要完美地突出主体.如果主体是深色调的则应选择浅色调的背景来配置,从而使主体形象完整清晰.⑶防止黑、白、灰影调的等量分布,防止色块的对称和零乱,画面的影调安排应有主次之分.⑷一幅黑白画面,一定要有最黑和最白的两极调子,黑处黑透,白处白亮,中有适度的灰,这样的画面才有黑白摄影的韵味.影调是指摄影画面中的一系列不同等级的黑白灰表现,它是黑白摄影构成可视形象基本要素.影调是构成摄影画面结构形式的造型基础.对比——画面构成中最为活跃的因素
对比是一种常用的艺术表现手法,也是表现事物存在状态的有效途径.所谓“全白非全白,有黑方有白”讲的就是对比的是手法.对比是对立统一的两个因素的比较,对比法则是艺术的辨证法则,广泛应用在各种艺术门类中,在藏与露、写真与写意、明确与朦胧、质朴与华丽、具象与抽象、雄浑与纤细、简洁与复杂等对比中显示出独特的审美价值.在摄影创作中,注重对比手法的运用,会增强图片的艺术冲击力.对比是摄影画面构成中较为活跃的因素,使画面显示出生动的效果.相反,如果缺少对比,画面就会显得平淡、单调.要形成对比效果鲜明的画面,就要善于从生活中发现对比因素,并借助相应的技术加以表现, 同时要与自己的构思相统一.在运用对比时要从实际出发, 从内容到形式巧妙地加以利用,在同一画面中也可以同时运用几种对比形式,从而使画面更加完美、生动.创作心得
拍一张照片，就是当所有感官汇集在流变的现实时，屏息以对。就在这一刻，抓住影像化为身心的极大喜悦。拍一张照片意味着——在同时与瞬间中——认知的事实本身与视觉形式的严谨组织，赋予影像以意义。它将一个人的头、眼、心，置于同一个轴之上。本授课单元教学目标或要求：
1、提高艺术修养
设计学员是从事创造工作的，所以，各方面的修养就会显得比较重要。要使每个学员认识到艺术修养和审美能力的提高不仅表现在理论水平上，更重要的是表现在设计者的拍摄作品之中。通过自己的拍摄作品，设计学员表达自己的情趣、感情、审美、爱好，并展示给人们，让欣赏者有同自己一样的感受。这就是一种既实用、科学却又有审美价值的艺术创造。
如同一个人的世界观的形成不是一朝一夕的事情一样，艺术修养和审美能力的提高需要一个长期的过程，它有一个由量变到质变的问题，这就要求设计者们通过艺术实践，在设计中多看、多练、勤学、深思，向有经验的前辈学习，不断在设计实践中提高自己的艺术鉴别能力和欣赏能力，打破那些陈旧，粗俗的审美观念，代之于富于新时代精神面貌的观念。
2、启发独创性
观念的更新才能带来设计的创新。有了新的观念，还必须在掌握前人传统技法及设计要领的基础上启发自己的独创性，创造出前无古人后无来者的优秀拍摄作品。
人与动物的不同点就在于人具有创造性。显然，作为设计师的全部教育除了观念的更新外，还要以培养独立的创造性为目的。造型基础是一种教育手段，通过这种手段可以发挥人的想象力和创造性，不断开发设计师的头脑，使之敏捷、活泼，达到对人类的目的和文明秩序，生活方式和社会意识有新的假设或明天的设想的目的。
因此，在拍摄练习中我们就要求学习者能抓住每时每刻浮现在自己头脑中的形象，像日记一样把它记写下来，使头脑能经常的训练。只有通过这样，才能训练自己的思维，时刻唤起自己创造灵感。
3、研讨表现的技艺
任何一种设想、形象在其没有表现在设计图中时，都是一种内在的精神，只有通过一定的成熟的技艺，把浮现的形象，刻意的设想记录下来，才能成为外在的使人看得见，悟得着的精神世界。这里技巧的表现就显得非常的重要了。同是一种的拍摄构成，技法的不同，会带来视觉心理的不同，只有成熟的技巧，才能更容易表现出自己的内在精神。
因此，在训练中，要求设计者熟悉各种拍摄的性能和美学特征，熟练掌握各种拍摄工具的使用，精通各种制作技巧，以便得心应手地表现出自己头脑中浮现的形象，培养出随机应变的设计头脑来。本授课单元教学内容（包括基本内容、重点、难点,以及引导学生解决重点、难点的方法等）：
摄影是渗透许多科学的综合艺术。要成为一个优秀的设计家，既要有一定的艺术修养和创作构思能力，又要有相当广泛的专业设计知识和与本专业设计有关的其它知识作辅助。专业艺术设计师起码要具备四个方面的基础知识，其一是绘画基础，它奠定了设计家的“表达能力”，不同的专业对绘画的训练有所不同；其二是装饰基础，它很大程度是设计者通过对传统的学习和吸收；其三是设计基础，它启迪着设计家的构思力和创造力。只有具备了这四方面的基础知识，才能充分培养出作为设计师的描写力、表现力、构成力、创造力的基础造型能力，其四是摄影造型基础，它启迪着设计家的构思力和创造力。只有具备了这四方面的基础知识，才能充分培养出作为设计师的描写力、表现力、构成力、创造力的基础造型能力，为向真正的专业艺术设计造型做好必要的准备。这样，在设计师进行设计创造上才能够根据现代社会提出的要求恰到好处地实现技术与艺术、物质功能与精神功能的高度统一，使自己的作品能从性能到形式，均能具有时代的气息和精神的风貌。
培养专业艺术设计师，应该学习的知识是广泛的。但在处理实用问题之前进行造型基础的学习与训练是必不可少的。摄影作为一门基础的教育课程，它可以通过拍摄构成的训练，潜移默化地体现在学员的专业设计中。
若没有这样的基础，造型的行动就会失去头绪而不能推进，最终的结局是追随原来的造型，不可能进行充分的创作活动。显然，本课程作为设计学员的一门基础教育课，是相当重要的，它是通过设计学员进行艺术与技术的训练达到对拍摄构成的形态构成的再组合、再创新，培养设计学员的艺术审美观念，以便更好地为自己的设计专业服务。
作业四
题目：外出摄影风景、静物、花卉、建筑、人物、动物、都市人文风貌等 目的：巩固课堂学习的内容，同事对摄影的原理，摄影的拍摄方法进行实践
用摄影的艺术眼光（点、线、面的组织结构关系）去观察具象形态，从中分析、归纳具象形态有规律的内在光、影关系。
要求：选择1—2个具象形进行摄影，完成2幅摄影作品，尺寸8R，并用黑卡纸裱好。本授课单元教学手段与方法：
教学方法：包括理论知识、课堂讨论、观赏优秀的摄影作品、自学。
(1)理论知识：以教师课堂讲授为主，认真讲解理论知识，让学生认真理解每一个内容，课堂理论讲课与个别指导相接合，使学生清楚的懂得构成的基本要素和基本形式。阅读参考文献、书籍、优秀的摄影作品为辅。
(2)课堂讨论：课前由教师布置内容、提供参考文献，学生自己准备，课堂上围绕提出的问题进行讨论。
(3)自学：由教师布置自学内容，提出重点，指导学生自学。课外教学要求：
首先，要求学生养成课外自学的主动意识，积极探索。认真完成教师布置的课外作业。教学手段： 学生可以利用电脑来制作作品，打破传统的拍摄习惯。利用多媒体现代教学，能变抽象的说教为形象的演示，培养学生艺术鉴赏力和审美能力。拍摄按一定的规律，组合而成的一门艺术，在预备年级要上好这门课，难度确实是很大的。以往在教授制作方法时我们光靠讲，看一些有限又小的图片，很难让同学理解、掌握。利用多媒体现代教学手段，把抽象的说教变为形象的演示，由浅入深，大量的生活中感性的东西让同学看，让学生从感性到理性，由形象到抽象，加强了同学对平面构成理解，掌握了美的构成规律，提高了对平面构成艺术作品的欣赏力，提高了对抽象形的审美观。如我们在进行拍摄的概念、方法与步骤时，我们用很多优秀作品，通过荧屏一步一幅幅优秀作品演示给同学看，学生很快就理解掌握了，教学效果提高了许多倍。以往我们光靠教师讲，费时费力，效果平平。利用多媒体教学手段在短短时间里很多形象展示给学生看，既形象生动，又使学生很快理解，及时掌握当堂的知识。
在运用多媒体教学手段时，还需要注意发挥教师课堂用语的情感、语言的精美到位、抑扬顿挫的语调，使学生和电脑之间的交流更生动更美。
艺术欣赏力的培养，需要大量接触艺术作品，审美能力才能大大提高。多媒体教学中你可以从书籍、计算机网络、电视节目、多种音像制品、现实大自然中获取教学所需要的创意字体图片、作品。这样就可以及时、大量向学生展示艺术手法高超、审美特征突出的优秀作品，开拓学生审美的视野，使他们通过优秀作品的学习，更懂得随着科学的进步，现代生活促进人们的审美意识也发生了深刻变化，美同样存在这些摄影作品中，提高审美能力。本授课单元参考资料（含参考书、文献等）
［1］迈克尔.兰福德著,英 屠明非译《简明摄影教程》杭州：浙江摄影出版社，2003年5月第3版［2］徐和德编著，《数码摄影教程》，上海：上海人民美术出版社2005年3月第一版 ［3］彭国平编著，《大学摄影基础教程》，杭州：浙江摄影出版社，2003年6月第14版 ［5］曾立人著，《数码摄影技法大全》，杭州：浙江摄影出版社2003年9月第1版 ［6］陈琳编著，《大学摄影创新教程》，杭州：浙江摄影出版社，2004年9月第2版
［7］M.兰福德著,英 李之聪等译《高等摄影教程》，北京：中国摄影出版社，2001年3月第二版 ［8］美国纽约摄影学院著，《美国纽约摄影学院摄影教程》，李之聪等译北京：中国摄影出版社，2003年7月第四版
［9］张苏中 解华克著，《摄影技巧》，杭州：浙江摄影出版社，2000年8月第二版
注：1.每项页面大小可自行添减；2.一个授课单元为一个教案；3.“重点”、“难点”、“教学手段与方法”部分要尽量具体；4.授课类型指：理论课、讨论课、实验或实习课、练习或习题课。
本授课单元教学内容（包括基本内容、重点、难点,以及引导学生解决重点、难点的方法等）：
近几年来，我国的工艺美术院校和设计单位对摄影艺术进行了大量的研究和应用，对这门新学科有了更深的认识，并且收到了可喜的成效。目前这种研究和应用，正在进一步的发展中。
摄影是渗透许多科学的综合艺术。要成为一个优秀的设计家，既要有一定的艺术修养和创作构思能力，又要有相当广泛的专业设计知识和与本专业设计有关的其它知识作辅助。专业艺术设计师起码要具备四个方面的基础知识，其一是绘画基础，它奠定了设计家的“表达能力”，不同的专业对绘画的训练有所不同；其二是装饰基础，它很大程度是设计者通过对传统的学习和吸收；其三是设计基础，它启迪着设计家的构思力和创造力。只有具备了这四方面的基础知识，才能充分培养出作为设计师的描写力、表现力、构成力、创造力的基础造型能力，其四是摄影造型基础，它启迪着设计家的构思力和创造力。只有具备了这四方面的基础知识，才能充分培养出作为设计师的描写力、表现力、构成力、创造力的基础造型能力，为向真正的专业艺术设计造型做好必要的准备。这样，在设计师进行设计创造上才能够根据现代社会提出的要求恰到好处地实现技术与艺术、物质功能与精神功能的高度统一，使自己的作品能从性能到形式，均能具有时代的气息和精神的风貌。
培养专业艺术设计师，应该学习的知识是广泛的。但在处理实用问题之前进行造型基础的学习与训练是必不可少的。摄影作为一门基础的教育课程，它可以通过拍摄构成的训练，潜移默化地体现在学员的专业设计中。
若没有这样的基础，造型的行动就会失去头绪而不能推进，最终的结局是追随原来的造型，不可能进行充分的创作活动。显然，本课程作为设计学员的一门基础教育课，是相当重要的，它是通过设计学员进行艺术与技术的训练达到对拍摄构成的形态构成的再组合、再创新，培养设计学员的艺术审美观念，以便更好地为自己的设计专业服务。
以上内容理论课学时：4学时 实验制作学时：8学时 以上内容的重点：
1、摄影的概念
2、摄影的造型要素—光、影的概念及构成原理、拍摄方法。
以上内容的难点：学生通过对光、影的概念及构成原理的了解与学习，引发创意造型思维，为专业设计打下基础。
引导学生解决重点、难点的方法： 作业一
题目：对光、影构成拍摄练习
目的：弄清光、影构成的概念，利用光、影构成的原理及形式，经过拍摄，反映不同的心理效应与情态；相应的，不同的情感意念，赋予摄影作品中，使摄影有情绪表现，具备一定的生命力。
要求：设计的摄影要有创意，拍摄创意20幅，从其中选出10幅，用4R的尺寸完成正稿，并用卡纸裱好。
打印成二张A4纸，以班为单位刻光盘交来
以上内容理论课学时：4学时 实验制作学时：8学时
以上内容的重点：拍摄的光圈、快门、构图人像的形式美的规律、方法。
以上内容的难点：学生通过对拍摄人像的形式美的规律及构成原理的了解与学习，引发创意图形思维，为专业设计打下基础。
作业二
题目：上网搜寻中外优秀的风景、静物、花卉、建筑、人物、动物、都市人文风貌等各类摄影作品各一幅，共七幅，并写出自己的感想和赏析评议，要求：每幅评议不少于二百字，有不明白的问题也提出来，下节课堂上讨论、交流。
打印成二张A4纸，以班为单位刻光盘交来
以上内容理论课学时：4学时 实验制作学时：8学时
以上内容的重点：拍摄的光圈、快门、构图人像的形式美的规律、方法。
以上内容的难点：学生通过对拍摄人像的形式美的规律及构成原理的了解与学习，引发创意图形思维，为专业设计打下基础。
作业三
题目：按课堂学习内容分别拍摄头像、特写、胸像半身像、全身像好各一幅。下节课按班组用电子文件交来，下节课堂上讨论。
目的：弄清全身像、半身像、胸像、头像，运用光、影构成原理及形式，以人物造型的综合印象来组织形态关系，反映不同的人像。
要求：拍摄人像要有创意，拍摄人像20幅，从其中选出10幅，用4R的尺寸完成正稿，并用卡纸裱好。
打印成二张A4纸，以班为单位刻光盘交来
以上内容理论课学时：4学时 实验制作学时：8学时
以上内容的重点：拍摄的光圈、快门、构图人像的形式美的规律、方法。
以上内容的难点：学生通过对拍摄人像的形式美的规律及构成原理的了解与学习，引发创意图形思维，为专业设计打下基础。
作业四
题目：外出摄影风景、静物、花卉、建筑、人物、动物、都市人文风貌等
目的：巩固课堂学习的内容，同事对摄影的原理，摄影的拍摄方法进行实践用摄影的艺术眼光（点、线、面的组织结构关系）去观察具象形态，从中分析、归纳具象形态有规律的内在光、影关系。
要求：选择1—2个具象形进行摄影，完成2幅摄影作品，尺寸8R，并用黑卡纸裱好。本授课单元教学手段与方法：
教学方法：包括理论知识、课堂讨论、观赏优秀的摄影作品、自学。
(1)理论知识：以教师课堂讲授为主，认真讲解理论知识，让学生认真理解每一个内容，课堂理论讲课与个别指导相接合，使学生清楚的懂得构成的基本要素和基本形式。阅读参考文献、书籍、优秀的摄影作品为辅。
(2)课堂讨论：课前由教师布置内容、提供参考文献，学生自己准备，课堂上围绕提出的问题进行讨论。
(3)自学：由教师布置自学内容，提出重点，指导学生自学。课外教学要求：
首先，要求学生养成课外自学的主动意识，积极探索。认真完成教师布置的课外作业。
另外，教师要有计划对课外作业进行检查和点评。对课外作业的内容尽量给予学生自由创作的空间，教师不应对其限制过死。教学手段：
学生可以利用电脑来制作作品，打破传统的拍摄习惯。利用多媒体现代教学，能变抽象的说教为形象的演示，培养学生艺术鉴赏力和审美能力。拍摄按一定的规律，组合而成的一门艺术，在预备年级要上好这门课，难度确实是很大的。以往在教授制作方法时我们光靠讲，看一些有限又小的图片，很难让同学理解、掌握。利用多媒体现代教学手段，把抽象的说教变为形象的演示，由浅入深，大量的生活中感性的东西让同学看，让学生从感性到理性，由形象到抽象，加强了同学对平面构成理解，掌握了美的构成规律，提高了对平面构成艺术作品的欣赏力，提高了对抽象形的审美观。如我们在进行拍摄的概念、方法与步骤时，我们用很多优秀作品，通过荧屏一步一幅幅优秀作品演示给同学看，学生很快就理解掌握了，教学效果提高了许多倍。以往我们光靠教师讲，费时费力，效果平平。利用多媒体教学手段在短短时间里很多形象展示给学生看，既形象生动，又使学生很快理解，及时掌握当堂的知识。
在运用多媒体教学手段时，还需要注意发挥教师课堂用语的情感、语言的精美到位、抑扬顿挫的语调，使学生和电脑之间的交流更生动更美。
艺术欣赏力的培养，需要大量接触艺术作品，审美能力才能大大提高。多媒体教学中你可以从书籍、计算机网络、电视节目、多种音像制品、现实大自然中获取教学所需要的创意字体图片、作品。这样就可以及时、大量向学生展示艺术手法高超、审美特征突出的优秀作品，开拓学生审美的视野，使他们通过优秀作品的学习，更懂得随着科学的进步，现代生活促进人们的审美意识也发生了深刻变化，美同样存在这些摄影作品中，提高审美能力。本授课单元参考资料（含参考书、文献等）
［1］迈克尔.兰福德著,英 屠明非译《简明摄影教程》杭州：浙江摄影出版社，2003年5月第3版［2］徐和德编著，《数码摄影教程》，上海：上海人民美术出版社2005年3月第一版 ［3］彭国平编著，《大学摄影基础教程》，杭州：浙江摄影出版社，2003年6月第14版 ［5］曾立人著，《数码摄影技法大全》，杭州：浙江摄影出版社2003年9月第1版 ［6］陈琳编著，《大学摄影创新教程》，杭州：浙江摄影出版社，2004年9月第2版
［7］M.兰福德著,英 李之聪等译《高等摄影教程》，北京：中国摄影出版社，2001年3月第二版 ［8］美国纽约摄影学院著，《美国纽约摄影学院摄影教程》，李之聪等译北京：中国摄影出版社，2003年7月第四版
［9］张苏中 解华克著，《摄影技巧》，杭州：浙江摄影出版社，2000年8月第二版
［10］王传东著，《摄影创意》，济南：山东美术出版社，2004年7月第一版
注：1.每项页面大小可自行添减；2.一个授课单元为一个教案；3.“重点”、“难点”、“教学手段与方法”部分要尽量具体；4.授课类型指：理论课、讨论课、实验或实习课、练习或习题课。
第五篇：摄影基础教案--2
摄影教案
长焦镜头的特点和效果
长焦距镜头是指比标准镜头的焦距长的摄影镜头。长焦距镜头分为普通远摄 镜头和超远摄镜头两类。普通远摄镜头的焦距长度接近标准镜头，而超远摄镜头 的焦距却远远大于标准镜头。以１３５照相机为例，其镜头焦距从８５毫米-３００毫米的摄影镜头为普通远摄镜头，３００毫米以上的为超远摄镜头。
长焦距镜头按其光组结构的不同，又可分一般远摄镜头、倒置远摄镜头和反 射式远摄镜头三种。
使用长焦距镜头拍摄具有以下几个方面的特点：
一是视角小。所以，拍摄的景物空间范围也小，在相同的拍摄距离处，所拍 摄的影像大于标准镜头，适用于拍摄远处景物的细部和拍摄不易接近的被摄体。
二是景深短。所以，能使处于杂乱环境中的被摄主体得到突出。但给精确调 焦带来了一定的困难，如果在拍摄时调焦稍微不精确，就会造成主体虚糊。
三是透视效果差。这种镜头具有明显地压缩空间纵深距离和夸大后景的特点。
长焦距镜头在使用时，一般都是用来拍摄较远的景物。由于空气的吸收及漫 散射光线的影响。所以，拍摄的影像反差较小，加之尘粒消光较严重，要达到十 分精确的调焦是不容易的。使用３００毫米以上的超远摄镜头拍摄，还难以将各 色光聚于一点，因而产生副光谱问题。基于上述情况，所以，有时所拍摄的作品 的成像质量不高。
虽然使用长焦距镜头要受到不少因素的影响，但其优点却是主要的。在远距 离拍摄风光人物、旅游摄影、人物肖像摄影（在拍摄贴证件用的标准照片时，应 用１００毫米左右的普通远摄镜头拍摄，以减少影像畸变，如果用１０５毫米的 镜头其效果最好），在看台拍摄舞台、体育比赛等照片，在动物园拍摄动物，在 野外拍摄禽兽，加辅助镜进行近拍……等等，在这些众多的领域中，无处不是它 的用武之地。
使用长焦距镜头拍摄，一般应用快速感光胶片及快速快门，如使用２００毫 米的长焦距镜头拍摄，其快门速度应在１／２５０秒以上，以防止手持相机拍摄 时照相机震动而造成影像虚糊。在一般情况下拍摄，为了保持照相机的稳定，最 好将照相机固定在三脚架上，无三脚架固定时，可采有如图１－２中的几种姿势 拍摄。
超远摄镜头一般只有在特殊的情况下才使用，使用进不能单用普通的三脚架 固定照相机，否则，超重的镜头会将固定在三脚架上的照相机底座弄坏。所以，必须使用一种能有支撑镜头支架的那种三脚架固定照相机，无这种特殊的三脚架 时，可用两个三脚来固定，一个固定照相机机身，一个固定并支撑超远摄镜头。最好使用快于ＩＳＯ４００／２７度的胶片，以保证有足够的快门速度。
广角镜的特点和效果
广角镜头是一种焦距短于标准镜头、视角大于标准镜头、距长于鱼眼镜头、视角小于鱼眼镜头的摄影镜头。广角镜头又分为普通广角镜头和超广角镜头两种。１３５照相机普通广角镜头的焦距一般为３８－２４毫米，视角为６０－８４度； 超广角镜头的焦距为２０－１３毫米，视角为９４－１１８度。由于广角镜头的 焦距短，视角大，在较短的拍摄距离范围内，能拍摄到较大面积的景物。所以，广泛用于大场面风摄影作品的拍摄。在摄影创作中，使用广角镜头拍摄，能获得 以下几个方面的效果：一是能增加摄影画面的空间纵深感；二是景深较长，能保 证被摄主体的前后景物在画面上均可清晰的再现。所以，现代绝大多数的袖珍式 自动照相机（俗称傻瓜照相机）采用３８－３５毫米的普通广角镜头；三是镜头 的涵盖面积大，拍摄的景物范围宽广；四是在相同的拍摄距离处所拍摄的景物，比使用标准镜头所拍摄的景 物在画面中的影像小；五是在画面中容易出现透视 变形和影像畸变的缺陷，镜头的焦距越短，拍摄的距离越近，这种缺陷就越显著。所以，在拍摄人像时，不宜近于０．６米，以免产生透视畸变，假如使用普通广 角镜头拍摄贴证件用的标准人像照片时，最好拍成半腰或齐膝像；使用超广角镜 头拍摄这种人像照片时，最好拍成全身像，然后在放大过程中进行剪裁，以获得 标准的人像照片，这样就可以避免透视畸变。当然，有时在拍摄人物肖像时，为 减缓被摄者脸部的某些缺陷，也可以有意识地利用这种透视畸变。如被摄者额窄 下颚宽，采用略高的俯视角度拍摄，可以使其缺陷抵销；反之，则可以采用低角 度仰摄。
在使用广角镜头拍摄全身人像时，如果采用低角度拍摄，仍然会产生畸变，但有时可以利用这一特点来弥补被摄人物本身的某些缺点，如有个别的被摄者的 腿较短，上身较长，采用这种角度的拍摄，会使腿在画面上表现出一种修长的效 果，增加其美感。
使用广角镜头拍摄，除了会产生透视畸变外，还会产生边缘畸变。这种畸变 主要是由于镜头后方到胶片的视场边缘的斜投射角引起的。在拍摄群像时，容易 使画面边缘的被摄体变得矮胖。
认识相机
镜头种类
镜头种类由焦距7.5mm鱼眼镜至1200mm超远摄镜，每支镜头各有不同特性，而如何发挥每一支镜头特性，以配合自己工作，是需要一段长时间，以下是一些当你在购买或用时的基本知识。
要什么镜头？这是常会问到的问题，但答案很简单，你想令主体有甚么效果，便选择能达到这效果的镜头。简单来说，当拍摄风景照片时想纳入更多景物，便用广角镜(Wide-Angle Lense)；而想收窄画面及除去杂乱背景，则可使用远摄镜(Tele-Lense)。不同的镜头焦距便造成明显不同的效果。广角镜一般用於开阔视野，延长空间，增加透视感；而远摄镜则将景物拉近及将空间压缩。当然，镜头焦距不是唯一改变空间的方法，相机与被摄主体的距离亦能改变透视感。广角镜常用於拍摄静物(风景)，因为若用广角镜拍摄动物(尤其是野生动物)而要有较大影像，必须十分接近动物，这是极危险而且效果亦不自然，故通常我们常会以远摄镜拍摄动物。
鱼眼镜(Fisheye Lense)鱼眼镜是一种特别镜头，它的视角接近或等於180度。变形极其明显，除了由画面中心的一条直线仍可保持垂直外，其它直线都变成弯曲，故在画面上影像形成一个圆圈。显然，鱼眼镜并非常用到镜头，除非你很喜欢此种特别效果，否则还是等到你已拥有其它基本镜头时，再作考虑。
超广角镜(Extreme Wide-Angle Lense 14-21mm)超广角镜有极强透视感，夸张了前景主体，与背景构成一深度。常用於拍摄风景，静物。广角镜(Wide-Angle Lense 24-35mm)与超广角镜一样，当被拍主体愈近镜头前，其夸张感愈大，但由於其畸变及四边位置扭曲现象并无超广角镜般厉害，故亦适用於拍摄人物；最常见使用的有摄影记者，由於往往在极狭窄及混乱情况下拍摄，而广角镜能纳入较多人物，故被喻为记者的标准镜。
标准镜(Standard Lense 45-70mm)在传统摄影教学上，一提到标准镜必想起50mm或55mm，但为什么不是28mm、300mm等镜头？这是由於当我们用眼睛观看景物时所见之效果与标准镜所摄景物范围相似，角度同样约是43度，所拍摄景物是最正常，并没有广角镜广阔视野透视感，亦没有远摄镜窄角度压缩感。
建议初学者买一支标准镜，因标准镜仍有其实用价值∶
(一)标准镜拥有大光圈----如f/
1、f/1.2·f/1.4、f/1.8等级数。
(二)重量较轻----一般如f/1.8等镜重量并不太重，加上光圈较大，光线较暗下，仍能用一个较快快门操作而不产生太厉害震动。
(三)价钱较便宜----一支f/1.8的标准约人民币一千多元，较其它镜头经济。
(四)提高技术----正由於标准镜并无特别效果，在学习拍摄过程中，需要不断尝试各种方法，例如利用光圈、相机与主体距离、主体与背景距离以控制景深、透视感；又或利用不同角度尽量发挥标准镜之潜能。到你能用尽此标准镜，再购买其它不同焦距镜头时，更能得心应手。
人像镜(85-105mm)人像镜焦距比标准镜略长，它能保持脸与鼻子之间适当透视关系，拍摄人像大头照片时，能避免畸变产生，给人一舒服感觉。另一方面，在拍摄风景时，亦能给与细腻描绘；特别是当加上近摄环，又或使用105mm微距镜拍摄花朵时，更能发挥此类镜头之特色。
中距离镜(Medium Tele Lense135-210mm)在拍摄风景时，我常用广角镜拍摄，但当拍摄风景画面里其中一部份时，我则多选用中距离镜，但要留意控制景深极其重要。举个例子，用200mm中距离镜拍摄80米外景物，光圈收细至f/22用Kodachrome 64日光下拍摄，快门只有1/30秒，一般来说，通常会导致相机震动而拍出来之相片不清。在许可情况下，尽量利用三脚架拍摄，除非所拍摄之地方不能使用三脚架。例如，拍摄地平线景物，三脚架降落到底部仍未能到达地平线，唯有将相机放在地面上，又或加上豆袋等支持物固定相机，以免产生震动。此外，有时为了营造特别效果，例如流水或树叶动感，要较长时间曝光，三脚架不可缺少。
远摄镜(Tele-Lense 300-400mm)通常300mm、400mm镜头用於拍摄动物、雀鸟、赛车与及各类运动比赛。而拍摄日出日落风景最少也要300mm； 但有一点要留意，若要令到拍摄之太阳更加大，在拍摄时可对焦(focus)於前景，并将光圈尽量收细，而太阳则在对焦(Focus)以外，这样拍出来的效果比对於无限远，所拍的太阳更为大个。另外，使用远摄镜更重要的是避免震动。因为远摄镜一般重量较重，特别是f/1.8、f/2.8等大光圈镜头，往往重逾二、三千克，假若不使用三脚架或单脚架，因手持不够稳定而极易产生振动；唯一方法，是使用较高速快门，而应用哪一级快门，这里有一法则，就是快门速度等於或大於所使用镜头的焦距。例如∶使用300mm 镜头，快门则应设於1/300或以上；以现今相机为例，快门可设於1/350或1/500快门。记往，由於使用长镜拍摄，被拍主体影像已经放大，故有任何轻微震动，亦会清楚见到。另一方面，不可否定长镜的魅力，但长镜并非魔术师，它不能令你的相片更好，特别初学者而言。
超远摄镜(Super Tele-Lense 500mm或以上)用500mm反射镜拍太阳，甚至加上双增倍镜,因能拍得更大影像。反射镜利用凹面反光镜扩大影像来构成长焦距镜头，有一块凹面反光镜装置在镜头筒的底部，紧*相机，它把光线向前反射，并再次反射回来，通过反光镜中心一孔聚焦到胶卷平面。优点在於镜身较短，价钱便宜，在背景上能产生一圈一圈的晕光现像，但缺点在於光圈固定，通常只有f/8值，不能调节光圈值。
微距镜(Macro Lens)微距镜是一支十分好用的工具，初学者在选择购买自己个人摄影系统时，一支微距镜不可缺少。如以50mm或55mm微距镜代替一支50mm标准镜，又或100mm、105mm微距镜代替人像镜，但微距镜有二个缺点∶
(一)光圈较小----一般只有f2.5或f2.8，不像标准镜或人像镜般有f1、f1.2、f1.8等大光圈。
(二)价钱昂贵----一支50mm微距镜比起一支标准镜价钱可能高出3至4倍价钱。微距镜是有其实用价值。
变焦镜(Zoom Lens)更多摄影师指出，能制造出一支高质素而能变焦的微距镜是最好不过的。因为能够令你快速地拍摄到近距离景物，而且可代替数支定焦镜头，减轻重量。但光学设计师常遇到很大问题，当变焦倍数愈大，光学质素愈难控制。最适合变焦倍数由2倍至3倍，即 35mm-70mm 2倍，或35mm-105mm、70mm-210mm 3倍，故一般由广角镜至中距离镜，例如28-105mm又或28-200mm 等镜头，在使用广角时候都会有轻微变形或黑角现象；但以使用方便程度来说，则又无可厚非。不同的微距变焦镜有不同微距使用方法；例如有些指像物比例在1:4左右的镜头，使用微距时要在最近对焦距离才能够用；又或有些则可在任何对焦范围内使用微距，而改变变焦焦距(Zoom)来对焦，直至影像清晰为止。若仍觉得所使用镜头的微距不足，加上近摄环或延伸管(bellows)，以增加近摄倍数。
傻瓜机的曝光原理: 傻瓜机的曝光原理与一般135机曝光原理大同小异；都是由光线通过相机镜头，聚焦成影像到胶卷上曝光。而相机的测光系统就会根据光线的强弱、被拍之主体本身对光的反射程度，与根据使用胶卷速度而决定光圈同快门组合。傻瓜机的好处在於采用全自动曝光系统，你无需担心曝光问题，只需专注於拍摄人物、风景身上；如果你曾经使用过手动相机，你就知道省却了很多麻烦。DX编码曾介绍过。便携机使用高速胶卷，但相机怎分辨哪一筒是100度，哪一筒是800度？原来是根据胶卷筒上，由黑色同银色的格子排列成一组胶卷ISO特定编码；当你将胶卷放入便携机时，相机就会根据胶卷密码而去设置适当曝光程序；而你亦能够从相机背後一个细而长的透明窗子，看到胶卷的型号及种类。
怎样决定曝光组合？ 在傻瓜机镜头上有一细小感光器，根据现场光线传递资料到曝光系统上，而作出一个适当快门、光圈组合。在强光下，曝光系统会选择小光圈同高快门速度组合。在微弱光下，则会选择大光圈慢快门组合；整个程序完全自动。根据经验，在光线充足情况下，傻瓜机曝光系统是十分值得信赖的。预计曝光组合查实，傻瓜机自动曝光系统不外乎根据不同光线场合而作出不同组合。例如在阳光普照下，必会选择高速快门与小光圈，因为高速快门能减少因手持相机所带来的震动，避免影像模糊，而小光圈则能够令到被拍摄主体都 Sharp 清楚。而在弱光情况下，傻瓜机则会自动提示你采用闪光灯，以补光线不足，除非你关掉闪光灯，否则一般情况下，都能够避免曝光不足。
但有两点要留意∶
(一)在阳光充足下，使用有变焦(Zoom)的傻瓜机，闪光灯指示器常会亮起，提示你用闪灯；这不是傻瓜机有问题。只因为一般有Zoom的傻瓜机，在长焦距，例如35-105mm，焦距在105mm时，本身光圈设计很小，虽然阳光充足，但又要顾及快门速度不能太慢，故便要用闪光灯，弥补不够光。
(二)一般傻瓜机本身快门设计并不会太快，当拍摄高速的运动比赛项目时，影像极可能模糊不清，这并非你手持不稳定，只是傻瓜机快门不够快。控制傻瓜机正如以上所提到，当用Zoom时，阳光下也要用闪灯，但仍有方法解决∶
(一)用高速胶卷----高速胶卷能解决小光圈不够光问题，但当Zoom镜在如以上例子35mm时，则随时会出现曝光过度，故不要用超过400度。
(二)关掉闪光灯----关掉闪光灯用脚架，不过脚架太麻烦，倒不如放在一些物件上，如木椅、石面上；但如果你艺高人胆大，而自认对摄影有不少认识，对自己的傻瓜机又了解清楚，而看见光的强弱便知道快门光圈组合，倒不如关掉相机闪光灯，手持拍摄。但假若你一年中才拍照二、三次，那么就乖乖地听相机的指示用闪光灯吧！相机维护的注意事项:
1.切勿触模相机的反射镜或对焦屏。使用气球扫清除尘埃。
2.切勿触摸快门帘。
3.切勿触摸DX触点。使用气球保持它们的清洁。
4.使用柔软清洁的布清洁观景器接目镜。切勿使用酒精。
5.使用气球扫清镜头表面。使用柔软、清洁的棉质布料或镜头纸，并以乙醇(酒精)濡湿，把泥尘及污渍清除。以圈状的作由中央向外边拭抹。小心勿留下痕迹及勿触摸镜片的其他部份。
6切勿为相机加油
7.切勿相机亦留在过热的地方。
8.相机必须保持远离水潮湿。当在接近水地方使用相机时，小心有水溅出，特别被咸水溅湿。
9.切勿让机身和镜头掉落或碰撞在硬面上。强烈震动可使相机故障。
10.若相机出现故障，立刻把它送往服务中心。
11.把相机储存在乾、凉并远离樟脑(防虫剂)的地方。在潮湿的环境中，相机须储存在放有乾燥剂的胶袋内，以避开尘埃、湿气及盐分。但注意，把相机皮套储存在胶袋内有可能令皮质受损。
12.要保持内置闪光灯的聚光镜处於最佳状态，每日月要把闪灯闪光数次，如此它便可使用上多年。傻瓜机虽说一按即拍，不需甚么技巧，但那一按的功夫其实一点也马虎不得。要有稳定的一按才能有清晰的影像，这是使用傻瓜机的最基本条件。而稳定的一按完全依*正确的把持相机手法，究竟应怎样手握相机呢？
今期就跟各位谈一谈这一直不为重视的技巧。不可手软！想要把持稳定，一定要绝不手软的握著相机之手柄。当然，太用力亦是不应该的，将肌肉谷到「青筋都暴出」去手持傻瓜机拍照，不单止一定手震，更是十分难看。其实所谓绝不手软，是指用适当力度并以最大接触面去把持相机之手柄，而另一支手则轻托机身。以下有几种手持相机的方法，其中有对有错，大家不妨参考一下。
首先第一种正确手法是传统SLR相机手持法，不过加以变化，左手将姆子及食指板开成直角，作用就如架一样托著相机。
第二种方法比较普遍。但要留意双手之间必需贴紧身体。
第三种是垂直拍摄时的手法。留意相机之闪光灯在此手持方法时在上方。这种手法是有目的，而且是必要。因为可防止闪光灯之闪光在主体面上留下可怕的暗影，(试想像以电筒从下巴向上照的可怕模样)，所以用拍闪光灯照必要用闪光灯在上的手持方法。同样要注意是∶小心手指遮著闪光灯以及手同样要紧贴身体。
第四种手法是说假使现场有面墙，请加以利用，因为它一定比你更能稳定地支持相机。
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