第一篇：音乐小论文
不一样的音乐课
以前，我是最不喜欢上音乐课的了，为什么呢？因为从我记事起，小学的音乐课就是不正规的音乐课，没有音乐教师，班主任偶尔教一首歌曲还是跑掉的，音乐课要么不上要么就上成了其它的课。到了初中音乐课根本就是成了虚设，每一次音乐课都被不同科目的老师占去，并且老师们还觉得他们具有多么伟大的奉献精神，而我们却备受煎熬的熬过一节又一节所谓的“音乐课”。
自从去年我们学校来了一位年轻的女教师，我对音乐课的认识才有了改变。记得她给我们上第一节音乐课的时候，她教了我们一首《少年先锋队队歌》，声音清脆响亮，字字铿锵入耳，声情并茂。我们听得入了迷，老师就问我们想不想学这首歌，全班同学都说想，老师就叫我们唱。她不像原来的老师一样，只是教给我们就行了，在我们熟悉了旋律以后，她还把这首歌曲的感情色彩给我们分析，并且分析的很详细，还教会我们乐谱里边涉及到的乐理知识，并把这首歌曲的来龙去脉讲的清清楚楚，并且最后还不忘教导我们要做一名优秀的少先队员。
她带给我们的惊喜还在后面，我以为每一节课她都会这样的给我们去上课，我错了，第二节课她变给了我一个更大的惊喜。她叫我们打节奏，怎么打呢？就是左手打节拍，右手打节奏，或者是左手打节奏，右手打节拍。说起来简单，做起来难，老师事先示范了一下让我们看，我们看着挺简单的，听着也挺好听的，就没等老师说完自己就去“嘣嘣嘣”的敲桌子，可是手都快敲掉了也没敲成，最后还是在老师的带领下才慢慢的学会了，等我们学会以后老师让女生打节拍，男生打节奏，或者女生拍手打节拍，男生打节奏等等老师给我们变着法的玩，每一堂课我们都很高兴，不仅上室内课，还上室外课，到操场上让我们表演节目，有时教我们跳跳健美操什么的。
对于我们这些学生们来说课本上的那些歌曲离我们已经太遥远了，我们对那些老掉牙的歌曲跟本不感兴趣，我们更喜欢的是流行音乐，只要听上个三五遍保证都会唱。这就是兴趣的动力也是流行音乐的魅力所在，当然了也并不是所有的流行音乐都适合我们唱，也有适合我们的，你比如前段时间流行的《隐形的翅膀》，老师在叫我们的时候更重要的是教育我们要在逆境中坚强的面对生活，自强不息的人生道理。前段时间我们语文书上写了一首歌曲《水调歌头·明月几时有》的古文，老师给我们听了这首词的流行版本，很新鲜，很吸引同学们，所以我们没费什么劲就把它唱会了，而且唱的特别好。我觉得像这种与文学相结合的流行音乐也是不错的选择，它不仅提起了我们对那些枯燥的古诗词的学习兴趣，也是我们的音乐修养得到饿了提高，对我们本身也是一种素质修养，可真是一举三得啊！
我问老师：“你为什么能把音乐课上的那么精彩？”老师说：“音乐课跟别的课不一样，它教给你们的是无形的知识，是教会你们怎么团结怎样和同学和睦共处，让你们在看不见中成长，这么好的一门课程我不想白白的浪费掉。”
所以音乐课需要抛开教材的束缚，更贴近我们中学生的生活，能离我们近些，再近些！
评 语：
从教几年了，一直感觉音乐课很难上！学生缺少起码的学习兴趣。究其原因，就像文章中提到的：教材太传统，内容太陈旧，与当今时代相距甚远，因此，学生根本提不起兴趣，更缺乏学习动力。与是音乐课就成了老师的“独角戏”。其实这种模式已经抹杀了孩子们对音乐的喜爱、欣赏、感悟和探索的兴趣。
通过与学生们的沟通，我觉得结合教材，选一些积极向上，有一定教育意义的流行歌曲是恢复课堂活力的一个好方法。就拿十四册第二单元的《非洲的灵感》来说吧，这一单元的教材里全是非洲的传统音乐，不要说学生了，有时连我都很难接受。每次欣赏这一单元时学生都会捂住耳朵对我说：“老师，这也叫音乐吗？”甚至有的班级还会有一些调皮的孩子去模仿歌曲发出搞怪的叫声，惹得全班一阵哄笑，结果往往是老师一肚子气，学生一脸的无辜！为了改变这种课堂效果，有的时候我会带他们到室外去交一些简单的舞蹈基本动作，比如芭蕾啊，拉丁啊，交际舞啊等等，有的时候教一些简单的健美操，然后让学生们自己去编排花样健美操。有的时候也会交一些对他们有益的流行音乐。这样的话，我感觉学生们不是特别讨厌音乐课了，教学效果也有所提升了。
当前流行音乐充斥着校园，我觉得像要调动学生对音乐艺术的兴趣，培养其良好的音乐素养，我们应该找到教材与流行音乐之间的平衡点，是流行音乐与我们的教材有机的结合起来，让我们的音乐课充满青春的活力，让他离我们的学生近些，再近些，贴近学生们的时代，真正走到学生的身边来。
河南省课改小论文
不一样的音乐课
封丘县黄德镇第三初级中学
于林珠
辅导教师： 董路南
第二篇：音乐鉴赏小论文
题目：从《波兰舞曲》鉴赏肖邦的爱国情怀音 乐 鉴 赏
（课程小论文）
学生姓名： 李大雷
学 号： 2011442121 授课教师： 周霞 班 级：
应化11—01
重庆科技学院
2011年11月
中国
重庆
从《波兰舞曲》鉴赏肖邦的爱国热情
一．肖邦简介
肖邦，全名弗雷德里克·弗朗西斯克·肖邦。伟大的波兰音乐家，作曲家，年少成名，自幼喜爱波兰民间音乐，从六岁时开始学习钢琴，在七岁时写了《波兰舞曲》，八岁登台演出，十六岁时加入了华沙音乐学院作曲班，不满二十岁已成为华沙公认的钢琴家和作曲家。后半生正值波兰亡国，在国外度过，创作了很多具有爱国主义思想的钢琴作品，以此抒发自己的思乡情、亡国恨。其中有与波兰民族解放斗争相联系的英雄性作品，如《第一叙事曲》、《bA大调波兰舞曲》等；有充满爱国热情的战斗性作品，如《革命练习曲》、《b小调谐谑曲》等；有哀恸祖国命运的悲剧性作品，如《降 b小调奏鸣曲》等。他在国外经常为同胞募捐演出，为贵族演出却很勉强。其一生不离钢琴，被称为“钢琴诗人”。
1830年被迫前往巴黎，离开故国前夕，老师送他一把波兰泥土，肖邦至死存放身边。波兰于1795年亡国，成为帝俄的版图，1830年发生独立运动，由于革命失败，肖邦就打消返回祖国的念头，计划在巴黎开拓自己的天地，并帮助革命运动。1835年，肖邦曾前往德雷斯顿和莱比锡旅行，与孟德尔颂和舒曼结识。1836年和女文学家乔治桑（George Sand），双双坠入情网，不久肺病恶化，于1838年与乔治桑一起到马约卡岛静养，後来两人又在巴黎和里昂同居。1847年双方因意见不合而劳燕纷飞，结束了这段历史上著名的恋情。1848年抱病到英国旅行演奏，次年回到巴黎後不久，因肺结核不治去世，享年只有三十九岁。舒曼称他的音乐像“藏在花丛中的一尊大炮”。肖邦晚年生活非常孤寂，痛苦地自称是“远离母亲的波兰孤儿”。他临终嘱附亲人把自己的心脏运回祖国。
二．主要音乐作品
肖邦一生不离钢琴，所有创作几乎都是钢琴曲，肖邦的主要代表作有：两部《钢琴协奏曲》、三部《钢琴奏鸣曲》、四部《叙事曲》、四部《谐谑曲》、《二十四首前奏曲》、《二十首练习曲》、《十八首波兰舞曲》、《四首即兴曲》等等。
三．创作背景及特色
《英雄波兰舞曲》是一首充满战斗力量和英雄气概，以“英雄”而著名的波兰舞曲，作于1842年。但是，在我看来，即便是从惊心动魄的英雄舞曲中，我们依然能看到一悲情的肖邦。
当时的波兰正处于内忧外患，水深火热之中：国内政局动荡，波兰人民的正常生活毫无保障；毗邻的俄国又虎视眈眈，随时准备大举压境。虽然，此时的肖邦远在法国，但他的亲人朋友仍在波兰。对于爱国并且富有历史责任感的他来说，只能通过将作曲的钱寄回国内，支持国内的革命力量。当然，这样做远远不够，他还通过他的最爱——钢琴，来表达他的愤懑。于是，许多传世之作横空出世。
我觉得，肖邦在激情中还表达了他的悲情。是的，肖邦是悲情的，即便是在激动人心的《英雄波兰舞曲》中。不仅仅是因为他的身体欠佳，众所周知，肖邦长期受病痛折磨。还因为，他无法回到祖国，与大家一起战斗。即使是在他生命的最后一刻，他对他姐姐说：“请把我的心脏带回祖国，我要长眠在祖国的地下。”
四．评价及感受
通过这学期的音乐鉴赏课的学习后，我回到宿舍仔细上网络搜索了关于肖邦的资料和他的钢琴曲，其中《英雄波兰舞曲》是肖邦最好的《波兰舞曲》之一，戴上耳机，那种在跌宕起伏，高亢激昂中，你看到的，不是浪漫优雅的他，而是一个有血有肉，顶天立地的男人。诚然，这个男人是爱国的，是有魅力的。
肖邦的祖国波兰和我们中华民族有类似的经历，因此，我听他的音乐，会有一种共鸣。能够感受到那种国破家亡，催人奋进的精神力量。在危难关头，每一个爱国的人都应该站出来，为自己的祖国作贡献。哪怕是付出生命的代价也在所不惜！肖邦用自己年轻的生命告诉我们：国家利益高于一切！
法国女作家乔治·桑对肖邦一往情深，她曾经写道：肖邦写下的每一个音符都充满了痛苦和悲伤。没有谁比乔治·桑更了解他。对肖邦知之甚深的李斯特更是觉得人们在不知不觉间将他视若一位王子。
鲁宾斯坦曾如此细致入微又颇带定论性质地评论肖邦：“肖邦用钢琴吟诵诗篇，用钢琴畅舒情怀，钢琴就是他的精神、他的灵魂。悲剧的、浪漫的、抒情的、英雄的、生动的、奇幻的、深情的、甜美的、梦幻的、辉煌的、简朴的—你可以在他的曲子中发现所有可能的表达。”
而也有人这样说过，“肖邦既不是波兰人，也不是法国人，更不是德国人，他有更高贵的血统，他来自莫扎特、拉斐尔和歌德的国土，他的真正的祖国是诗的国家。”
那就是肖邦演奏的音乐，这轻柔缥缈的音乐充满诗意和激情。肖邦把他身边的一切都变成了音乐。在他的眼里，除了音乐，世间的一切都变得微不足道，人间美景乃至亲朋好友都比不过音乐的意义。
五．个人总结
我个人认为，在大学里应该把音乐鉴赏这门课作为必修课。一个不懂得欣赏音乐的民族绝不会是一个文明的民族。这是因为音乐能够陶冶人性，使人们的心灵变得美好；能够缓解社会的矛盾，减轻人们的压力，有助于构建和谐社会。尤其在今天这个物欲横流的社会，当很多人不责手段，一心追逐名利时，能够帮助人们找到心灵的寄托，能够让一颗颗浮躁的心沉静下来。
对于这门课，我的感触很深。我常常在想像中聆听一个来自远方的声音——肖邦是一个伟大的音乐家。肖邦的音乐饱含着对祖国波兰深切的怀念之情，这种情绪在他的玛祖卡舞曲和波洛乃兹舞曲中表现得尤为明显。从贝多芬到巴赫，从莫扎特到肖邦，一个个大师的作品带领我们走进音乐的盛殿，感受心灵深处那最美妙的震撼。或许没有上这样一门选修课，我不会考虑去剧院听歌舞曲。但是，正因为有这样一门课，让我明白：人应该有高尚的追求，不仅仅是物质！
第三篇：世界音乐巡礼小论文
马克思认为：“艺术是一种社会生产, 与一般的社会生产劳动都是一样的。艺术也是一种社会意识形态, 也是经济基础的上层建筑。”即人们需要艺术来满足人们精神文化的需要，同时艺术也影响着人们，进而对社会产生影响。音乐作为一种重要的艺术形式，与社会有着密切的关系。音乐不以说理的方式来传播，而是更多地通过熏陶及感染的途径，潜移默化的影响着人们。本文旨在论述中国社会发展中，社会环境变化引起的音乐发展，以及音乐功能的变迁。
音乐具有许多社会功能，中国传统音乐在过去的社会中的功能分为社会功能、政治功能、教育功能、实用功能以及抒情功能。
远在西周时候，统治者为了维护国家最高统治者的权利，以及统治人民和巩固贵族内部的关系，创立了礼乐制度。礼乐制度下要求人民按照等级的划分行使权利。礼是核心，乐依附于礼，服务于礼。同时周的统治者重视“德治”，实际上统治者利用乐来作为统治工具，从思想上合法地加强了他们的统治。在此过程中，统治者把乐教视为“国教”，促进了音乐的发展。社会意识形态和审美观念都有了很大的变化。虽然乐只是服务于礼，只是作为一个工具存在，具有很大的束缚性。但是也为春秋战国时期各地民歌的大发展奠定基础，同时诗也得到发展，部分诗歌被孔子编录成诗经，对后世影响巨大。从这里也可以看出音乐与社会发展相辅相成的关系。当权者的政策会改变音乐发展，改变人们对音乐的审美观念，音乐的发展又会改变人们对美和内心的自由的追寻。同时由于此时音乐的兴起伴随着诗文的创作，所以对后世乐府唐诗宋词元曲有着巨大影响，这些诗文可以合乐而歌，有着独特的音韵美。音乐也因诗文具有丰富的抒情的功能。
中国社会发展伴随着朝代的更迭，各个朝代对待音乐态度也略有不同，音乐发挥的作用也就发生很大变化。秦汉时开始出现“乐府”。它继承了周代对采风制度，搜集、整理改变民间音乐，并集中大量乐工在宴享、郊祀、朝贺等场合演奏。音乐在政治统治中发挥的作用依然较大，不过已不同于周朝，此时的音乐已经在民间深深扎根，是民众不可缺少的重要娱乐方式。汉代边疆处由于时常战乱，兴起了鼓吹乐，主要用于军队礼仪，民风彪悍的民众也很是喜欢。
但是，中国古代的雅乐在东汉桓灵二帝以后宫廷中已经丧失。好在曹操找到了精通雅乐的杜夔，使雅乐重新恢复了，黄钟大吕重新在宫廷演奏。礼乐制度得以复归。魏晋时期文化又一次大繁荣，虽然时代很乱，少数民族也涌入中原，但是恰好促进民族音乐的融合，乐器也得以改进。此时民歌也有很大发展，《广陵散》乐府双壁在此时出现，两篇叙事诗意味着民间文人利用音乐创作故事，出现文学艺术的自觉性，即文人不再专为统治者服务，音乐也逐渐走向人们的内心。音乐的政治功能、社会功能和教化功能逐渐弱化，抒情功能逐渐增强。
隋唐两代，政权统一，特别是唐代，政治稳定，经济兴旺，统治者奉行开放政策，不断吸收他方文化，加上魏晋以来已经孕育着的各族音乐文化融合打基础，终于萌发了以歌舞音乐为主要标志的音乐艺术的全面发展的高峰。这个时代可谓空前繁荣。唐代李白的诗歌“集古典诗乐之大成，开新兴词乐之先河”。这位伟大的浪漫主义诗人，通过诗与乐的完美结合，创作了许多无与伦比的诗歌，他更加注重自己的内心，将自然之美融入内心，他影响了自他之后的一切时代，后世音乐家在他影响下，致力于抒发内心真情实感。音乐的功能继续向抒情功能倾倒，但教育功能又有了发展。唐代有一系列音乐教育的机构，如教坊、梨园、大乐署、鼓吹署以及专门教习幼童的梨园别教园。这些机构以严密的考绩，造就着一批批才华出众的音乐家。
宋、金、元时期音乐文化的发展以市民音乐的勃兴为重要标志。明清社会经济发展发达，社会相对稳定，市民阶层日益壮大，音乐文化的发展趋向世俗化。明代的民间小曲内容丰富，虽然良莠不齐，但其影响之广已经达到“不问男女”，“人人习之”的程度。由此私人收集编辑，刊刻小曲成风，而且从民歌小曲到唱本、戏文、琴曲均有私人刊本问世。如冯梦龙编辑的《山歌》，朱权编辑的《神奇秘谱》等。
同时也可以看出虽然政治对于音乐影响巨大，但是对音乐发展影响更大的是相对平凡的民众，他们超越时代的对于美的敏感独到的欣赏能力才是促进音乐发展的重要因素。
第四篇：关于jay的音乐欣赏课小论文
浅谈对周杰伦音乐的感受
光电信息学院
第一篇论文要写音乐方面的内容，这的确是件极具挑战性的工作啊，好在对于内容上没有太多的限制，只要是与音乐有关的即可。然而我对于发出动人旋律的乐器一无所知，对于中外的古典音乐也知之甚少，现代的大型交响乐、唯美的轻音乐等也只是听过些许，远未达到对此写论文的地步，甚至于我连乐谱都不识得，而我又不想像大多数人一样去网上找现成的作品，来单纯的应付了事，所以，我将我的论文主题定义为流行音乐，而且是对周杰伦的音乐的欣赏，虽然也绝不会达到艺术欣赏的专业水平，甚至连文本的格式都不是论文的标准格式，但至少是我自己所写，自己的认识和感受，做真实的自己才是最重要的。
早在初中的时候周杰伦已是家喻户晓的流行歌手了，特别是对于追崇流行趋势的青少年，更视其为偶像，为之狂热，好像只有听他的歌，唱他的歌，模仿他的一举一动才是理所应当的，当然了，对于这种盲目的狂热，我是很反感的，甚至是排斥的，以至于我从主观意识上不想去听他的歌，甚至是拒绝听他的歌，所以我对于早期周杰伦的印象只是那句我讨厌的“快使用双截棍啊，哼哼哈嘿”。
后来，或许实在是太多人听他的歌了，特别是我的哥们儿，都一个个的周杰伦的粉丝，我对于他那种无名的反感和抵制也减弱了许多。直到我听说，他的很多歌都是词曲唱一人，而且他还给很多其他歌手写歌时，我才开始用欣赏的眼光来看待他，的确，能够做到这些的人绝对不多的，这样的人肯定是有某些才华的。
然而，真正让我改变对他的看法却是那首家喻户晓的《青花瓷》，而且，从《青花瓷》之后，我开始越来越多的接触他的歌曲，欣赏他的歌，直到现在迷恋他的歌。所以，我对周杰伦的喜爱绝不是单纯的无目的的追星，我是建立在对他作品认同的欣赏上的。
下面就分别从几个方面阐释一下我对他的音乐风格、内容的感受和理解：
一、说唱的快节奏，一般人听不懂的歌词 很多人讨厌他的歌，其中很大的一个原因就是听不懂歌的内容，好像从他嘴里唱出来的就不是汉语了，特别是那些rap，更是不知道他唱的什么。这的确是一大障碍，而对于他的音乐，这又或许是一种特色。我记得当我最初听他的《夜曲》时候，前奏的旋律是那么的悠扬，充满了西方的特色，但到唱的部分时，我直接无语了，真个什么都听不懂，我的确怀疑过他是不是用汉语唱的，至少是不是用普通话唱的，而这种由听不懂内容造成的反感直接导致我无法继续听下去，直到很久以后我查到歌词，看着歌词才完整的听了一遍，而就是那一遍就让我喜欢上了《夜曲》。所以，当你听不懂他唱的是什么的时候，看看歌词，然后静心再听几遍，你会有不同的感受。而且，当你慢慢了解那些说唱的歌曲时，你会慢慢的感受到，或许只有那种的唱法才能更好的体现歌曲要表达的主题和要营造的意境，对于这一点，在《止战之殇》、《霍元甲》、《以父之名》等歌曲中有很好的体现，在这些歌中，如果用抒情婉转的唱法或美声，真的很不合拍的。
二、清新典雅的中国风，最亮丽的风景线
中国风的风格是周杰伦歌曲的最大的特色和亮点，很多人正是被他中国风的韵味所吸引的，而事实上，周杰伦最好听的歌曲几乎都是中国风。就像那一曲让无数人沉醉的《青花瓷》中“天青色等烟雨，而我在等你”淡淡的意境，“釉色渲染仕女图韵味被私藏，而你嫣然的一笑如含苞待放”的婉约;像《发如雪》中的“狼牙月，伊人憔悴，我举杯，饮尽了风雪”;像《东风破》中的“一壶漂泊浪迹天涯难入喉，你走之后酒暖回忆思念瘦”；像《兰亭序》中“人雁南飞，转身一撇你噙泪；掬一把月，手揽回忆怎么睡”······总之，这些歌词都是那么的清新，全然没有一般流行歌曲中普遍的乏味和俗气，配以古朴典雅的旋律，充分利用琵琶，古琴等中国传统的乐器，透露出甜美的忧伤。这些中国风的曲目让人人深深的沉醉，百听不厌，可谓经典，也是有别于其他大多数流行歌手的特色。
三、精致唯美而又充满哀伤的爱情颂歌
对于爱情的歌唱是他歌曲中分量最重的一部分，这也是流行乐坛最永恒的主题。而且，他所表现的爱情大都是失意的，有创伤的，或许只有悲剧的意味才更能引起人们的共鸣。在他所有的歌中，让人感到堪称完美的爱情的当属《简单爱》了，“像这样的生活，我爱你，你爱我”。其它的大都是这样那样的失意，那样这样的哀伤，像《枫》中的“过往温柔，已经被时间上锁，只剩挥散不去的难过”；《搁浅》中“风筝在阴天搁浅，想念还在等待救援，我拉着线复习你给的温柔”；《想回到过去》中“也许爱在梦的另一端，无法存活在真实的空间”。不过，也许就是这种爱的失意才吸引了这么多年轻人的注意，毕竟现实中的爱情并没有那么多完美的，很多都是有这样那样的创伤的，所以这些歌就真正表达了失意的年轻人的内心感受和心声，让他们产生了强大的共鸣，让他们喜欢。
四、对亲情的赞颂，可贵的孝心、周杰伦是个大孝子，这是很多人都知道的，而且他也把这种孝心表现在了他的作品上，比如专辑《叶惠美》就是以他的妈妈的名字命名的，而且那首《听妈妈的话》，以其动人舒缓的钢琴弹奏曲，柔柔的格调，把他对妈妈的爱诠释的极为酣畅，这也是众人都爱听的歌曲。其次在《外婆》中他提出了“她要的是陪伴，而不是六百块，比你给的还简单”，这说出了长辈对晚辈的真正的期待，他们需要的不是子女给多少钱，而是能够在一起生活，有人陪伴。
五、对现实的另一种批判
在周杰伦的歌曲中，我个人认为的另一大亮点是他关于现实有批判性的歌曲，这些歌曲透露出了音乐人对社会上某些行为的自己的见解，并不是一味的去迎合社会上的价值观。比如《本草纲目》中对当今社会上崇洋媚外的批判，“让我来调一个偏方，专治你媚外的内伤，已扎根千年的汉方，有别人不知道的力量”；如《红模仿》中“崇拜是件好事，欣赏是种美德，但走在我后面，我很担心别人会看不见你”、“做自己胜于跟太紧”表明了不鼓励盲目的模仿别人，要学会努力的做自己；再如《超人不会飞》中感慨的“拯救地球好累，虽然有些疲惫但我还是会，不要问我哭过了没，因为超人不能流眼泪”，这是典型的批判现实的饶舌歌，他在给自己辩解的同时谱上柔美的旋律，让人感觉耳目一新。
限于篇幅的原因，还有其他的方面实在没法尽述了，总之，周杰伦的歌曲在很多方面都有可圈可点的地方，只要是用客观的眼光来欣赏，来感受。
2011年5月2日
《音乐鉴赏》论文
学
院：光电信息学院 姓
名：
学
号：
第五篇：音乐论文
浅谈声乐演唱的舞台表现
摘要: 声乐演唱是一门艺术，其中自然包含了技术的成分，但是一切的技术最终都要为音乐服务，且技术仅仅是音乐的一个支点。关于技术，本文不将其作为重点。艺术的最终目的是通过其表现来传达美，通过美的传达来推动人类文明的进程！此为一个很大的专题。不做过多赘述。本文试从声乐学唱的必备条件、良好的歌唱心理、艺术修养和大量的艺术实践等几个角度出发,来探析声乐歌唱中最重要的一个方面——怎样舞台表现。关键词：声乐演唱 功底 艺术修养 实践
舞台表现对于声乐演唱者来说是一个永恒的主题，众所周知，声乐演唱的最高境界就是歌者能轻松自如地站在舞台上，准确地抒发作品所限定的思想感情，从而感染观众，引起共鸣，达到寓教于乐的目的，完成它的演唱使命。在教学实践与演出过程当中，总会碰到类似情况——很多的演唱者，嗓音技术都不错，但其演绎的作品并不感人，究其原因，两点很重要：对作品理解的肤浅，欠缺舞台表现力。这一内在和外在两方面的因素导致了失败！演唱者不仅要有扎实的演唱功底和良好的心理素质，还要有一定的文学、美术和表演等姊妹学科的理论知识。如此，才能成为舞台上的赢家！现试从以下几个方面来进行分析。
一、声乐演唱的必备条件
要想在舞台上很好的展现自己首先要有学习声乐的条件。在我国，声乐爱好者有很多，从普及的角度来说，只要嗓音和听觉健全，人人都可以学唱，但是，从提高的角度来看，为了使声乐学习达到一定的艺术水准，就需要具备学唱的基本条件。我国的音乐教育家们也总结出学唱的必备条件，比如：健康的体魄、健康的声带、敏锐的听觉、良好的节奏感、善于思考等，当然这些条件也只是最基本的要求。只有使用正确的科学的发声方法和娴熟的舞台经验，才能将一首优秀的声乐作品发挥的淋漓尽致深入人心，从而吸引更多的观众，那么我们怎样才能把一首作品唱的富有色彩表演出至深的感染力呢？首先，我们需要就演唱中所需要的技巧问题加以分析，优美的歌唱再配上适当的舞台表现，这样才会让演唱锦上添花以至达到震撼人心的艺术效果。
.扎实的演唱功底是声乐演唱者舞台表现的先决条件，没有它作为基础，其他方面只能是纸上谈兵，可见扎实的演唱功底在这一过程中起着至关重要的作用。这里所说的演唱功底主要是指歌唱的呼吸，歌唱的咬字、吐字、归韵，歌唱的发声，歌唱的共鸣等。而具有扎实的演唱功底并非一日之功，它需要一个漫长的、科学的、系统的训练过程来获得。在这个过程中，主要体现教与学的关系。
首先,作为主体的歌者来说，专心致志地刻苦钻研歌唱的技能、技巧，使演唱水平在专业老师的精心指导和自己的不懈努力下，不断得到提高，达到阶段的训练要求，并为下阶段学习奠定基础。而作为这一过程中的里一个主题——老师来说，应根据表演者自身原有的基础、自身条件以及存在的的问题有针对性的制定出适合他的教学方案和教学计划。在此基础上对表演者进行系统的训练。在训练过程中，难免会出现这样那样的问题和毛病，老师要及时的发现并给与纠正，经过无数次的反复训练，使声乐表演者的演唱功底扎实、稳定、日趋成熟，为表演者从幕后到台前打下基础.声乐表演之所以称之为“表演”或“演唱”，就因为它是带有表演性质的歌唱，而不是单纯的声乐录音或广播。声乐艺术发展到今天，已形成了多元化的局面，除了传统的演唱形式独唱、重唱、对唱以外。近几年来出现了歌舞组合、音乐剧等新的表演方式。这就要求歌者除了用歌声来塑造音乐形象意外，还要根据不同的演唱形式用肢体语言和表演来塑造音乐形象，使音乐形象更加鲜明、更加剧有感染力。声乐表演必须依靠演员的形体动作来完成，因此形体的高低优劣，直接决定着声乐表演的优劣成败。形体动作的高低优劣，又置根于刻苦认真的形体训练。由此可见，进行形体训练和表演训练，也是歌者从幕后到台前必不可少的组成部分。
二、良好的歌唱心理
培养表演者具有良好的歌唱心理，也是声乐表演者在舞台上不容忽视，非常重要的一个环节。在平时的演出中我们会发现，一些表演者在台下唱的特别好，各方面都很到位，可一上台正式演出时，就会有一些意想不到的情况发生，比如：忘词、跑调、合不上节奏、声音失控等现象，是他们的演唱大打折扣，这就是没有良好的歌唱心理所造成的。可见，具有良好的歌唱心理也是声乐表演者面临的一大难题。
良好唱歌心理的形成是一个复杂的、多元化的过程。主要受两大因素的影响：一方面，作为表演者来说话，因其生活的环境、家庭背景、成长经历、所受教育不尽相同，形成了不同的性格特征，所以心理素质也不尽相同，另一个反方面，作为客体的老师来说，在培养良好的歌唱心理这一过程中起着主导作用。老师要营造一个愉快的学习氛围，建立和谐的师生关系，要对表演者有正确的认识，准确的把握其心理特点进行施教，在训练中应多鼓励、多表扬少批评，激发他的学习热情。总之，尽可能的在训练过程中调动他的积极情绪，使他在不知不觉中顺利的完成学习任务，逐渐树立起表演的自信心，从而更好的驾驭自己，为舞台表演奠定基础。
三、丰富的文化底蕴和音乐修养
文化修养的水准如何，直接影响到歌着的声音感染力。在演唱一首歌之前，歌者除了具有扎实的功底，良好的歌唱心理外，还要对所演唱作品进行分析和二度创作。不仅要了解词曲作者的创作动机、歌曲所反映的时代背景及表达的思想感情，还要对作品的曲式结构、风格特点、旋律特点、节奏特点等进行分析处理，从而准确的塑造出完美的音乐形象，呈献给观众。人类创造了文化,而文化又影响着人,渗透于人,塑造着人,所以我们无论是在精神还是在物质的实践活动中,都必须格外注重文化修养这一问题。文化修养是艺术的灵魂,当然更是声乐艺术的灵魂。
从声乐的本质看,声乐本身就是文化的产物,尤其是音乐文化的产物。因为从它的形式到内容的不断变化、不断充实、不断升华的过程中,浸透了人的聪明智慧、美学思想、音乐观念、音乐思维、音乐逻辑。所以,学者们都说一部声乐发展史,实质上就是一部文化情感的传承的历史,是一部人类艺术的发展史。什么是声乐,它是音乐的一种,是以人声为乐器演奏(演唱)出来的音乐。人声的特点非其他乐器能比,它的音乐对人类来说是最先听到的,最先感受到的,交流思想信息、情感的声音,以人声的音乐打动人更直接更赋予感染力。人声的音乐具有其他乐器没有的特点,在多数作品中人声的音乐都有歌词,于是这部分音乐就有了双重表现,词和音乐的结合使内容不确定的音乐带上了文学给予的相当确定性,又使比较确定性的文字带上了不确定的色彩,引人去联想,从听觉引起的心绪是难以用语言表达的感受。声乐的社会功能是极强的,因为人人都能唱歌。歌者动情动容,听者感人肺腑,艺术魅力无与伦比。
（一）、文化修养的影响
正因为音乐有以上的属性和特点,围绕着它就产生了大量的声乐作曲家、歌唱家,产生了不同流派不同风格的浩如烟海的作品,使之独自成为一个完整的声乐艺术体系,成为一门博大精深的学问,成为一个音乐王国,具有了深厚而巨大的文化内涵。既然声乐是一个完整的艺术体系,在这个体系中又有浓烈的文化内涵,那么,作为一个声乐艺术的实践者,要想驾驭这门艺术,就必然要有强大的艺术能力,而这强大的艺术能力除了有过硬的技术,主要来源于文化修养的深厚广博。歌曲或声乐作品是文学艺术和声乐艺术的二合体,声乐作品大都以思想深刻、内涵丰富、文学性强、艺术性高的诗词或歌曲音乐创作的文学基础,形成了声乐作品的文学性和文学特征。歌唱与文学是紧密联系在一起的,歌词的文学性甚至在很大程度上决定着歌曲的艺术性,而对歌唱中文学性的认识也同样反映出一个歌唱者的文化水平和审美能力。要唱好任何一首歌曲或表现好任何一个声乐作品,首先要对作品的思想内容和文学内容理解透彻,在充分理解和把握的基础上,才能运用声音正确表现出歌曲作品质的内涵,表现作品思想内容和文学内容的艺术境界。如果没有一定的文学知识,像《玫瑰三愿》、《红豆词》等歌曲,就可能出现内容理解上的难度。另一方面,声乐演唱不只是对作品的一种传达的再现,更重要的是一种创作性的艺术活动,即所谓的二度创作。因此,在对声乐作品的演绎中,就需要通过自己所具有的和掌握的文学知识和文化修养,对声乐作品的时代背景、表现特征、艺术手法、民族特色等,进行分析和掌握,这样才能根据声乐作品的文学内容、音乐风格和表现特征进行最佳的设计和安排,从而使声乐作品的艺术处理和艺术表现,更加合乎作者的创作意图和作品本意。所以,文化修养对声乐艺术的实践者来说,是至关重要的,如果我们不能认识这一点,并身体力行地去提高文化修养,那我们就会变得苍白无力、单薄乏味,在博大的声乐艺术的瀚海中只能停留在表面或不深的层面而显得华而不实,或心有余而力不足。因此,我们可以说,深厚的文化修养能使我们从哲学的高度、思想的高度、人性的高度去触摸声乐艺术最深邃、最本质的东西,引领我们从声乐艺术的必然王国走进声乐艺术的自由王国。
音乐是文化这一领域中的一个分支，它不可能脱离文化这个整体而独立存在，也不可能不受其他文化的影响而单独沿着自己的轨道运行。
(二)、音乐修养的影响
美好的歌唱，要求歌唱者应具有良好的音乐素质。这些音乐素质主要包括音准、节奏、音乐记忆等等。音准、节奏是音乐素质的重要方面。音准、节奏感是否准确，直接影响到歌唱者对作品的表达。我们常常可以看到，有的声乐爱好者声音条件和生理条件都不错，但是音准、节奏感很差，这是很大的遗憾。
音乐技能的掌握对声乐学习则起着更实际、更明确的作用。音乐比其他艺术形态更具有严密的内部结构，这就要求声乐学习者对声乐作品进行全面的了解和分析。具有音乐素质的人要进一步学习音乐就必须学习音乐方面的基本技能和知识，音乐基本技能包括：视唱练耳、乐理、键盘乐器基础、和声、复调、曲式。
视唱练耳是学习音乐的基础，要准确的听辨和视唱出音阶、音程、节奏、旋律必须学习视唱练耳；乐理也是学习音乐的基础，学好乐理知识才能唱准、唱好歌曲。音乐基础理论是每一位音乐学习者的一门必修课。学好和掌握好“基本乐理”对增强学习者的综合音乐素质，提高演唱水平起着不可泯灭的作用；键盘乐器和乐理知识的学习是相辅相成的，有了一定的键盘基础才能进行听觉训练和视唱练习。而发声练习等都离不开键盘乐器；和声和复调是乐理的升华，能够分析和创作多声部声乐作品。运用复调手法，可以丰富音乐形象，加强音乐发展的气势和声部的独立性，造成前呼后应、此起彼落的效果。和声的功能作用，直接影响到力度的强弱、节奏的松紧和动力的大小。此外，和声的音响效果还有明暗的区别和疏密浓淡之分，从而使和声具有渲染色彩的作用。比如我们欣赏冼星海写的《黄河颂》这首歌曲,就不仅要听辨出其中音高、节奏不同的各个音,还要进一步去感受它那刚健雄浑、感情深厚、气息宽广的旋律,并从中体会作者对伟大中华民族的热情赞颂这一感情内容。而当我们选择歌曲伴奏,就要注意倾听各声部是怎样组合的,它的和声、复调产生了什么音乐效果,乐队中各种乐器是怎样配合,管弦乐色彩有什么变化等等,并使自己对多声部音乐效果有一个比较完整的感受；曲式是指音乐作品的组织结构。传统的格式有二段体、三段体、连续式、回旋式、变奏式和混合式等。基本要素包括主题、乐章、乐段、乐节、乐句，常见的创作手法有重复、变化、对比等。音乐结构关系到歌唱者如何达到作品要求的问题。只有对作品的旋律、节奏以及结构进行分析、理解，才能对音乐有更深的了解，便于声乐学习者的再度创作。
四、艺术实践
理论指导实践，实践检验理论，任何理论的形成都离不开时间，声乐演唱也不例外，当一名歌者具备了扎实的演唱功底、良好的歌唱心里、丰富的文学艺术修养以后，还要进行大量的的艺术实践。这里所说的艺术实践主要指两个方面： 一是舞台实践，一方面，经过声乐演唱严格训练的演员或学生，在声音训练相对完善的条件下，必须经过舞台的艺术实践，才能真正找到声乐演唱与舞台表演的契合点。声乐演唱与舞台表演是相互依存的关系，经过舞台实践的声乐演唱将会获得更多的舞台经验，在舞台经验积累的基础之上，演唱能力将得到进一步的升华。因为通过实践会帮助演唱者了解到声乐演唱中声音的走向，明确观众的认知度，歌唱和表演的尺度，舞台的把握，尤其歌剧演绎中的剧中人物身份、性格、历史背景等等一系列的问题都会在舞台实践中找到准确的答案。如果没有经过舞台实践过程，声乐演唱也将失去锤炼声音的机会，声音技巧得不到舞台的检验，还不可能成为真正的歌唱演员。
我个人也曾参加过很多比赛或晚会。在排练和演出的过程中积累了一些舞台表演经验，也使我更加清楚地看到舞台表演与声乐演唱密不可分的关系。通过舞台实践，不仅使我自己得到锻炼，把已掌握的歌唱技能、技巧进行磨合，形成完美和谐的统一体，还可以发现演唱中存在的不足和问题，并有针对性的给与纠正，使歌者日趋完善。声乐演唱要清楚地了解舞台实践的艺术需要，以及观众对审美的认知，才能真正把握声乐演唱的发展方向。另一方面，通过观摩学习不仅使歌者开阔视野，增长见识，了解声乐艺术发展的趋势，还可以使歌者从别人的演唱中发现自己的不足，进而改正，是自己的歌唱意识更清晰，对于阶段的学习起到促进作用。
二是观摩学习，观摩是声乐学习过程中最长见的一种实践活动。观摩的方式多种多样，有同学间的相互观摩，还有大师表演时的观摩等，通过观摩交流找出别人的优势和特点并对比自己的演唱，找出差距和不足，从而提高自己的艺术实践水平。
影响声乐演唱者舞台表现的因素很多，他们之间是相互影响，相互制约并不可替代的。作为一名歌者来说，要充分认识到每个因素的重要性，在日常的训练中要有针对性的去学习和积累，为歌者能在舞台上轻松自如的表演铺开道路，奠定基础。
参考文献
【1】 南京艺术学院学报 2007年2月——4月 【2】 赵梅伯 歌唱的艺术 [M] 上海文艺出版社 1997 【3】 《音乐生活》杂志 李静著 《浅析演唱在创作》[J] 【4】 郭建民 声乐文化学 [M] 上海音乐出版社 2007 【5】 李晓贰 民族声乐演唱艺术 [M] 湖南文艺出版社 2001
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